Fallece Kazuo Umezu, Maestro del Terror

Un saludo a todos.

Pues aquí estamos una vez más, con una de esas entradas que uno nunca quiere tener que hacer. Pero esta mañana nos hemos levantado con la triste noticia de que el gran maestro del manga de terror Kazuo Umezu (o Kazuo Umezz, como prefería que se estilizara su nombre en alfabeto latino) falleció el pasado 28 de octubre. Tenía 88 años. 

Tras varios meses hospitalizado por un cáncer de estómago, el autor nos ha dejado finalmente. Aunque no sea una noticia especialmente sorprendente dada su avanzada edad, es imposible no sentir tristeza por su partida, especialmente siendo Umezu un personaje público siempre tan activo y lleno de vitalidad, siempre sonriendo y haciendo payasadas, a pesar de ser célebre por sus macabras obras.

Desde nuestro humilde blog, queremos rendir homenaje a uno de los mejores mangakas de la historia, pionero en el manga de terror y uno de los mayores exponentes mundiales del género (aunque también se dedicó en buena medida a la comedia absurda). Uno de los autores más creativos, impredecibles y originales que jamás hayan vivido, cuyas obran desbordan imaginación. Desde los conceptos hasta los giros de guión y la plasmación gráfica de los más indescriptibles horrores. Nadie ha dibujado, ni seguramente dibujará nunca, expresiones de profundo terror como las suyas.

Kazuo Umezu, maestro del terror

Kazuo Umezu (a veces romanizado como Umezz por preferencia del autor) pasa por ser uno de los autores más importantes de la primera generación de mangakas de posguerra. Nacido en 1936, su debut profesional tiene lugar en 1955 con Mori no Kyoudai.

A partir de entonces, y sobre todo desde la década de los sesenta, Umezu se convertiría en uno de los grandes iconos del manga de terror como uno de sus precursores, a pesar de haber cultivado también numerosos éxitos en la comedia y otros géneros.

Su obra más conocida en el mundo entero y que se convertiría en uno de los más grandes clásicos del manga de terror sería Aula a la Deriva (Hyouryuu Kyoushitsu), publicada entre 1972 y 1974, en la que se relata cómo una escuela primaria es repentina trasladada en el espacio y el tiempo, con todos sus estudiantes y profesores dentro, y cómo estos niños tendrán que hacer frente al mundo hostil al que han ido a parar tras la pérdida de cordura de los adultos.

Entre sus obras, aparte de Aula a la Deriva, cabe destacar El chico de los ojos de gato (Nekome Kozou, 1967-1976), Orochi (1969-1970), Bautismo (Senrei, 1974-1976), Makoto-chan (1976-1981), Watashi wa Shingo (My Name is Shingo, 1982-1986), Kami no Hidarite Akuma no Migite (God's Left Hand, Devil's Right Hand, 1986-1989) o 14 Sai (Fourteen, 1990-1995).

Umezu se retiró de su actividad como mangaka en 1995 debido a una enfermedad, pero él mismo se había convertido ya en todo un personaje mediático y continuó apareciendo en programas de televisión y películas (por ejemplo, en adaptaciones de sus obras).

Entre sus conocidas extravagancias es especialmente llamativa su costumbre de vestir con ropa a rayas rojas y blancas al más puro estilo ¿Dónde está Wally?, así como la casa que se construyó, a la que llamó Makoto-Chan House en referencia a una de sus obras más queridas por los japoneses.

Nos deja unos de nuestros autores favoritos, pero lo hace tras una larga y prolífica vida que merece ser celebrada con la misma alegría y color con la que él mismo la vivía. Cuesta creer que una persona como el maestro quisiera ser recordado con solemnidad y tristeza, así que mejor aprovechemos esta oportunidad para leer o releer sus obras y divertirnos (o aterrorizarnos) con ellas. En España tenemos la suerte de haber visto publicadas varias de sus creaciones más importantes, empezando por su icónica Aula a la Deriva, aunque pasó tristemente con más pena que gloria y merecería una nueva oportunidad. En los últimos años, Satori ha publicado también sus estupendas series El Chico de los ojos de gato y Bautismo, así como el tomo de historias cortas La casa de los insectos. Todas ellas grandes opciones para disfrutar de su arte.

Hasta siempre, sensei. Gracias por todo.

Fallece Akira Toriyama

Un saludo a todos.

Como ya todos sabréis, el día de hoy ha empezado con una inesperada y triste noticia para el mundo del manga (y del cómic en general). Hace unas horas se reportaba el fallecimiento de Akira Toriyama el pasado 1 de marzo a causa de un hematoma subdural, con tan solo 68 años.

Realmente hay poco que podamos decir que no se haya dicho y se esté diciendo ya en redes y medios de todo tipo a lo largo y ancho de todo el mundo. Creador de Dragon Ball, Dr. Slump y un puñado más de historias cortas, así como diseñador de personajes y criaturas de la longeva franquicia Dragon Quest, Akira Toriyama es, sin duda, uno de los autores más conocidos e influyentes de la historia del cómic y del arte. La huella que ha dejado en la cultura popular del último medio siglo es inconmensurable, más allá de preferencias y gustos particulares.

Por nuestra parte, no podemos afirmar que fuera uno de nuestros favoritos, pero sin duda sus obras tuvieron una gran importancia en nuestras infancias, como en las de varias generaciones. Es imposible entender a día de hoy el fenómeno mundial del manganime y la cultura asiática en general sin las aventuras de Goku y compañía. Todos, de forma más o menos directa, nos hemos visto influidos por sus creaciones, sea como lectores, espectadores o artistas. 

Pero no queremos despedir este obituario sin detenernos un momento a destacar el que para nosotros siempre fue el punto más fuerte de Toriyama: la comedia. Aunque la enorme popularidad de la segunda parte de Dragon Ball (o sea, Dragon Ball Z en el anime) ha hecho que se recuerde su obra por la acción, no debemos perder de vista que empezó, y en el fondo siempre fue, un autor de comedia. Una comedia de tintes muy absurdos y surrealistas, muy física y muy expresiva. A pesar de que esos elementos humorísticos se fueran diluyendo con el paso de los años y la presión de la serialización de su obra más famosa, los primeros compases del manga, así como su magistral Dr. Slump (uno de los mejores mangas de comedia que hemos leído nunca), son buena prueba de ese talento poco apreciado.

En definitiva, hoy despedimos a uno de los autores más importantes del mundo del cómic, y solo tenéis que asomaros brevemente a redes sociales para comprobar el grado de impacto que tuvo en millones de personas. Y eso significa que nunca será olvidado.

Hasta siempre, Toriyama-sensei

Fallece Leiji Matsumoto

Un saludo a todos.

Finalmente ha llegado el día que no queríamos que llegara. Hace unas horas se hacía pública la noticia del fallecimiento de Leiji Matsumoto, que se produjo el pasado 13 de febrero en un hospital de Tokio, aparentemente a causa de un fallo cardíaco, a la edad de 85 años. 

A lo largo de estos años, hemos escrito varios obituarios (más de los que desearíamos, desde luego) en memoria de grandes autores que nos han ido dejando y a los que admirábamos. Pero este es un caso especial, por motivos, creemos, bastante evidentes. No sabemos muy bien cómo expresar lo que sentimos ante esta pérdida, así que simplemente dejaremos que las palabras fluyan de forma un poco diferente a otras ocasiones.

Leiji Matsumoto

Nacido en 1938 con el nombre de Akira, el maestro Matsumoto debutó como dibujante profesional en 1954, con apenas 16 años. Como otros muchos de su generación, comenzó haciéndose un hueco en el shojo manga, un campo en el que conoció a la también pionera del cómic japonés Miyako Maki, junto a quien publicó numerosas obras y con la que acabaría casándose.

Pero sería en la década de los 70 cuando le llegara la consagración en el terreno de la ciencia ficción, participando en 1974 en la creación del proyecto transmedia Uchuu Senkan Yamato (Space Battleship Yamato), en el que crearía los diseños y se encargaría de la primera versión en papel; y, en 1977, dando el pistoletazo de salida a sus obras más icónicas e influyentes: Capitán Harlock y Galaxy Express 999, además de Queen Emeraldas. Estas obras, junto con otras como Queen Millennia / La Princesa de los Mil Años (Shin Taketori Monogatari: 1000-nen Joo), le convirtieron en uno de los autores clave de la ciencia ficción japonesa y el gran maestro de la space opera (aunque tocaría otros palos, como el western de Gun Frontier o el bélico de The Cockpit).

Probablemente muchos le conoceríais por una de sus obras más populares, bien fuera Harlock, Yamato o Galaxy Express 999. O, quizá, por la reconocida película musical Interstella 5555, en la que se encargó de plasmar visualmente el álbum conceptual de Daft Punk Discovery. Pero, para nosotros, Leiji Matsumoto significaba mucho más.

No es ningún secreto, a la vista del nombre y diseño de este blog, que el Leijiverso es algo muy importante para nosotros. No es simplemente que nos guste. No es simplemente que sea uno de nuestros autores favoritos. Es que nos conocimos a través de su obra.

Los títulos clásicos no son precisamente los que más se comentan en redes sociales, por lo que cuando dos o más personas comparten esos gustos concretos es fácil que se forme un círculo de confianza. Y, básicamente, así fue como estos dos frikis que escriben frikadas en este blog se conocieron. Una amistad que ya dura casi una década comenzó, sin sospecharlo entonces, hablando de Capitán Harlock. Es por eso que al maestro Leiji Matsumoto le debemos no solo las horas de diversión (y de síndrome de Stendhal) que nos proporciona su obra, sino también algo mucho más importante: un hermano.

Nos cambiaste la vida, sensei. Estamos aquí, en este blog, juntos como mejores amigos, gracias a ti. Te debemos más de lo que jamás podremos expresar. Nunca morirás para nosotros. Gracias y buen viaje.

Descansa surcando el infinito mar de estrellas, Maestro.

Fallece Hiroshi Hirata, maestro del jidaimono

Un saludo a todos.

Bueno... Parece que este año no nos quiere dejar tregua con las despedidas a grandes maestros del manga. Si hace a penas un par de meses despedíamos a Sanpei Shirato (y poco antes de él, a Takao Saito), hoy conocemos la noticia del fallecimiento de otra leyenda del gekiga: Hiroshi Hirata nos dejó el pasado 11 de diciembre de 2021, a los 84 años de edad, a causa de un paro cardíaco.

Hiroshi Hirata: dibujante, calígrafo y erudito

Nacido el 9 de de 1937 en Tokio, el joven Hiroshi Hirata se interesaría antes por las novelas históricas ilustradas que por el manga en sí, campo en el que debutaría en 1958 con la obra Aizô-Hissatsuken, publicada en forma de kashi-hon (manga de alquiler que proliferaba en aquella época, generalmente dirigido a lectores adultos), por lo que se enmarcaría rápidamente en la naciente corriente del gekiga.

En los años siguientes continuó publicando algunas historias cortas más, especializándose en el género histórico o jidaimono (relatos de época, generalmente ambientados antes y durante la Época Edo). Para ello, Hirata se documentaba profusamente, visitando numerosas bibliotecas y archivos locales, dotando a sus obras de un profundo rigor histórico y convirtiéndose en todo un erudito del estilo de vida del Japón Feudal.

Fue, sin ninguna duda, en el autor más importante del género "de samuráis" de la historia del manga, junto con la dupla Kazuo Koike/Goseki Kojima (con cuyos estilos tenía bastante en común, tanto en la contundencia narrativa como en el fuerte y detallado trazo) y Sanpei Shirato. Ahora, tristemente, todos desaparecidos.

Pero además de por el manga, Hiroshi Hirata destacó por su labor como calígrafo, una dedicación que le consagró inesperadamente cuando, en 1988, diseñó el logo en kanji para la adaptación animada de Akira. Tan satisfecho quedó Katsuhiro Otomo con el diseño que, al retomar la publicación del manga tras el estreno de la película, lo incorporó al mismo. ¿Y quién no reconoce hoy en día, a simple vista, el famosísimo logo de esta obra de culto?

En España hemos tenido la suerte de disfrutar ampliamente de la obra del maestro. Su serie más importante y conocida, Satsuma Gishiden: El Honor del Samurái Legendario fue publicada por Dolmen en 5 tomos. ECC trajo el tomo único Avatares de una Espada Memorable. Partitura para un Castillo Caído, y aún tiene a medio publicar la serie Kuroda y las 36 Estrategias (¿la terminarán algún día? lo dudamos). Pero sobre todo fue Glénat/EDT la editorial que más apostó por el maestro, con los tomos únicos ya descatalogados Relatos Insólitos de Samuráis, Asesino, Héroes Anónimos, La Rebelión del Emblema, La Venganza del Guerrero Repudiado, Orgullo de Samurái, Promesas Rotas y Zatoichi.

Y nosotros nos despedimos aquí, tristes ante la pérdida de un autor al que admirábamos desde hace muchos años, pero felices de que viviera una vida larga y llena de reconocimientos por una obra inigualable e imprescindible para cualquier amante del cómic o de la ficción histórica en general.

Hasta siempre, Hirata-sensei. Gracias.

Fallece Sanpei Shirato, autor de Kamui-den

Saludos a todo el mundo.

Si hace pocas semanas nos levantábamos con la triste noticia del fallecimiento de Takao Saito, hoy se repite la situación con otro de los nombres más importantes e influyentes del gekiga de los años 60 y 70: el pasado día 8 de octubre fallecía, a los 89 años de edad, Sanpei Shirato, especialmente conocido por sus obras de ninjas y samuráis como la legendaria Kamui-den. 

Asimismo, se ha comunicado que unos días después, el 12, fallecía también su hermano menor Tetsuji Okamoto, que se encargó del dibujo de algunas partes más recientes de la saga de Kamui.

Sanpei Shirato: Gekiga, ninjas y marxismo

Nacido el 15 de febrero de 1932 como Noboru Okamoto en el seno de una familia proletaria, el activismo político de su padre y su cercanía con el escritor y líder marxista Takiji Kobayashi definieron rápidamente las inclinaciones ideológicas de Shirato.

Tras un inicio como artista de kami-shibai (teatro de papel), Sanpei Shirato dio el salto al manga en 1957, incorporándose a la entonces naciente corriente del gekiga. Entre 1959 y 1962 publicó su primera gran obra maestra, Ninja Bugeichou.

En 1964, de hecho, contribuyó a la fundación de la mítica revista Garo (nombrada así, por cierto, a raíz de uno de sus personajes), imprescindible para la consolidación del gekiga, en la que publicó desde su primer número la que sería su obra más famosa, Kamui-den, cuya serie principal continuaría hasta 1971, pero a la que agregaría nuevas precuelas y secuelas a lo largo de las décadas.

A pesar de su especialización en obras de corte histórico, o jidaimono, Sanpei Shirato imbuía estos relatos de una lectura claramente marxista, empleando a la casta samurái como metáfora de las clases opresoras del pueblo llano, que era el proletariado. Gracias a ello, se convirtió en los años 60 en un autor de referencia para los movimientos izquierdistas estudiantiles que sacudieron Japón durante gran parte de la década.

Por desgracia, el autor se mantuvo firme durante sus últimos años de vida en su negativa a ceder los derechos internacionales de sus obras para su publicación en el extranjero, ya que no deseaba dejar a sus herederos el problema de gestionarlos cuando muriera, por lo que actualmente tenemos muy difícil acceso a sus obras publicadas en algún idioma occidental. Hace cerca de una década, la editorial francesa Kana tuvo la suerte de poder publicar Kamui-den en 4 voluminosos tomos de 1500 páginas, pero actualmente se encuentran totalmente descatalogados. Una suerte parecida corren los 4 tomos que conforman la edición italiana de Ninja Bugeichou (publicada como Kagemaru-den) y el tomo único Akame: The Red Eyes. Por supuesto, no hay mucho que decir sobre los pobres intentos de publicar fragmentariamente su obra durante los años 90 en varios países. Quizá, con un poco de suerte, los herederos de los derechos del maestro tendrán a bien permitir su publicación en el futuro próximo, porque es necesario mantener vivo el legado de tan importante artista.

Hasta siempre, sensei. Gracias por todo.

Fallece Takao Saito, creador de Golgo 13 y pionero del gekiga

Saludos a todo el mundo.

Hoy hemos comenzado el día con una de esas tristes noticias que nunca es bonito dar: los medios japoneses han informado de que hace unos días, el pasado 24 de septiembre de 2021, fallecía Takao Saito, a la avanzada edad de 84 años, a causa de un cáncer de páncreas.

Por ese motivo hemos querido dedicar unas breves palabras a la memoria de uno de los maestros más importantes de la historia del manga. A estas edades, es lo más normal del mundo que muchos de los grandes pioneros del manga vayan dejándonos poco a poco, tras largas y fructíferas vidas. Pero no por ello deja de apenar la pérdida de estos artistas.

Takao Saito: Gekiga hard-boiled

Nacido en 1936, Takao Saito debutó profesionalmente como autor en 1955 con Baron Air, y pronto se unió a sus compañeros y buenos amigos Yoshihiro Tatsumi y Masahiko Matsumoto en su intento de revolucionar el cómic japonés. Nacía así el "gekiga" ("dibujo dramático"), término acuñado por oposición al "manga" para reivindicar obras de tono y estilo enfocados al lector maduro. Para ello fundaron el Gekiga Kôbô (Taller Gekiga), de corta vida pero gran influencia.

En 1960 fundó Saito Productions, su particular e inusual manera de concebir la creación de manga, similar a una producción cinematográfica, en la que él actuaba como "director" y coordinador, realizando guiones y parte del dibujo, pero confiando en un amplio grupo de asistentes o discípulos. Sabemos que, al menos en los últimos años, el maestro se encargaba siempre de dibujar todos los rostros de personajes, pero dejaba la mayor parte del trabajo artístico al resto del equipo.

Su obra artística se caracteriza por un tono marcadamente noir y hard-boiled, con obras frecuentemente protagonizadas por criminales, espías o personajes de moralidad laxa. La gran muestra de ello es, sin duda, la obra de su vida: Golgo 13, el manga más largo (202 tomos a fecha de hoy) y más longevo de la historia (en publicación ininterrumpida desde 1968), adaptado tanto a animación como a imagen real. En España pudimos disfrutar de una antología de 13 historias, lamentablemente ya descatalogada.

Entre sus otras obras destacan el manga basado en las clásicas novelas policíacas históricas Onihei Hankochô, unas cuantas adaptaciones de novelas de Ian Fleming de 007 (fuerte influencia para Golgo 13) o los mangas de catástrofes y supervivencia Breakdown (publicado aquí por Dolmen) o Survival.

La editorial ya ha confirmado que el legendario Golgo 13 no se interrumpirá tras el fallecimiento de Saito y que, siguiendo los deseos del maestro, continuará adelante a cargo de los miembros de Saito Productions.

Para acabar, creemos que lo mejor que se puede hacer para recordarle, además de leer sus obras (en la medida de lo posible, dadas las limitaciones obvias), es verle a él mismo en acción, dibujando y explicando su particular método. Os enlazamos aquí, pues, el episodio del Naoki Urasawa no Manben dedicado a Takao Saito de hace pocos años.

Hasta siempre y gracias, Saito-sensei

Fallecen los maestros Monkey Punch y Kazuo Koike

Buenas tardes a todos y sed tristemente bienvenidos a La Bandera de la Libertad.

Otra vez más nos vemos en la poco agradable tesitura de publicar una entrada de esta naturaleza, y además esta vez es especialmente triste. Con apenas un par de días de diferencia, nos han dejado no uno, sino dos importantísimos maestros de la historia del manga, coetáneos y rivales entre ellos: Monkey Punch y Kazuo Koike.

Si el otro día, al conocerse el fallecimiento de Monkey Punch, no tuvimos ocasión de dedicarle unas palabras por asuntos personales, hoy nos hemos levantado con otra triste noticia: los medios japoneses anunciaban también el deceso de Kazuo Koike. Así que hoy sí, vamos a honrar humildemente la memoria de ambos artistas con este pequeño obituario conjunto.

Monkey Punch, padre de Lupin III

Kazuhiko Kato, conocido artísticamente por su seudónimo Monkey Punch, nació en Hokkaido el 26 de mayo de 1937. Tras graduarse, debutó profesionalmente en 1965, utilizando inicialmente otros seudónimos. El nombre de "Monkey Punch" llegaría algo más adelante, por sugerencia de su editor, aunque para Kato inicialmente no era de su agrado.

El gran boom de su carrera comenzaría, de forma más bien inesperada, en 1967. Ese año comenzó a publicar la serie Lupin III en la revista Weelky Manga Action de Futabasha, en la que contaba las aventuras de Arséne Lupin III, nieto del archiconocido caballero ladrón creado por el novelista francés Maurice Leblanc a principios de siglo. 

La serie fue un gran éxito, pero cambió para siempre la historia del manganime a partir de 1971, cuando fue adaptada al anime por primera vez. Aquella humilde producción de 23 episodios se convertiría en una de las primeras colaboraciones de los legendarios Isao Takahata y Hayao Miyazaki, mucho antes de que se forjaran un nombre con Ghibli (y culminaría con la película El Castillo de Cagliostro, primer largometraje de Miyazaki). 

Tras esta primera temporada, Lupin y sus compañeros volverían a las pantallas con una segunda tanda, de más de 170 episodios, en 1977 y una tercera en 1984. Ya en 2015 se estrenó una cuarta serie televisiva, y en 2018 la quinta. A lo que se le suma la fantástica reimaginación en clave feminista de Mine Fujiko to Iu Onna, y decenas de películas, especiales de TV y OVA's a lo largo de todas estas décadas, incluidas un par de adaptaciones a imagen real. 

El enorme éxito de su obra llevó a Monkey Punch extendiera las aventuras del pícaro ladrón durante 14 tomos (aunque fue inicialmente planeada como una serie breve), y años después, entre 1977 y 1981, publicaría otra tanda de otros 17 volúmenes, bajo el título de Shin Lupin III. 

Monkey Punch destacó en el mundo del cómic universal gracias no solo a su obra maestra y sus increíblemente carismáticos personajes, sino también por su característico estilo artístico. El arte de Monkey Punch se alejaba enormemente de las tendencias habituales del manga, incluso de las corrientes más marcadamente adultas (gekiga), ya que bebía fuertemente del estilo occidental, especialmente de la revista cómica para adultos americana Mad Magazine. 

Hace pocos días nos enteramos oficialmente de que el autor había fallecido el día 11 de abril, a los 81 años, a causa de una neumonía. Inevitablemente, estamos en un momento en el que la mayoría de los más grandes y trascendentes maestros del manga empiezan a marcharse a causa de su avanzada edad. Pero algo está claro: aunque Monkey Punch nos haya dejado, Lupin, Fujiko, Jigen, Goemon y Zenigata estarán siempre con nosotros, y es gracias a él. 

Kazuo Koike, el gran guionista de samuráis y yakuzas

Kazuo Koike nació el 8 de mayo de 1936, y desde que comenzó su carrera profesional como guionista en los años 60, fue considerado como uno de los mejores autores de manga, y uno de los más influyentes en el cómic mundial, especialmente gracias a sus obras de época junto a Goseki Kojima y sus relatos de crimen organizado con Ryoichi Ikegami. 

Koike fue una de las grandes cabezas visibles del gekiga, el manga de temática y estilo adultos, en contraposición al manga infantil y juvenil imperante hasta el momento. Lograría su consagración especialmente a través de su prolongada colaboración con el dibujante Goseki Kojima, con quien creó algunos de los más míticos e influyentes mangas históricos de samuráis (junto a las obras de Hiroshi Hirata y Sanpei Shirato). Entre ellos, sin duda, su gran obra maestra fue El Lobo Solitario y su Cachorro (1970-1976), reconocido mundialmente como uno de los mejores mangas de la historia. 

Otro punto de inflexión en su obra llegó entre 1972 y 1973 con su colaboración con el gran Kazuo Kamimura, maestro del costumbrismo femenino, con quien creó otro icono del manga jidaimono (de época): Lady Snowblood, el relato de venganza de una mortífera asesina, que además fue llevado al cine con dos películas ya de culto protagonizadas por Meiko Kaji. 

En su otra vertiente, como autor de historias sobre yakuzas, destaca la obra que realizó junto a Ryoichi Ikegami, Crying Freeman, uno de los mangas del género más influyentes de la historia, publicado en Japón entre 1986 y 1988.

Ya como autor consagrado, Koike fundó su propia escuela de manga, la Gekiga Sonjuku, en la que él mismo impartía clases sobre guión y, especialmente, creación de personajes, el elemento que siempre consideró el más determinante para la calidad de una obra. Bajo sus enseñanzas surgieron otros grandes autores como Rumiko Takahashi o Tetsuo Hara. 

Otras de sus obras son, con Goseki Kojima, Asa, el Ejecutor, Hanzo, el camino del asesino, Son Goku, el héroe de la Ruta de la Seda, Kasajiro el Clavatatamis, El Hombre Sediento, Kei, crónica de una juventud, Llegó la primavera, La Leyenda de Kujaku, El Carterista...; o con Ryoichi Ikegami, Offered o Kizuobito.

Hoy mismo nos enterábamos de su fallecimiento el día 17, a los 82 años de edad, también a causa de una neumonía, como su rival Monkey Punch. A veces el destino tiene extrañas ironías.

En conclusión, desde este pequeño blog, dos aficionados y grandes admiradores de sendos maestros queremos darles un último adiós. Pocas obras, por no decir ninguna, nos han regalado unos personajes tan profundamente carismáticos e icónicos como los pícaros ladrones y su desesperado perseguidor de Lupin III. Del mismo modo que pocos autores pueden presumir de una lista tan larga de brillantes obras como Kazuo Koike, que además, haciendo un gran ejercicio de erudición, supo traernos hasta la actualidad los pormenores del día a día del Japón de la Época Edo. 

Hasta siempre, senseis. Gracias por tanto.

Fallece Kirin Kiki, la "abuela del cine japonés"

Buenas tardes. Os damos un día más una triste bienvenida a La Bandera de la Libertad.

Tristes porque, como en otras ocasiones, estamos escribiendo unas líneas que preferiríamos no tener que escribir. Esta mañana nos hemos levantado con la demoledora noticia, rápidamente comunicada por Cine Made in Asia, del fallecimiento de Kirin Kiki, veterana actriz japonesa que ha vivido un periodo de especial esplendor en los últimos tiempos.

En 2004, Kirin Kiki fue diagnosticada de cáncer, contra el que ha estado luchando estos 14 años. Hace pocos meses, en una entrevista, comentaba que la enfermedad ya había avanzado demasiado y era imparable. Finalmente ha fallecido hoy, a los 75 años de edad.

La entrañable "madre y abuela" del cine japonés

Nacida en 1943 como Keiko Nakatani (Uchida como apellido de casada) en una familia de artistas (hija de un músico de biwa), Kirin Kiki comenzó su prolífica carrera interpretativa en la década de los 60, consiguiendo en la tercera entrega de la mítica saga Tora-san uno de sus primeros papeles, y utilizando inicialmente el nombre artístico de Chiho Yuuki.

En 1973 se casó por segunda vez, con el música Yuya Uchida, con quien tuvo una hija, Yayako, también música y ensayista, que interpretaría a la versión joven de la propia Kirin Kiki en la película de 2007 Tokyo Tower: Me and Mom, and sometimes Dad. La hija de esta y nieta de Kirin, Kyara Uchida, protagonizaría junto a su abuela una de sus últimas y más conocidas películas, Una Pastelería en Tokio.

En cierto momento de su carrera, la actriz decidió subastar su seudónimo "Chiho Yuuki" en una subasta benéfica porque, según decía, "no poseo nada más". Desde entonces cambió su nombre artístico por el conocido Kirin Kiki. 

A pesar de su prolongada carrera, ha sido su recorrido en el presente siglo el que le ha dado prestigio y reconocimiento internacional como una de las mejores actrices contemporáneas del cine japonés. En gran medida se debe a su estrecha colaboración con el director Hirokazu Koreeda, para quien fue como una segunda madre, y que contó con ella en casi todos sus filmes hasta la fecha: Still Walking, De tal padre, tal hijo, Nuestra hermana pequeña, Kiseki, Después de la Tormenta  y su última película, Un asunto de familia, aún por estrenar en España y galardonada con la Palma de Oro en Cannes este 2018, donde Kiki hizo una de sus últimas apariciones públicas, ya muy envejecida.

Además, Kirin Kiki ha aparecido también recientemente en Una Pastelería en Tokio, la película que le permitió a la directora Naomi Kawase dar el salto al reconocimiento internacional, en el que fue uno de sus mejores papeles. También protagonizó otros dramas familiares como Tokyo Tower: Me and Mom, and sometimes Dad, con Joe Odagiri, Takako Matsu y su propia hija; o Chronicles of my mother, junto a Koji Yakusho. Podéis leer nuestros comentarios de algunas de las películas haciendo click sobre los títulos.

Gracias a estos papeles, Kiki logró el aprecio y reconocimiento de cinéfilos de todo el mundo, encandilados por su calidez y su ternura al interpretar papeles de ancianas madres y abuelas que se ganan todo nuestro cariño y amor. 

No es ningún secreto que también para nosotros Kirin Kiki era una de las mejores actrices del cine japonés contemporáneo. Uno de esos rostros cuya presencia en una película hacían que valiera la pena verla y esperar a su estreno con ganas. Y por ello seguiremos esperando, ahora con todavía más ganas, poder ver su trabajo en Un asunto de familia (Shoplifters), en la que estamos seguros de que su presencia fue una pieza clave para convertirla en una película merecedora de la Palma de Oro.

Quedamos también pendientes del estreno de Nichinichikorekojitsu (Cada día es un buen día), cinta sobre la ceremonia del té que protagoniza junto a la joven y talentosa Haru Kuroki y que está previsto para octubre en Japón.

Sin mucho más que decir, nos despedimos por hoy. Como en otras ocasiones, hemos querido dedicar un espacio en nuestro humilde blog para conmemorar la memoria de esta maravillosa actriz que tantas entrañables películas nos ha regalado. Sin duda, hoy el mundo está un poco más huérfano, pues ha perdido a una madre y abuela muy querida.

Hasta siempre, Kirin Kiki. Gracias por tus tiernas sonrisas

Fallece Isao Takahata, cofundador de Ghibli

Saludos a todos.

Abrimos triste e inesperadamente una vez más las puertas de nuestro blog hoy, aunque os aseguramos que desearíamos no tener que estar haciéndolo. 

Hoy, 5 de abril de 2018, ha fallecido en Japón Isao Takahata.

No se conocen las causas exactas del fallecimiento, aunque sí sabemos que ha pasado a mejor vida en un hospital de Tokio tras unos meses lidiando con un estado de salud no muy bueno. El maestro tenía ya 82 años. 

La mayoría conocería a Takahata por ser el cofundador, junto a su gran amigo Hayao Miyazaki, del prestigioso Estudio Ghibli, bajo el que realizó obras maestras de la animación como Pompoko, Recuerdos del Ayer, Mis Vecinos los Yamada, El Cuento de la Princesa Kaguya o, sobre todo, la desgarradora La Tumba de las Luciérnagas. Pero también le podréis conocer por su labor anterior en Nippon Animation, para quienes dirigió clásicos como Heidi, Marco o Ana de las Tejas Verdes. Asimismo, junto a Miyazaki (cuya carrera como director de animación impulsó), se haría cargo de la dirección de la primera temporada de Lupin III en 1971, dándole el giro decisivo que la convirtió en una las sagas más míticas de la historia del anime.

Nuestros lectores habituales sabrán perfectamente que somos profundos admiradores de la carrera de Isao Takahata, a quien consideramos uno de nuestros directores favoritos de todos los tiempos, no de animación en particular, sino de cine en general,. Podéis leer nuestras reseñas de sus películas Mis Vecinos los Yamada, Goshu el Violoncelista y Recuerdos del Ayer haciendo click en los títulos.

Os dejamos, como siempre en estos tristes casos, con una breve biografía de este inigualable director.

Isao Takahata: Sensibilidad, humor, delicadeza

Nacido en 1935, Isao Takahata se incorporó a las filas de Toei y debutó profesionalmente como director con Las Aventuras de Hols: Príncipe del Sol (Taiyou no Ouji Horusu no Daibouken) en 1968, en la que ya trabajó codo con codo con Hayao Miyzaki, encargado de la animación. 

Entre 1974 y 1978, trabajó para Nippon Animation dirigiendo tres de las más importantes series del contenedor World Masterpiece Theater, que buscaba ofrecer adaptaciones a la animación de grandes clásicos de la literatura infantil, generalmente europea. Nos referimos a los clásicos Heidi (Alps no Shoujo Heidi), Marco (Haha wo Tazunete Sanzenri) y Ana de las Tejas Verdes (Akage no Anne), en los que Miyazaki participó nuevamente en la animación.

En 1985, Isao Takahata y Hayao Miyazaki se independizaron de todos los estudios y fundaron juntos el Estudio Ghibli, que acabaría convirtiéndose en uno de los más prestigiosos del mundo y que ha ofrecido grandes obras maestras de la animación. En Ghibli, Takahata llegó a dirigir un total de cinco películas, consideradas todas ellas auténticas obras de arte. En 1988 llegaría a las carteleras japonesas el drama antibelicista La Tumba de las Luciérnagas (Hotaru no Haka), la mayor obra maestra del director y una de las más importantes películas animadas de la historia. A ella le seguirían el drama costumbrista Recuerdos del Ayer (Omoide Poroporo, 1991), la fantasía ecologista Pompoko (Heisei Tanuki Gassen Ponpoko, 1994), la comedia familiar costumbrista Mis Vecinos los Yamada (Tonari no Yamada-kun, 1999) y, finalmente, El Cuento de la Princesa Kaguya (Kaguya-hime no Monogatari, 2013), adaptación del clásico de la literatura nipona El cortador de bambú (Taketori Monogatari).

Además de las películas dirigidas por él mismo, Takahata trabajó en diversos niveles de muchas de las producciones del estudio, especialmente en las de Miyazaki, desde la producción hasta la animación.

Otras de las películas dirigidas por Isao Takahata antes de la fundación de Ghibli son Goshu el Violoncelista (Cello Hiki no Gauche, 1982), adaptación del cuento homónimo de Kenji Miyazawa o el inocente kodomo Las Aventuras de Panda y sus Amigos (Panda Kopanda, 1972-1973).

Destrozados por lo repentino e inesperado de esta noticia, desde La Bandera de la Libertad solo hemos querido ofrecer el más humilde de los obituarios a la memoria del que ha sido, y será siempre, uno de los mayores maestros de la historia del cine de animación. Ahora se marchado para no volver, y parece increíble que no vayamos a volver a ver su perpetua y discreta sonrisa, ni a disfrutar de ninguna otra de sus maravillosas obras maestras. Pero el enorme legado que nos ha dejado Isao Takahata siempre vivirá en nosotros. Como se suele decir, una persona solo muere de verdad cuando es olvidada. 

Hasta siempre, sensei. Gracias por tanto.

Fallece Jiro Taniguchi, maestro del costumbrismo

Saludos a todo el mundo.

Una vez más, os damos tristemente la bienvenida a La Bandera de la Libertad. Desearíamos no tener que estar escribiendo estas líneas, pero no hay más remedio... Hoy, sábado 11 de febrero de 2017, ha fallecido Jiro Taniguchi a la edad de 69 años.

Hace apenas unas pocas horas que se ha conocido la noticia, y nosotros, que nos acabamos de enterar, estamos absolutamente sin palabras. Creo que hablamos por todos cuando afirmamos que ni nos imaginábamos que algo así pudiera suceder, dada la edad del maestro. No, no era ningún chaval, pero 69 años no son tantos en un país con una esperanza de vida tan dilatada como Japón.

Por ahora, ningún medio parece haber dado detalles de la causa de la muerte, por lo que parece haber sido por causas naturales, pues no se menciona ningún accidente ni se conoce ninguna enfermedad contra la que estuviera luchando. Simplemente ha sucedido demasiado pronto.

Los lectores habituales del blog sabréis ya que somos grandes admiradores del trabajo de Jiro Taniguchi, muy especialmente de sus obras de vertiente costumbrista, género en el que el maestro demostró ser el número uno. 

En La Bandera de la Libertad podéis leer nuestras reseñas de dos de sus más grandes obras maestras, El Almanaque de mi Padre y Barrio Lejano. 

Jiro Taniguchi: sensibilidad y costumbrismo

Jiro Taniguchi, nacido en 1947, fue uno de los más importantes autores de manga de corte intimista y adulto, y uno de los más reconocidos por el público occidental ajeno al mundo del cómic japonés.

Impulsado hacia el arte del manga por la corriente del gekiga a través de revistas como Garo y autores como Yoshihiro Tatsumi, Taniguchi se trasladaba a Tokio en 1969 para comenzar su trayectoria profesional, inicialmente como asistente de mangakas como Kyuta Ishikawa y Kazuo Kamimura, hasta su debut en 1972 con Kareta Heya.

A lo largo de la década de los 70, Taniguchi dibujaría gran cantidad de obras a partir de las historias de otros guionistas, entre los que destaca Natsuo Sekikawa, con quien crearía, entre 1987 y 1997, la obra que constituiría el punto de inflexión más importante de su carrera: La Época de Botchan (Botchan no Jidai), en la que, inspirados por la celebérrima novela de Natsume Soseki Botchan (una de las más importantes de la literatura japonesa del siglo XX), ambos autores abocetan un delicado retrato de los últimos años de la Era Meiji (1868-1912). Esta obra le valdría a Taniguchi más de un premio, entre los que cabe señalar el Gran Premio Cultural Osamu Tezuka en 1998.

De manera simultánea a la publicación de La Época de Botchan, Taniguchi empieza a destacar con la publicación de numerosas obras de corta extensión y tono costumbrista e intimista, como El Caminante (Aruku Hito) o Tierra de Sueños (Inu o Kau). Entre ellas, sobresaldrían especialmente El Almanaque de mi Padre (Chichi no Koyomi, 1994) y Barrio Lejano (Haruka na Machi e, 1998), en las que reflexiona sobre el retorno a tiempos pasados y la reconciliación con uno mismo.

Desde entonces, Taniguchi alternaría la creación de este tipo de obras con otras de temática naturalista y aventurera, como Seton, La Cumbre de los Dioses (Kamigami no Itadaki) o Blanco (Blanca).

Especialmente admirado en Francia, Jiro Taniguchi se convertiría en uno de los principales representantes japoneses del movimiento artístico de la nouvelle manga, liderado por el historietista francés Frédéric Boilet, y que busca la combinación de las formas artísticas y narrativas propias del manga y la bande desinée (cómic franco-belga).





Destrozados por la noticia, despedimos aquí nuestro humilde obituario en honor al maestro Taniguchi. Y como en ocasiones anteriores, deseamos fervientemente no vernos obligados a volver a publicar una entrada de esta naturaleza en un largo tiempo.

Hasta siempre, sensei. Gracias.

Fallece Shigeru Mizuki, maestro del manga de yokais

Saludos a todo el mundo. El día de hoy tenemos que daros tristemente la bienvenida a La Bandera de la Libertad, pues desearíamos no tener que estar escribiendo esta entrada.

Hoy, 30 de noviembre de 2015, nos ha dejado uno de los autores más importantes e influyentes de la historia del manga, un gran icono de la cultura popular japonesa y todo un ejemplo de superación personal y amor al manga. Hoy ha fallecido en un hospital de Tokio Shigeru Mizuki, víctima de un paro cardíaco a la muy avanzada edad de 93 años.

Es una noticia infinitamente triste, pues Mizuki pasa por ser uno de los pesos más pesados del cómic japonés. Un artista sin igual y una persona que nunca se dejó vencer por los reveses de la vida. Tras sus experiencias en la guerra, en las que perdió su brazo izquierdo, regresó a Japón y, aprendiendo a dibujar con la mano derecha, pues era originalmente zurdo, Mizuki comenzó su carrera como mangaka y se dedicó a recuperar el folclore de su país para plasmarlo en forma de manga. Sería así el responsable de la aparición del género yokai (monstruos y fantasmas tradicionales de Japón) en el manga, aunque también cultivaría las obras de corte (auto)biográfico y antibelicista, en su firme determinación de mostrar los horrores de la guerra que había tenido la desgracia de presenciar en primera persona en su juventud.

A pesar de su avanzada edad, Shigeru Mizuki había continuado en activo hasta el día de hoy, publicando ocasionalmente algunas nuevas historias cortas. Todo un ejemplo de amor por el arte del manga.

Entre sus obras, tenemos la suerte de contar con varias de ellas publicadas en España: el relato sobrenatural y costumbrista NonNonBa; la recopilación de historias cortas de misterio y yokais 3, Calle de los Misterios; la plasmación de sus experiencias bélicas destinado en Papúa-Nueva Guinea, Operación Muerte; su Autobiografía en 6 volúmenes; la biografía Hitler; y, aún en publicación, su obra más conocida y querida por el público japonés, Kitaro. 

En La Bandera de la Libertad ya reseñamos hace un par de meses una de sus mejores obras, premiada en el Festival de Angouleme y que le ayudó a su reconocimiento en Occidente, NonNonBa. Os invitamos a todos a leer la reseña haciendo click sobre el título para conocer un poco mejor a este inmenso autor que nos ha dejado.

Y hasta aquí nuestra pequeña mención de honor al gran maestro. Esperamos tardar mucho en vernos obligados a hacer una nueva entrada de esta naturaleza. 

Gracias y hasta siempre, sensei.