[Reseña Navideña] Love & Peace: Una Navidad a ritmo de Sion Sono

¡Feliz Navidad y bienvenidos a La Bandera de la Libertad!

Parece mentira, pero ya estamos otra vez en Navidad, esa época del año en la que debe imperar la felicidad, la familia, el amor, los villancicos... y los regalos, claro. Y para haceros más llevaderas esas reuniones familiares, como todos los años, queremos recomendaros una película perfecta para verla en la sobremesa de alguna de las cenas o comidas que tengáis estos días. 

Y este año os vamos a hablar de una película... especial... Tan especial que no dejará indiferente a nadie. Aunque quizá no siempre en el mejor sentido. Y es que estamos ante una película de Sion Sono, uno de los directores-autor más transgresores e impredecibles del cine japonés contemporáneo. Tras auténticas (pero fascinantes) idas de olla en su abundante filmografía (como la infame El Club del Suicidio, Love Exposure o Antiporno), en 2015 estrenó este filme, Love & Peace, en el que el director decidía pasar al cine familiar, pero sin poder evitar dejar su sello por todas partes.

¡Atentos a los detalles!

¿De qué trata?

Ryoichi es un mediocre oficinista solitario e introvertido que sueña con convertirse en estrella del rock. Un día decide adoptar una tortuga, a la que llama Pikadon, con la que desarrolla un fuerte vínculo. Pero cuando sus crueles compañeros la descubren empiezan a burlarse de él, de modo que Ryoichi, en un ataque de pánico, la lanza al retrete y tira de la cadena, arrepintiéndose inmediatamente.

Se desencadenará así la aventura de la tortuga por tratar de regresar a casa en Navidad, junto a un montón de juguetes y mascotas abandonados que han cobrado conciencia propia, mientras Ryoichi logra sus sueños musicales de manera casi fortuita.

Opinión

En Love & Peace no solo encontramos una clásica historia de viaje de retorno a casa de estilo infantil y familiar (que también), sino que incluso predomina más un sentido del humor muy propio de Sion Sono, basado en una comedia absurda e histriónica, que da lugar a escenas muy originales y divertidas. Está llena de momentos que te harán poner cara de asombro, siempre que seas capaz de aceptar y entrar en su juego.

En cierto modo, el protagonista puede recordar a Detroit Metal City por el histrionismo con el que es representado su sueño de ser estrella del rock, así como por las indumentarias tan desfasadas y horteras que lleva cuando lo cumple. Así, toda la historia de Ryoichi constituye la parte más cómica y absurda de la película.

Por otro lado, tenemos la historia de la tortuga Pikadon, la dimensión más entrañable, mágica e infantil. Nos encontramos con una suerte de cóctel entre Toy Story, en el que los juguetes abandonados cobran vida y tienen personalidad propia; Tokyo Godfathers, ya que juguetes y mascotas perdidos forman familia con un misterioso y afable vagabundo que esconde un mágico secreto; realizado todo ello con unos efectos especiales al más puro estilo tokusatsu (en cuya cutrez radica su encanto), que recuerdan a las antiguas series y películas de este género... Hasta que al final, la espiral de locuras que nos ofrece Sono deviene en toda una parodia del kaiju-eiga (imposible no pensar en Gamera, ya que estamos hablando de una película protagonizada por una tortuga).

Contiene además bastantes referencias a la cultura pop japonesa, una cierta mención muy tangencial y en clave de humor a la memoria de las bombas atómicas (no esperéis nada tan explícito como en Godzilla, pero estar está, sorprendentemente) y hasta el mismísimo Santa Claus como personaje clave en la película.

Probablemente no sea la película que uno piense como primera opción para ver en familia esta Navidad, ya que es una obra tremendamente especial, en todos los sentidos posibles. Pero desde luego es una propuesta diferente, y vale mucho la pena darle un visionado, y más aún en estas fechas. Si sois amantes del cine asiático y/o estáis dispuestos a entrar en el juego de locura y delirio de un director tan particular como Sion Sono, os garantizamos un visionado navideño de lo más divertido y entrañable.

Y hasta aquí nuestra recomendación navideña de 2018. Nos despedimos deseándonos unas felices fiestas, unas llevaderas reuniones familiares y unas generosas visitas de Santa Claus. Nosotros volvemos por aquí en breve para comentar con vosotros los que nos traiga dicho gordo de rojo.

¡Feliz Navidad!

[FINDE DE CINE] Assassination Classroom / Assassination Classroom: Graduation

¡Un saludo y bienvenidos a La Bandera de la Libertad!

Bueno, bueno... Pues tras un largo mes sin poder publicar ninguna nueva entrada en el blog a causa de las obligaciones académicas y otros menesteres, y tras reponer fuerzas con la semanita de vacaciones, volvemos a la carga con una entrega más de nuestra sección de cine asiático, con la que llevamos varias semanas de retraso que queremos recuperar.

En esta ocasión hemos decidido hacer un Finde de Cine temático, pues comentaremos juntas las dos películas que componen la adaptación a la imagen real del exitoso manganime Assassination Classroom, en lugar de hacer cada una en una entrega diferente, como hicimos por ejemplo con Hentai Kamen y Hentai Kamen 2. 

¡Empezamos ya!

Assassination Classroom

De modo que tenemos por un lado la primera película de imagen real que adapta el manga Assassination Clasroom de Yusei Matsui, publicado en la Shonen Jump entre 2012 y 2016 y exitosamente adaptado también a la animación en dos temporadas hace pocos años. El gran éxito del título llevó también en 2015 al estreno de su versión en imagen real, dirigida por Eiichiro Hasumi. Para la película contarían además con algunos nombres bastante destacados entre su reparto, como Ryosuke Yamada (FMA, One Pound Gospel) como Nagisa, Masaki Suda (Death Note: El Nuevo Mundo, Gintama) como Karma, o, sobre todo, Kazunari Ninomiya (Nagasaki: Recuerdos de mi hijo, Cartas desde Iwo Jima, Gantz, Platinum Data, etc.) prestando su voz a Korosensei. 

<< Un alienígena llega a la Tierra y ofrece un trato al gobierno: entrenará a una clase para que aprendan todas las formas posibles de acabar con él; si sus alumnos no resultan ser lo suficientemente “aplicados”, aniquilará el planeta en el plazo de unos meses. Eso sí, nadie esperaba que entre los estudiantes y el monstruoso profesor se pudiera establecer un vinculo tan... fuerte...  >>

Lo cierto es que como adaptación, esta película resulta bastante convincente, llegando prácticamente al nivel de la versión animada. Si bien es cierto que algunos de los personajes humanos (como Nagisa) pierden parte de su carisma al perder su diseño dibujado, no es nada que se pueda considerar realmente molesto, pues tampoco es un elemento importante del manga original. 

Por otro lado, los efectos especiales, que suelen ser el punto más crítico de este tipo de adaptaciones, están suficientemente logrados para tratarse de una producción japonesa no especialmente adinerada. A pesar de las posibles reticencias que pueda causar la recreación de Korosensei, debemos señalar que está verdaderamente bien conseguido. Por supuesto, no parece real y es obvio que no se trata de un ser de carne y hueso, pero el propio manga ya buscaba ese mismo efecto al darle un diseño tan simplón. No obstante, que no parezca real no quiere decir que desentone en pantalla: nada más lejos de la realidad. Desconocemos la técnica con la que fue recreado, pero consiguieron fundirlo bastante bien con la imagen real a pesar de su cómico aspecto. 

Respecto a las interpretaciones, encontramos un reparto que defiende bastante bien sus papeles y traslada con bastante acierto las personalidades de los personajes originales, aunque obviamente quedando más desdibujados que en el original por la diferencia de extensión. Lo que sí que hay que destacar es la labor de Kazunari Ninomiya dándole voz al siempre carismático Korosensei, que gracias a la interpretación de este gran actor mantiene toda la frescura y carisma que tanto le caracterizan en otras encarnaciones de la franquicia.

Argumentalmente, esta primera película, como es normal, se ve algo lastrada por la introducción y presentación de los personajes, y se limita a adaptar de forma más o menos rápida varios de los episodios cómicos de la primera parte del manga, culminando con el primer arco más tenso de la obra para darle al filme un clímax dramático. 

Se trata, en general, de un live-action más que correcto, con buenas dosis de humor y aún poco drama, pero que ya empieza a desarrollar el punto más fuerte e interesante de la obra: la relación profesor-alumnos tan bonita que se forja entre la Clase E y Korosensei. Recomendada tanto si has leído/visto el manganime como si no. 

Assassination Classroom: Graduation

Y por otro lado, vamos con la segunda película de esta bilogía basada en el manga homónimo de Yusei Matsui. En esta ocasión, Assassination Classroom: Graduation fue estrenada un año después de la primera, en 2016, una vez el manga había finalizado, y adapta el último arco de este. Regresan a la producción todos los nombres de la anterior, tanto el director Eiichi Hasumi como todo el reparto. Pero, a diferencia de la anterior, en esta entrega Kazunari Ninomiya podría lucirse también delante de la cámara y no solo con su voz. 

<< Comienza un nuevo curso, y el grupo 3E ya tiene deberes que acometer. Cada alumno debe enfrentarse a sus propios retos, la identidad del invencible profesor de color amarillento es desvelada, el destino de la humanidad corre peligro... >>

Y en esta segunda entrega, la adaptación entra ya de pleno en el grueso dramático de la historia, donde podremos encontrar toda la acción y momentos emotivos que le dan la calidad a la obra, aunque sin olvidarnos de los puntos de comedia.

En lo que respecta a los aspectos técnicos, efectos especiales e interpretaciones, no tenemos mucho más que añadir a lo que ya comentado en la anterior, pues realmente no hay ninguna diferencia reseñable entre ambas. Únicamente destacamos el mayor lucimiento que se permite Kazunari Ninomiya, que en esta segunda parte ya no solo ofrece su fantástica interpretación vocal, sino que también le veremos físicamente al contarse la historia de Korosensei.

Es en el argumento, como ya hemos dicho, donde nos encontramos la gran diferencia respecto a la primera. Conocemos los orígenes de Korosensei y sus motivaciones, presenciamos un enfrentamiento final apasionante e intenso, y, por supuesto, el momento más triste y emotivo (aunque sin perder el optimismo característico) de la obra con su final, el cual cierra muy bien la trama y le pone un broche, no de oro, pero sí de plata o bronce.

La bilogía de Assassination Classroom resulta ser una buena adaptación live-action. Si bien no es la mejor que hemos visto, desde luego se alza en una mucho más que digna calidad y demuestra, una vez más, que las adaptaciones a imagen real de manganimes son mucho mejores de lo que la gente suele pensar.

Y hasta aquí el Finde de Cine de esta semana. Esperamos que os haya interesado y que os animéis a ver las películas si no las habéis visto, y por supuesto a que compartáis vuestra opinión si sí lo habéis hecho.

¡Hasta la próxima!

[FINDE DE CINE] Hentai Kamen 2: Abnormal Crisis / In the Mood for Love

¡Un saludo y bienvenidos a La Bandera de la Libertad!

Vamos una vez más a la carga con otra entrega más de nuestra sección de cine asiático semanal, tratando de ponernos al día con el retraso que llevamos acumulado. Como siempre, hablaremos de dos películas asiáticas que vimos el fin de semana, para recomendároslas y proponéroslas como posible plan para vuestro propio finde. 

Los que leyerais nuestra anterior entrega ya sabréis que la semana pasada (aunque en realidad fue a comienzos de esta xD) hablamos de uno de los live-action más locos y divertidos que ha dado el cine japonés, Hentai Kamen. Y como adelantábamos entonces, hoy nos toca centrarnos en su segunda parte, probablemente aún más loca, Hentai Kamen 2: Abnormal Crisis. Y en segundo lugar, nos vamos a Hong Kong con una de las películas más bellas de la historia del cine (ya que nos gusta ofrecer variedad y contraste xD) con In the Mood for Love (Deseando Amar).

¡Empecemos!

Hentai Kamen 2: Abnormal Crisis

Tras el gran éxito que cosechó en 2013 Hentai Kamen (incluso más allá de las fronteras de Japón), tres años después, en 2016, Yuuichi Fukuda decidió llevar por segunda vez a la gran pantalla este irreverente manga de superhéroes de Keishuu Ando. Y si la primera entrega ya era loca y absurdamente divertida, esta secuela, en la que regresan todos los actores y equipo de la anterior, promete ser aún más alocada, aún más paródica y, sobre todo, aún más pervertid... digo, divertida.

<< En las noticias hablan sobre la constante desaparición de bragas que está teniendo lugar en la ciudad. Kyosuke aún conserva las bragas de Aiko para luchar contra el mal, pero ella tiene sentimientos confusos y decide que ya es hora de recuperarlas. Kyosuke sufre pierde las bragas de Aiko y Hentai Kamen desaparece... Lo que no saben es que su mayor enemigo aún no ha aparecido...  >>

Tras ver la primera entrega de la franquicia, uno se pregunta... ¿Era posible hacer algo más loco esto? Pues la respuesta nos la da su secuela: definitivamente, sí. Después del festival de humor absurdo (y verde) que fue la primera película, esta segunda consigue superarse a sí misma.

¿Pero cómo lo hace? Como es lógico, esta entrega puede dejar atrás el lastre que supone la narración del "origen del héroe", que era uno de los elementos que más entorpecían y ralentizaban la película anterior. De este modo, esta tiene más libertad para dar rienda suelta a su desfasado histrionismo y locura.

Pero además, Abnormal Crisis tiene un componente paródico aún más marcado que la anterior con el cine de género de superhéroes. Más concretamente, parece concentrarse en parodiar en múltiples ocasiones la trilogía de Spiderman de Sam Raimi, con escenas de Hentai Kamen balanceándose por toda la ciudad usando la goma de su ropa interior a modo de telarañas, entre otras perlitas.

Por lo demás, su humor y estilo no difiere demasiado de la primera, así que tal vez nos repitamos un poco, pero allá va: es absurda, loca, descabellada, verde, pervertida, estúpida... y sobre todo, extremadamente divertida. Una película que se mantiene constantemente en ese punto entre la risa floja, la carcajada y la cara de póquer.

Los efectos especiales están más o menos al mismo nivel que la anterior, aunque hay escenas en las que se lucen un poco más y otras en las que quedan bastante más cutres por las grandes recreaciones que pretenden ejecutar. Pero nuevamente, la cutrez de sus efectos en una película de este tipo, lejos de hacerla peor, contribuyen a aumentar las risas: son cutres, sí, pero no les importa. El director solo quiere hacerte reír con situaciones absurdas que se toman en serio a sí mismas.

Como ya hemos dicho, es probablemente lo más raruno e hilarante que hemos visto. Si te gustó la primera parte, la segunda probablemente te gustará más.

In the Mood for Love (Deseando Amar)

Y en segundo lugar tenemos la primera película hongkonesa de la que hablamos, y lo hacemos por todo lo alto. In the mood for love (también conocida en España como Deseando Amar) es frecuentemente considerada la obra maestra de Wong Kar Wai, uno de los mejores directores del continente asiático, y triunfó en los festivales internacionales de cine de 2000. Sin duda uno de los más hermosos dramas románticos de la historia del cine, protagonizado por dos de las más grandes estrellas del cine chino, Maggie Cheung y Tony Leung, a quienes también pudimos ver como pareja trágica en Hero. Forma parte de una trilogía informal completada por Días Salvajes (Days of Being Wild, 1990) y 2046 (2004), pero puede ser vista independientemente.

<< Hong Kong, 1962. Chow, redactor jefe de un diario local, se muda con su mujer a un edificio habitado principalmente por residentes de Shanghai. Allí conoce a Li-zhen, una joven que acaba de instalarse en el mismo edificio con su esposo. Ella es secretaria de una empresa de exportación y su marido está continuamente de viaje de negocios. Como la mujer de Chow también está casi siempre fuera de casa, Li-zhen y Chow pasan cada vez más tiempo juntos y se hacen muy amigos. Un día, ambos descubrirán algo inesperado sobre sus respectivos cónyuges... y sobre ellos mismos. >>

En gran contraste con la anterior, nos dedicamos ahora a una auténtica obra maestra del cine romántico. Pausada, poética e inifinitamente bella, una de las mejores películas de su género.

Pocas veces hemos tenido la gran fortuna de toparnos con un drama romántico del nivel de esta joya cinematográfica del genial Wong Kar Wai, probablemente uno de los directores con mayor sensibilidad a la hora de plasmar el amor en sí en la pantalla de todo el mundo. Si uno ya aplaude con otras películas suyas como Días Salvajes, Happy Together o 2046, con In the Mood for Love no se puede hacer sino caer rendidos a sus pies.

El filme está dirigido con un buen gusto y una elegancia propios del mejor de los poetas, poniendo especial atención a cada detalle, a cada mirada, a cada sutileza... Motivo por lo cual consideramos muy recomendable darle un revisionado tras la primera vez para llegar a captar y apreciar la película en su plenitud. Cada plano, cada escena, cada diálogo...

El romance prohibido que presenta es melancólico, triste y trágico... pero precisamente por ello, hermoso. Como el propio Wong Kar Wai expresó en 2046 (tercera parte de esta trilogía informal), "el amor no es solo cuestión de encontrar a la persona adecuada, sino de encontrarla en el momento adecuado". Y esa frase condensa a la perfección el cine de este autor, y más especialmente esta su obra maestra.

La fotografía del filme es simplemente exquisita, y viene acompañada por una maravillosa BSO compuesta por piezas originales que se quedarán grabadas en tu memoria, así como por los clásicos boleros latinoamericanos Aquellos Ojos Verdes y Quizás, Quizás, Quizás. La melancolía de un amor tan intenso como imposible se respira en el ambiente, también gracias a las soberbias interpretaciones de Maggie Cheung y Tony Leung.

Una obra maestra del drama romántico que, como bien advierte el título internacional, te hace sentir ganas de amar.

Y hasta aquí el Finde de Cine de esta semana. Esperamos que os haya interesado y que os animéis a ver las películas si no las habéis visto, y por supuesto a que compartáis vuestra opinión si sí lo habéis hecho.

¡Hasta la próxima!

[FINDE DE CINE] Hentai Kamen: Forbidden Superhero / El Camino a Casa

¡Un saludo y bienvenidos a La Bandera de la Libertad!

Pues aquí vamos una semana más con nuestra acostumbrada sección de cine asiático semanal, tratando de recuperar el retraso que aún tenemos acumulado. Y como siempre, hablaremos brevemente de dos películas asiáticas que hemos visto durante el fin de semana (aunque este fue hace varias semanas ya xD), para así recomendároslas (o no) de cara a vuestros propios tiempos de ocio.

Acaba ya nuestra larga maratón de Godzilla hace un par de semanas, empezamos ahora un micro-ciclo de dos semanas con el súper héroe más absurdo y cómico de Japón (y probablemente del mundo, muy a pesar de Deadpool)... Y también nos trasladamos nuevamente a China con un hermoso drama costumbrista. Efectivamente, hablaremos de Hentai Kamen: Forbidden Superhero y El Camino a Casa.

¡Vamos allá!

Hentai Kamen: Forbidden Superhero

Hentai Kamen, sí señor, el Pervertido Enmascarado. ¡No, no estamos hablando de un manga hentai, ni mucho menos! Pero así es el título de la obra de Keishuu Ando, manga publicado entre 1992 y 1993 en la Shonen Jump y recopilado en 6 tomos. El manga había caído en el relativo olvido hasta que, en 2013, el director especializado en live-action cómicos Yuuichi Fukuda (también director del dorama de Aoi Honoo y de las recientes películas de Gintama y Saiki Kusuo) puso sus ojos en él... Y contra todo pronóstico, la película resultante se convirtió en todo un bombazo, llegando a tener también bastante resonancia en Occidente, probablemente gracias a su absurda premisa.

<< Kyosuke está enamorado de la bella Aiko. Un día, la chica es tomada como rehén por unos atracadores de bancos, y Kyosuke se infiltra para salvar a su amada. A falta de una máscara, el joven ocultará su rostro bajo unas bragas. Esto activará el poder oculto de Kyosuke, que será capaz de derrotar a cualquier enemigo restregándole su entrepierna por la cara. Un nuevo superhéroe acaba de nacer.  >>

Loca, absurda, histriónica, grotesca y descarada. E increíblemente divertida. Hentai Kamen es la más alocada y estúpidamente entretenida parodia del género tokusatsu y del cine de superhéroes en general que hemos podido ver hasta la fecha. Y dudamos seriamente que sea humanamente posible hacer algo más irracionalmente genial.

Las situaciones son de lo mas exageradas y absurdas (¿alguien lo dudaba, cuando la premisa consiste en que un tío adquiere súper poderes al ponerse bragas usadas en la cara?), pero lejos de resultar cargantes o de desesperar al espectador por las cotas de imbecilidad en pantalla, hacen de la película un producto de lo más adictivo e interesante. Y divertido, siempre divertido.

Hentai Kamen es una suerte de superhéroe (quizá sería más acertado llamarlo antihéroe) al que nunca se le agotan los recursos para dejar al público con cara de póquer. No es nada descabellado considerarlo como el "Deadpool japonés", pero aún más descarado y con una comedia mucho más histriónica, absurda y, cómo no, verde.

Los efectos especiales son en general normalillos tirando a mediocres en esta primera entrega, pero le sientan como un guante (¿o como unas bragas...?) a una película con un tono tan (auto)paródico como Hentai Kamen. Al fin y al cabo, nadie llega a esta película en busca del último gran blockbuster de Marvel o DC, sino en busca de echarse unas risas con la más absurda de las comedias. Y estos cutres efectos especiales ayudan a acentuar la pretendida comedia del ridículo.

El único problema que le achacamos es el ritmo general, ya que al contar el origen del héroe, la película pierde el interés en algunos puntos. Por otra parte, gran parte del filme sigue una estructura de sucesión de pequeños (y también absurdos) villanos a los que va derrotando nuestro héroe, de modo que da la impresión de que habría podido funcionar bastante mejor como serie de televisión que como película, pues de forma episódica no agotaría tanto la fórmula. Pero aun así, el filme resulta ser una mezcla de comedia y acción de lo más acertada.

El Camino a Casa

Repetimos por segunda vez consecutiva con uno de los grandes nombres del cine chino contemporáneo, el inigualable Zhang Yimou, tras haber hablado la semana pasada de una de sus obras maestras, Hero. Y también al igual que en aquella, volvemos a tener en pantalla a una de las grandes actrices del país, Zhang Ziyi (Tigre y Dragón, La Casa de las Dagas Voladoras), en esta ocasión en un papel mucho más protagonista. El Camino a Casa (Wo de fu qin mu qin, o The Road Home como título internacional), estrenada en 1999 y ganadora del Oso de Plata - Gran Premio del Jurado en la Berlinale, es una de las películas más famosas de la trayectoria principal del director, que se ha basado salvo contadas excepciones en los dramas costumbristas de la China rural de mediados del siglo pasado. Y teníamos ganas de ver esta vertiente de Zhang Yimou.

<< Luo Yusheng es un hombre de negocios que regresa a su casa, en el norte de China, para asistir al funeral de su padre, el maestro del pueblo. La obsesión de su anciana madre sobre la escrupulosa observación de los ritos fúnebres le resulta inexplicable, pero acaba comprendiendo que el respeto a las milenarias tradiciones es vital tanto para su madre como para los habitantes del pueblo. Un drama sobre la tensión generacional, el respeto a los mayores y la superación de las viejas costumbres que conquistó a la crítica allá donde se estrenó. >>

Como decíamos, ya habíamos comenzado a experimentar el cine de Zhang Yimou a través de sus tres filmes del género wu-xia (Hero, La Casa de las Dagas Voladoras y La Maldición de la Flor Dorada), pero ahora que hemos tenido oportunidad de ver cómo se desenvuelve en el género costumbrista se ha convertido definitivamente en uno de nuestros directores asiáticos favoritos.

Zhang hace gala en El Camino a Casa de una soberbia dirección, un ritmo narrativo muy pausado (en la más pura tradición asiática) pero perfectamente medido para transmitir la melancolía por un pasado más tradicional y rural que está buscando... Y, como es habitual en el director, la fotografía y el uso que hace del color desbordan los sentidos del espectador.

Si bien ya habíamos podido ver todas las características de su buen hacer cinematográfico en los mencionados filmes, en este hemos podido comprobar cómo Zhang también es capaz de explotar al máximo las posibilidades de la fotografía y el color incluso cuando no emplea en pantalla los impresionantes vestuarios y decorados propios de una narración épica wu-xia. Con colores mucho más sobrios y naturales, el director consigue el mismo impacto visual sobre el público.

La historia tampoco se queda atrás, pues es un drama costumbrista que nos ayuda a conocer la sociedad rural y estado del país en aquella época, y especialmente una pequeña parte de sus tradiciones funerarias más ancestrales, que son la mecha que prende toda la historia. Además de ser una hermosa historia familiar y de amor.

Maravillosa obra maestra de un gran director como es Zhang Yimou, cuya fantástica filmografía confiamos en continuar disfrutando próximamente. Si tienes reparos a la hora de introducirte en el cine chino, este director puede ser una fantástica puerta de entrada con la que derribar los tópicos asociados al mismo.

Y hasta aquí el Finde de Cine de esta semana. Esperamos que os haya interesado y que os animéis a ver las películas si no las habéis visto, y por supuesto a que compartáis vuestra opinión si sí lo habéis hecho.

¡Hasta la próxima!

[FINDE DE CINE] Chasuke's Journey / Los Monstruos del Mar

¡Un saludo y bienvenidos a La Bandera de la Libertad!

Tras una semana sin la sección (aunque tuvimos reseña de Sonatine de Takeshi Kitano a cambio), volvemos con nuestros Finde de Cine, que ya están siendo toda una tradición en el blog. Y como sabéis, lo que hacemos aquí es hacer una mini reseña o comentario personal de las películas japonesas que hemos visto el fin de semana.

En esta ocasión tenemos una reciente y relativamente desconocida película, rara pero interesante, titulada Chasuke's Journey (Ten no Chasuke) y, continuando nuestro ya "institucionalizado" ciclo de Godzilla, la séptima película del kaiju más famoso de todos: Los Monstruos del Mar (Gojira, Ebirah, Mosura: Nankai no Daiketto).

¡Vamos allá!

Chasuke's Journey

Pues como comentábamos, tenemos en primer lugar hoy una película bastante reciente, estrenada en Japón en 2015 y competidora por el Oso de Oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín de ese año. Dirigida y escrita por el actor y director Sabu (Hiroyuki Tanaka), de quien ya habíamos visto su fantástica adaptación a imagen real del manga Usagi Drop (2011). Y al igual que esta, Chasuke's Journey vuelve a estar protagonizada por Kenichi Matsuyama (Death Note, Gantz, Tokio Blues), joven y extraordinariamente versátil actor, junto al veterano Ren Osugi (habitual del cine de Kitano: Sonatine, Hana-Bi, Kids Return, Dolls; entre otros muchos papeles). Y como si estos nombres no fueran suficientes para verla, además nos encontramos con una sinopsis de lo más curiosa y llamativa, a medio camino entre la comedia y el drama sobrenatural. 

<< La historia se centra en Chas, un "ángel" que baja a la Tierra para salvar a Yuri, una chica de la que se ha enamorado pero cuyo fatídico destino ha sido escrito por los "Guionistas" del Cielo, y así poder evitar su muerte a toda costa. >>

Lo cierto es que esta película nos ha sorprendido bastante, y muy gratamente. Si decidimos verla fue, evidentemente, porque nos llamó la atención por los motivos expuestos más arriba, pero tampoco teníamos del todo claro qué podíamos esperar de ella, pues realmente parecía bastante rara (y lo es).

Es una mezcla de varios elementos que, contra todo pronóstico, encajan bastante bien: aire sobrenatural, un poco de drama, comedia (algo negra y ácida en ocasiones), una suerte de thriller y fantasía, todo en su justa medida para dar una película realmente completa y equilibrada.

Como hemos comentado, ya conocíamos al director, Sabu, por la película de Usagi Drop (que adapta la primera parte del manga, es decir, la buena, al igual que el anime, y que es incluso mejor que estos gracias a la magia especial que da la imagen real al género costumbrista), así que ya íbamos con unas ciertas esperanzas de ver algo como mínimo bueno. Y realmente nos ha vuelto a dejar con un gran sabor de boca.

También comentábamos que el otro punto decisivo habían sido sus actores. Kenichi Matsuyama ha demostrado sobradamente a su relativamente corta edad (32 años a fecha de la reseña) que es probablemente uno de los mejores y más versátiles actores jóvenes del cine japonés contemporáneo, con papeles tan diversos entre sí como el de L (Death Note), Kato (Gantz), Watanabe (Tokio Blues), Daikichi (Usagi Drop), etc. Y en esta película no iba a ser menos, y nos ofrece una gran interpretación protagonista. Acompañada además de la no menos excelente interpretación de apoyo del consagrado Shun Oguri como su compañero y ayudante.

Desde luego que no es ninguna obra maestra, pero sí es una película bastante notable, muy disfrutable, y que con su gran variedad de situaciones es capaz de hacerte reír, emocionarte, o mantenerte en tensión.

La verdad es que la recomendamos encarecidamente. Se hace muy ligera de ver y sobre todo es una película divertida, entrañable y de un estilo bastante personal (a pesar de su redomada rareza en más de una ocasión). 

Los Monstruos del Mar (Gojira, Ebirah, Mosura: Nankai no Daiketto)

Y en segundo lugar, continuando con nuestro ciclo de kaiju-eiga, es el turno de comentar Los Monstruos del Mar (Gojira, Ebirah, Mosura: Nankai no Daiketto, también conocida por sus títulos en inglés Godzilla vs the Sea Monster o Ebirah: Horror of the Deep). Estrenada en 1966, fue dirigida por Jun Fukuda, quien comenzaba así a tomar el relevo del legendario Ishiro Honda, creador del kaiju-eiga, como director de la saga, a la que Honda regresaría en pocas ocasiones más. La película cuenta en este caso con tres kaijus: la langosta gigante Ebirah, la ya habitual deidad-polilla Mothra y, cómo no, Godzilla, si bien originalmente iba a ser protagonizada por King Kong (lo cual explica ciertos fallos del filme en tanto que película de Godzilla). 

<< Una misteriosa isla ha sido colonizada por una extraña organización terrorista de tintes comunistas llamada Red Bamboo, que ha esclavizado a la población indígena y que se dedica a la fabricación de bombas atómicas. En esta isla vive la langosta gigante Ebirah, que se encarga de devorar a todos aquellos que intentan escapar del lugar, hasta que un rayo despierta a Godzilla, dormido casualmente en el interior de una gruta de la isla. >>

Hemos de decir que esta séptima película del lagarto radiactivo más famoso del cine nos ha parecido bastante inferior a las anteriores entregas, y probablemente ello se deba a que en un principio, esta no iba a estar protagonizada por Godzilla, sino por King Kong, lo cual hace que durante la película sientas que hay cosas fuera de lugar. Parece ser que la decisión de cambiar al simio (que finalmente protagonizaría King Kong Escapa al año siguiente) por el lagarto fue tomada en el último momento, sin llegar a cambiar nada del guión relacionado con el comportamiento del kaiju.

Por ejemplo, su actitud hostil hacia Mothra (cuando debería reconocerla y no atacarla, pues ya fueron aliados en el pasado), su comportamiento y movimientos algo más simiescos, su atracción hacia la protagonista humana del filme (propio de Kong), el hecho de que se cargue con electricidad como ya hizo el simio en King Kong contra Godzilla... Todo esto hace que sientas que no estás viendo realmente una película de Godzilla.

A pesar de todo ello, no estamos diciendo que sea mala, es una película de aventuras y kaijus bastante entretenida y puedes tomarla como otro enfoque de Godzilla, pero siendo realistas, no termina de cumplir en comparación con las anteriores.

Por lo demás, los efectos visuales cumplen como en las demás películas de la saga, las batallas no están nada mal (a pesar de que Godzilla se enfrenta a un rival algo falto de carisma en este caso, y es que Ebirah no deja de ser un kaiju menor de la Toho que ya solo volvería a aparecer en Final Wars) y en general se deja ver, pero con unos grandes defectos que no la dejan estar a la altura de las demás.

Y hasta aquí nuestro Finde de Cine de esta semana. Nos despedimos, como siempre, esperando que os haya gustado, que os animéis a ver las películas si no lo habéis hecho ya y que, si lo habéis hecho, compartáis vuestra opinión con nosotros.

¡Hasta la próxima!

[FINDE DE CINE] Nicky, la aprendiz de bruja / Mothra vs Godzilla

¡Un saludo y bienvenidos a La Bandera de la Libertad!

Una semana más (aunque por los problemas técnicos que comentamos, en realidad es la segunda vez en la misma semana xD) estamos aquí con una nueva entrega de nuestra sección Finde de Cine. 

Como ya sabéis, hablamos aquí de las dos películas japonesas que hemos visto en el fin de semana (viernes y sábado), en caso de que lo hayamos hecho. Y en esta ocasión toca dedicar nuestra atención a las películas Nicky, la aprendiz de bruja (la reciente versión de imagen real, por supuesto) y, ya que estamos en pleno ciclo de kaiju-eiga, la cuarta película de la saga del icónico lagarto radiactivo (o segunda de la polilla gigante más famosa del cine): Mothra vs Godzilla. 

¡Empecemos!

Nicky, la aprendiz de bruja

Empezamos, pues, con la versión en imagen real de Nicky, la Aprendiz de Bruja (Majo no Takkyûbin, también conocida por su título internacional Kiki's Delivery Service), nueva adaptación de las novelas infantiles del mismo título de Eiko Kadono. Estrenada en Japón en 2014, la película fue dirigida por Takashi Shimizu (creador de la saga de terror Ju-On) y no guarda ninguna relación con la clásica adaptación animada de Hayao Miyazaki. En este caso, Shimizu vuelve a adaptar la misma novela, fijándose en esta y no en hacer un remake de la producción de Ghibli. Es importante tener eso en cuenta, pues las diferencias entre ambas películas probablemente se deban a su grado de fidelidad al material original (por lo que se dice, esta versión es bastante más fiel que la de Miyazaki, aunque eso no podemos comprobarlo si no podemos leer la novela).

<< La película trata sobre Nicky, una pequeña bruja que al cumplir los 13 años, como manda la tradición, deja su hogar para convertirse en una bruja hecha y derecha que pueda manejar bien sus poderes. En su viaje llegará a un pueblo costero donde se instalará y se ganará la vida haciendo entregas a domicilio aprovechando sus habilidades mágicas. >>

Para todo aquel que conozca la versión animada (que seguramente serán la mayoría de nuestros lectores), la verdad es que no hay mucho más que decir, pues adaptan la misma novela. Si bien es cierto que hay considerables diferencias entre los sucesos de ambas películas (como comentábamos, es de imaginar que esta será más fiel a la obra original, teniendo en cuenta que Miyazaki, como otros grandes directores de cine, más que adaptar suelen "reimaginar" la obra con su propio estilo), en esencia sí que cuentan la misma historia y reflejan los mismos valores.

Es una película de tono marcadamente familiar, muy orientada al público infantil, pero perfectamente disfrutable por cualquiera, tenga la edad que tenga, pues no deja de ser una historia bonita, cálida y divertida. Se hace bastante llevadera y los personajes, aunque simples, encajan bien con el tono de la obra.

Como defecto, cabe señalar que se puede hacer un poco sosa por momentos, pues carece de la "magia" (nunca mejor dicho) especial con la que sí cuenta la versión animada (tanto por la dirección de Miyazaki como por la BSO de Hisaishi, aunque en este sentido, la BSO de esta versión tiene también buenos puntos), pero cumple bien por sí misma. Los efectos especiales (empleados sobre todo en la recreación del gato Jiji y el hipopótamo, así como en las escenas de vuelo de escoba) son bastante decentes para tratarse de una producción de no excesivo presupuesto (no, al menos, como una superproducción hollywoodiense).

En resumidas cuentas, está claro que no estamos ni por asomo ante una obra maestra, pero se deja ver, entretiene y cumple con lo que promete. Lo más importante para disfrutarla justamente sería no tratar de verla como un remake de la versión de Miyazaki (muy superior), ya que como hemos dicho, no es más que una nueva adaptación. Comparándolas, esta película solo consigue salir mal parada, y eso tampoco es muy justo para con ella.

Mothra VS Godzilla

Y para terminar, como ya hemos adelantado, seguimos nuestro particular ciclo de kaiju-eiga (género al que, debemos decir, le estamos pillando mucho el gusto por el elevado grado de entretenimiento que asegura), y es el turno de la cuarta película de la saga de Godzilla, Mothra vs Godzilla (Mosura tai Gojira, también conocida en España como Godzilla contra los monstruos). Dirigida nuevamente por el prolífico padre del kaiju-eiga Ishiro Honda y estrenada en Japón en 1964, normalmente se considera parte de la saga del famoso lagarto. No obstante, también podría considerarse como una segunda película de Mothra, tras el filme original (también de Ishiro Honda) de 1961, pues tiene mayor protagonismo en la película. Pero es de suponer que la presencia de Godzilla impone una jerarquía dentro del universo kaiju de Toho en la que él es el predominante. 

<< En una playa japonesa, es encontrado un enorme huevo es encontrado, el cual será comprado por un empresario para usarlo como atracción principal de su parque temático. Las diminutas gemelas guardianas de Mothra, harán todo lo posible por recuperar el huevo y devolverlo a su madre. Mientras tanto, Godzilla vuelve a despertar de su letargo para atacar Japón... >>

Bueno, para empezar diremos que esta película, es más de Mothra que de Godzilla, ya que en este caso tenemos a Mothra como "el bueno de la peli" y a Godzilla como "villano", quedando relegado por ello a un papel algo más secundario. Y es que, en este universo de kaijus de la Toho, Mothra siempre es buena, ya que su única intención es proteger a sus isleños, y en este caso los japoneses le piden ayuda para deshacerse del lagarto radiactivo que les amenaza.

Cabe decir, además, que esta película es casi como una secuela de Mothra de 1961, y creemos que es muy recomendable haberla visto antes, porque tiene ciertos detalles que se entienden mejor conociendo al personaje de antemano. Las actrices que interpretan a las gemelas, así como uno de los protagonistas humanos, se repiten también en ambas películas. Aunque no se hagan referencias directas a la película original, siempre es mejor haberla visto.

Como película, es de las mejores que llevamos vistas del género del kaiju-eiga. Los efectos especiales mejoran cada vez más, y en esta tenemos al Godzilla más realista que hemos visto hasta ahora (cosa que atribuimos, evidentemente, a una mejora en la calidad del traje, que parecía facilitar los movimientos del actor). Las marionetas de Mothra (tanto polilla como larva) se mantienen en la misma línea que en la película original del monstruo, lo cual está bastante bien.

Mothra se luce especialmente en la película, dándonos una de las mejores batallas de kaijus que hemos visto hasta ahora, demostrando que un insecto puede derrotar al poderoso "rey de los monstruos". Y es que esta película tiene una cantidad de acción entre monstruos considerablemente superior a la que veíamos en las anteriores entregas (pues las batallas contra Anguirus y King Kong no fueron muy largas).

La BSO también es de alto nivel, encaja muy bien con la película y, sobre todo, mantiene el brillante tema principal de Mothra que ya estaba en su primera película (canción pegadiza como pocas).

No hay mucho más que añadir, salvo que es fantástica como película de kaijus. Intensa, divertida y espectacular. Muy recomendable (eso sí, recordamos que hay que ver Mothra antes, la cual también es una delicia del género).

Y hasta aquí nuestro Finde de Cine de esta semana. Nos despedimos, como siempre, esperando que os haya gustado, que os animéis a ver las películas si no lo habéis hecho ya y que, si lo habéis hecho, compartáis vuestra opinión con nosotros.

¡Hasta la próxima!