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martes, 3 de abril de 2018

[FINDE DE CINE] Assassination Classroom / Assassination Classroom: Graduation



¡Un saludo y bienvenidos a La Bandera de la Libertad!

Bueno, bueno... Pues tras un largo mes sin poder publicar ninguna nueva entrada en el blog a causa de las obligaciones académicas y otros menesteres, y tras reponer fuerzas con la semanita de vacaciones, volvemos a la carga con una entrega más de nuestra sección de cine asiático, con la que llevamos varias semanas de retraso que queremos recuperar.

En esta ocasión hemos decidido hacer un Finde de Cine temático, pues comentaremos juntas las dos películas que componen la adaptación a la imagen real del exitoso manganime Assassination Classroom, en lugar de hacer cada una en una entrega diferente, como hicimos por ejemplo con Hentai Kamen y Hentai Kamen 2

¡Empezamos ya!



Assassination Classroom


De modo que tenemos por un lado la primera película de imagen real que adapta el manga Assassination Clasroom de Yusei Matsui, publicado en la Shonen Jump entre 2012 y 2016 y exitosamente adaptado también a la animación en dos temporadas hace pocos años. El gran éxito del título llevó también en 2015 al estreno de su versión en imagen real, dirigida por Eiichiro Hasumi. Para la película contarían además con algunos nombres bastante destacados entre su reparto, como Ryosuke Yamada (FMA, One Pound Gospel) como Nagisa, Masaki Suda (Death Note: El Nuevo Mundo, Gintama) como Karma, o, sobre todo, Kazunari Ninomiya (Nagasaki: Recuerdos de mi hijo, Cartas desde Iwo Jima, Gantz, Platinum Data, etc.) prestando su voz a Korosensei

<< Un alienígena llega a la Tierra y ofrece un trato al gobierno: entrenará a una clase para que aprendan todas las formas posibles de acabar con él; si sus alumnos no resultan ser lo suficientemente “aplicados”, aniquilará el planeta en el plazo de unos meses. Eso sí, nadie esperaba que entre los estudiantes y el monstruoso profesor se pudiera establecer un vinculo tan... fuerte...  >>

Lo cierto es que como adaptación, esta película resulta bastante convincente, llegando prácticamente al nivel de la versión animada. Si bien es cierto que algunos de los personajes humanos (como Nagisa) pierden parte de su carisma al perder su diseño dibujado, no es nada que se pueda considerar realmente molesto, pues tampoco es un elemento importante del manga original. 

Por otro lado, los efectos especiales, que suelen ser el punto más crítico de este tipo de adaptaciones, están suficientemente logrados para tratarse de una producción japonesa no especialmente adinerada. A pesar de las posibles reticencias que pueda causar la recreación de Korosensei, debemos señalar que está verdaderamente bien conseguido. Por supuesto, no parece real y es obvio que no se trata de un ser de carne y hueso, pero el propio manga ya buscaba ese mismo efecto al darle un diseño tan simplón. No obstante, que no parezca real no quiere decir que desentone en pantalla: nada más lejos de la realidad. Desconocemos la técnica con la que fue recreado, pero consiguieron fundirlo bastante bien con la imagen real a pesar de su cómico aspecto. 

Respecto a las interpretaciones, encontramos un reparto que defiende bastante bien sus papeles y traslada con bastante acierto las personalidades de los personajes originales, aunque obviamente quedando más desdibujados que en el original por la diferencia de extensión. Lo que sí que hay que destacar es la labor de Kazunari Ninomiya dándole voz al siempre carismático Korosensei, que gracias a la interpretación de este gran actor mantiene toda la frescura y carisma que tanto le caracterizan en otras encarnaciones de la franquicia.

Argumentalmente, esta primera película, como es normal, se ve algo lastrada por la introducción y presentación de los personajes, y se limita a adaptar de forma más o menos rápida varios de los episodios cómicos de la primera parte del manga, culminando con el primer arco más tenso de la obra para darle al filme un clímax dramático. 

Se trata, en general, de un live-action más que correcto, con buenas dosis de humor y aún poco drama, pero que ya empieza a desarrollar el punto más fuerte e interesante de la obra: la relación profesor-alumnos tan bonita que se forja entre la Clase E y Korosensei. Recomendada tanto si has leído/visto el manganime como si no. 


Assassination Classroom: Graduation


Y por otro lado, vamos con la segunda película de esta bilogía basada en el manga homónimo de Yusei Matsui. En esta ocasión, Assassination Classroom: Graduation fue estrenada un año después de la primera, en 2016, una vez el manga había finalizado, y adapta el último arco de este. Regresan a la producción todos los nombres de la anterior, tanto el director Eiichi Hasumi como todo el reparto. Pero, a diferencia de la anterior, en esta entrega Kazunari Ninomiya podría lucirse también delante de la cámara y no solo con su voz. 

<< Comienza un nuevo curso, y el grupo 3E ya tiene deberes que acometer. Cada alumno debe enfrentarse a sus propios retos, la identidad del invencible profesor de color amarillento es desvelada, el destino de la humanidad corre peligro... >>

Y en esta segunda entrega, la adaptación entra ya de pleno en el grueso dramático de la historia, donde podremos encontrar toda la acción y momentos emotivos que le dan la calidad a la obra, aunque sin olvidarnos de los puntos de comedia.

En lo que respecta a los aspectos técnicos, efectos especiales e interpretaciones, no tenemos mucho más que añadir a lo que ya comentado en la anterior, pues realmente no hay ninguna diferencia reseñable entre ambas. Únicamente destacamos el mayor lucimiento que se permite Kazunari Ninomiya, que en esta segunda parte ya no solo ofrece su fantástica interpretación vocal, sino que también le veremos físicamente al contarse la historia de Korosensei.

Es en el argumento, como ya hemos dicho, donde nos encontramos la gran diferencia respecto a la primera. Conocemos los orígenes de Korosensei y sus motivaciones, presenciamos un enfrentamiento final apasionante e intenso, y, por supuesto, el momento más triste y emotivo (aunque sin perder el optimismo característico) de la obra con su final, el cual cierra muy bien la trama y le pone un broche, no de oro, pero sí de plata o bronce.

La bilogía de Assassination Classroom resulta ser una buena adaptación live-action. Si bien no es la mejor que hemos visto, desde luego se alza en una mucho más que digna calidad y demuestra, una vez más, que las adaptaciones a imagen real de manganimes son mucho mejores de lo que la gente suele pensar.





Y hasta aquí el Finde de Cine de esta semana. Esperamos que os haya interesado y que os animéis a ver las películas si no las habéis visto, y por supuesto a que compartáis vuestra opinión si sí lo habéis hecho.

¡Hasta la próxima!


viernes, 2 de marzo de 2018

[FINDE DE CINE] Hentai Kamen 2: Abnormal Crisis / In the Mood for Love



¡Un saludo y bienvenidos a La Bandera de la Libertad!

Vamos una vez más a la carga con otra entrega más de nuestra sección de cine asiático semanal, tratando de ponernos al día con el retraso que llevamos acumulado. Como siempre, hablaremos de dos películas asiáticas que vimos el fin de semana, para recomendároslas y proponéroslas como posible plan para vuestro propio finde. 

Los que leyerais nuestra anterior entrega ya sabréis que la semana pasada (aunque en realidad fue a comienzos de esta xD) hablamos de uno de los live-action más locos y divertidos que ha dado el cine japonés, Hentai Kamen. Y como adelantábamos entonces, hoy nos toca centrarnos en su segunda parte, probablemente aún más loca, Hentai Kamen 2: Abnormal Crisis. Y en segundo lugar, nos vamos a Hong Kong con una de las películas más bellas de la historia del cine (ya que nos gusta ofrecer variedad y contraste xD) con In the Mood for Love (Deseando Amar).

¡Empecemos!


Hentai Kamen 2: Abnormal Crisis


Tras el gran éxito que cosechó en 2013 Hentai Kamen (incluso más allá de las fronteras de Japón), tres años después, en 2016, Yuuichi Fukuda decidió llevar por segunda vez a la gran pantalla este irreverente manga de superhéroes de Keishuu Ando. Y si la primera entrega ya era loca y absurdamente divertida, esta secuela, en la que regresan todos los actores y equipo de la anterior, promete ser aún más alocada, aún más paródica y, sobre todo, aún más pervertid... digo, divertida.

<< En las noticias hablan sobre la constante desaparición de bragas que está teniendo lugar en la ciudad. Kyosuke aún conserva las bragas de Aiko para luchar contra el mal, pero ella tiene sentimientos confusos y decide que ya es hora de recuperarlas. Kyosuke sufre pierde las bragas de Aiko y Hentai Kamen desaparece... Lo que no saben es que su mayor enemigo aún no ha aparecido...  >>

Tras ver la primera entrega de la franquicia, uno se pregunta... ¿Era posible hacer algo más loco esto? Pues la respuesta nos la da su secuela: definitivamente, sí. Después del festival de humor absurdo (y verde) que fue la primera película, esta segunda consigue superarse a sí misma.

¿Pero cómo lo hace? Como es lógico, esta entrega puede dejar atrás el lastre que supone la narración del "origen del héroe", que era uno de los elementos que más entorpecían y ralentizaban la película anterior. De este modo, esta tiene más libertad para dar rienda suelta a su desfasado histrionismo y locura.

Pero además, Abnormal Crisis tiene un componente paródico aún más marcado que la anterior con el cine de género de superhéroes. Más concretamente, parece concentrarse en parodiar en múltiples ocasiones la trilogía de Spiderman de Sam Raimi, con escenas de Hentai Kamen balanceándose por toda la ciudad usando la goma de su ropa interior a modo de telarañas, entre otras perlitas.

Por lo demás, su humor y estilo no difiere demasiado de la primera, así que tal vez nos repitamos un poco, pero allá va: es absurda, loca, descabellada, verde, pervertida, estúpida... y sobre todo, extremadamente divertida. Una película que se mantiene constantemente en ese punto entre la risa floja, la carcajada y la cara de póquer.

Los efectos especiales están más o menos al mismo nivel que la anterior, aunque hay escenas en las que se lucen un poco más y otras en las que quedan bastante más cutres por las grandes recreaciones que pretenden ejecutar. Pero nuevamente, la cutrez de sus efectos en una película de este tipo, lejos de hacerla peor, contribuyen a aumentar las risas: son cutres, sí, pero no les importa. El director solo quiere hacerte reír con situaciones absurdas que se toman en serio a sí mismas.

Como ya hemos dicho, es probablemente lo más raruno e hilarante que hemos visto. Si te gustó la primera parte, la segunda probablemente te gustará más.


In the Mood for Love (Deseando Amar)


Y en segundo lugar tenemos la primera película hongkonesa de la que hablamos, y lo hacemos por todo lo alto. In the mood for love (también conocida en España como Deseando Amar) es frecuentemente considerada la obra maestra de Wong Kar Wai, uno de los mejores directores del continente asiático, y triunfó en los festivales internacionales de cine de 2000. Sin duda uno de los más hermosos dramas románticos de la historia del cine, protagonizado por dos de las más grandes estrellas del cine chino, Maggie Cheung y Tony Leung, a quienes también pudimos ver como pareja trágica en Hero. Forma parte de una trilogía informal completada por Días Salvajes (Days of Being Wild, 1990) y 2046 (2004), pero puede ser vista independientemente.

<< Hong Kong, 1962. Chow, redactor jefe de un diario local, se muda con su mujer a un edificio habitado principalmente por residentes de Shanghai. Allí conoce a Li-zhen, una joven que acaba de instalarse en el mismo edificio con su esposo. Ella es secretaria de una empresa de exportación y su marido está continuamente de viaje de negocios. Como la mujer de Chow también está casi siempre fuera de casa, Li-zhen y Chow pasan cada vez más tiempo juntos y se hacen muy amigos. Un día, ambos descubrirán algo inesperado sobre sus respectivos cónyuges... y sobre ellos mismos. >>

En gran contraste con la anterior, nos dedicamos ahora a una auténtica obra maestra del cine romántico. Pausada, poética e inifinitamente bella, una de las mejores películas de su género.

Pocas veces hemos tenido la gran fortuna de toparnos con un drama romántico del nivel de esta joya cinematográfica del genial Wong Kar Wai, probablemente uno de los directores con mayor sensibilidad a la hora de plasmar el amor en sí en la pantalla de todo el mundo. Si uno ya aplaude con otras películas suyas como Días Salvajes, Happy Together o 2046, con In the Mood for Love no se puede hacer sino caer rendidos a sus pies.

El filme está dirigido con un buen gusto y una elegancia propios del mejor de los poetas, poniendo especial atención a cada detalle, a cada mirada, a cada sutileza... Motivo por lo cual consideramos muy recomendable darle un revisionado tras la primera vez para llegar a captar y apreciar la película en su plenitud. Cada plano, cada escena, cada diálogo...

El romance prohibido que presenta es melancólico, triste y trágico... pero precisamente por ello, hermoso. Como el propio Wong Kar Wai expresó en 2046 (tercera parte de esta trilogía informal), "el amor no es solo cuestión de encontrar a la persona adecuada, sino de encontrarla en el momento adecuado". Y esa frase condensa a la perfección el cine de este autor, y más especialmente esta su obra maestra.

La fotografía del filme es simplemente exquisita, y viene acompañada por una maravillosa BSO compuesta por piezas originales que se quedarán grabadas en tu memoria, así como por los clásicos boleros latinoamericanos Aquellos Ojos Verdes y Quizás, Quizás, Quizás. La melancolía de un amor tan intenso como imposible se respira en el ambiente, también gracias a las soberbias interpretaciones de Maggie Cheung y Tony Leung.

Una obra maestra del drama romántico que, como bien advierte el título internacional, te hace sentir ganas de amar.






Y hasta aquí el Finde de Cine de esta semana. Esperamos que os haya interesado y que os animéis a ver las películas si no las habéis visto, y por supuesto a que compartáis vuestra opinión si sí lo habéis hecho.

¡Hasta la próxima!


lunes, 26 de febrero de 2018

[FINDE DE CINE] Hentai Kamen: Forbidden Superhero / El Camino a Casa



¡Un saludo y bienvenidos a La Bandera de la Libertad!

Pues aquí vamos una semana más con nuestra acostumbrada sección de cine asiático semanal, tratando de recuperar el retraso que aún tenemos acumulado. Y como siempre, hablaremos brevemente de dos películas asiáticas que hemos visto durante el fin de semana (aunque este fue hace varias semanas ya xD), para así recomendároslas (o no) de cara a vuestros propios tiempos de ocio.

Acaba ya nuestra larga maratón de Godzilla hace un par de semanas, empezamos ahora un micro-ciclo de dos semanas con el súper héroe más absurdo y cómico de Japón (y probablemente del mundo, muy a pesar de Deadpool)... Y también nos trasladamos nuevamente a China con un hermoso drama costumbrista. Efectivamente, hablaremos de Hentai Kamen: Forbidden Superhero y El Camino a Casa.

¡Vamos allá!


Hentai Kamen: Forbidden Superhero


Hentai Kamen, sí señor, el Pervertido Enmascarado. ¡No, no estamos hablando de un manga hentai, ni mucho menos! Pero así es el título de la obra de Keishuu Ando, manga publicado entre 1992 y 1993 en la Shonen Jump y recopilado en 6 tomos. El manga había caído en el relativo olvido hasta que, en 2013, el director especializado en live-action cómicos Yuuichi Fukuda (también director del dorama de Aoi Honoo y de las recientes películas de Gintama y Saiki Kusuo) puso sus ojos en él... Y contra todo pronóstico, la película resultante se convirtió en todo un bombazo, llegando a tener también bastante resonancia en Occidente, probablemente gracias a su absurda premisa.

<< Kyosuke está enamorado de la bella Aiko. Un día, la chica es tomada como rehén por unos atracadores de bancos, y Kyosuke se infiltra para salvar a su amada. A falta de una máscara, el joven ocultará su rostro bajo unas bragas. Esto activará el poder oculto de Kyosuke, que será capaz de derrotar a cualquier enemigo restregándole su entrepierna por la cara. Un nuevo superhéroe acaba de nacer.  >>

Loca, absurda, histriónica, grotesca y descarada. E increíblemente divertida. Hentai Kamen es la más alocada y estúpidamente entretenida parodia del género tokusatsu y del cine de superhéroes en general que hemos podido ver hasta la fecha. Y dudamos seriamente que sea humanamente posible hacer algo más irracionalmente genial.

Las situaciones son de lo mas exageradas y absurdas (¿alguien lo dudaba, cuando la premisa consiste en que un tío adquiere súper poderes al ponerse bragas usadas en la cara?), pero lejos de resultar cargantes o de desesperar al espectador por las cotas de imbecilidad en pantalla, hacen de la película un producto de lo más adictivo e interesante. Y divertido, siempre divertido.

Hentai Kamen es una suerte de superhéroe (quizá sería más acertado llamarlo antihéroe) al que nunca se le agotan los recursos para dejar al público con cara de póquer. No es nada descabellado considerarlo como el "Deadpool japonés", pero aún más descarado y con una comedia mucho más histriónica, absurda y, cómo no, verde.

Los efectos especiales son en general normalillos tirando a mediocres en esta primera entrega, pero le sientan como un guante (¿o como unas bragas...?) a una película con un tono tan (auto)paródico como Hentai Kamen. Al fin y al cabo, nadie llega a esta película en busca del último gran blockbuster de Marvel o DC, sino en busca de echarse unas risas con la más absurda de las comedias. Y estos cutres efectos especiales ayudan a acentuar la pretendida comedia del ridículo.

El único problema que le achacamos es el ritmo general, ya que al contar el origen del héroe, la película pierde el interés en algunos puntos. Por otra parte, gran parte del filme sigue una estructura de sucesión de pequeños (y también absurdos) villanos a los que va derrotando nuestro héroe, de modo que da la impresión de que habría podido funcionar bastante mejor como serie de televisión que como película, pues de forma episódica no agotaría tanto la fórmula. Pero aun así, el filme resulta ser una mezcla de comedia y acción de lo más acertada.


El Camino a Casa


Repetimos por segunda vez consecutiva con uno de los grandes nombres del cine chino contemporáneo, el inigualable Zhang Yimou, tras haber hablado la semana pasada de una de sus obras maestras, Hero. Y también al igual que en aquella, volvemos a tener en pantalla a una de las grandes actrices del país, Zhang Ziyi (Tigre y Dragón, La Casa de las Dagas Voladoras), en esta ocasión en un papel mucho más protagonista. El Camino a Casa (Wo de fu qin mu qin, o The Road Home como título internacional), estrenada en 1999 y ganadora del Oso de Plata - Gran Premio del Jurado en la Berlinale, es una de las películas más famosas de la trayectoria principal del director, que se ha basado salvo contadas excepciones en los dramas costumbristas de la China rural de mediados del siglo pasado. Y teníamos ganas de ver esta vertiente de Zhang Yimou.

<< Luo Yusheng es un hombre de negocios que regresa a su casa, en el norte de China, para asistir al funeral de su padre, el maestro del pueblo. La obsesión de su anciana madre sobre la escrupulosa observación de los ritos fúnebres le resulta inexplicable, pero acaba comprendiendo que el respeto a las milenarias tradiciones es vital tanto para su madre como para los habitantes del pueblo. Un drama sobre la tensión generacional, el respeto a los mayores y la superación de las viejas costumbres que conquistó a la crítica allá donde se estrenó. >>

Como decíamos, ya habíamos comenzado a experimentar el cine de Zhang Yimou a través de sus tres filmes del género wu-xia (Hero, La Casa de las Dagas Voladoras y La Maldición de la Flor Dorada), pero ahora que hemos tenido oportunidad de ver cómo se desenvuelve en el género costumbrista se ha convertido definitivamente en uno de nuestros directores asiáticos favoritos.

Zhang hace gala en El Camino a Casa de una soberbia dirección, un ritmo narrativo muy pausado (en la más pura tradición asiática) pero perfectamente medido para transmitir la melancolía por un pasado más tradicional y rural que está buscando... Y, como es habitual en el director, la fotografía y el uso que hace del color desbordan los sentidos del espectador.

Si bien ya habíamos podido ver todas las características de su buen hacer cinematográfico en los mencionados filmes, en este hemos podido comprobar cómo Zhang también es capaz de explotar al máximo las posibilidades de la fotografía y el color incluso cuando no emplea en pantalla los impresionantes vestuarios y decorados propios de una narración épica wu-xia. Con colores mucho más sobrios y naturales, el director consigue el mismo impacto visual sobre el público.

La historia tampoco se queda atrás, pues es un drama costumbrista que nos ayuda a conocer la sociedad rural y estado del país en aquella época, y especialmente una pequeña parte de sus tradiciones funerarias más ancestrales, que son la mecha que prende toda la historia. Además de ser una hermosa historia familiar y de amor.

Maravillosa obra maestra de un gran director como es Zhang Yimou, cuya fantástica filmografía confiamos en continuar disfrutando próximamente. Si tienes reparos a la hora de introducirte en el cine chino, este director puede ser una fantástica puerta de entrada con la que derribar los tópicos asociados al mismo.





Y hasta aquí el Finde de Cine de esta semana. Esperamos que os haya interesado y que os animéis a ver las películas si no las habéis visto, y por supuesto a que compartáis vuestra opinión si sí lo habéis hecho.



¡Hasta la próxima!


sábado, 17 de febrero de 2018

[FINDE DE CINE] Tokyo Ghoul / Hero



¡Un saludo y bienvenidos a La Bandera de la Libertad!

Seguimos poniéndonos al día con nuestra sección semanal de cine asiático, en la que ya sabréis que hablamos brevemente del par de películas que hemos visto el fin de semana anterior para comentaros nuestras impresiones y recomendarlas (o no) a todos aquellos que nos queráis leer.

Hoy llega el turno de hablar de la adaptación a imagen real de uno de los mangas más exitosos de los últimos años (aunque no precisamente por su nefasta adaptación animada), Tokyo Ghoul. Y por otro lado, hablaremos por primera vez en el blog de una película china, y lo haremos con una obra del calado de Hero, del gran Zhang Yimou.

¡Empecemos!

Tokyo Ghoul


Tokyo Ghoul, esa serie que tanto furor (enfermizo) causó entre la comunidad de aficionados más novatos hace unos pocos años, cuando se estrenó la primera temporada de su adaptación animada allá por 2014... Y que tanto rechazo generó también por la mala calidad de su adaptación respecto al manga original de Sui Ishida. Pero el éxito comercial fue lo suficientemente grande como para llevar a cabo también una adaptación a imagen real en 2017, dirigida por el debutante Kentaro Hagiwara y protagonizada por un elenco de jóvenes actores no demasiado destacados, aunque contando entre su reparto con las apariciones estelares de Yu Aoi (Hana y Alice, Una Familia de Tokio, Maravillosa Familia de Tokio, etc.) y Yo Oizumi (I am a Hero). Desde su estreno hace unos meses en Japón, ha tenido una buena acogida y ahora llegará a España con Selecta Visión, que la proyectó en primicia en la pasada Japan Weekend de Madrid.

<< Cuenta la historia de Ken Kaneki, un estudiante universitario, quien después de ser atacado por un ghoul (seres sobrenaturales que sobreviven comiendo carne humana y se esconden en secreto entre los humanos), logra salvarse mediante un trasplante que lo convertirá en mitad ghoul. Ahora, Kaneki deberá adaptarse a su nueva vida ocultando su identidad entre las oscuras calles de Tokio. >>

A pesar de la flagrante mediocridad de la adaptación animada y de que el manga tampoco nos parezca nada del otro mundo (aunque, sin duda, bastante mejor), esta película ha resultado ser un producto bastante decente, aunque por supuesto, tampoco se le podían pedir peras al olmo.

Los efectos especiales, que suelen ser el mayor lastre de las adaptaciones de obras de estos géneros, son bastante aceptables, aunque se nota que no les sobraba el presupuesto y hemos podido ver otras producciones de años anteriores con mejores resultados en este aspecto que esta película. Las interpretaciones de los actores principales están dentro de la media en general, con la excepción de su protagonista, Masataka Kubota, que sobreactúa en exceso, como si pretendiera dejar claro lo edgy que es su personaje. Las caracterizaciones y vestuario están también muy conseguidos, las escenas de acción cumplen su cometido...

Y si todo está más o menos dentro de lo aceptable, ¿cuál es el mayor problema del filme? Pues el ritmo. La película se hace lenta, aburrida y larga. Dicho de otra forma, tienes la impresión de haber visto solo un largo preámbulo de dos horas de duración. Y así es, puesto que únicamente adapta el comienzo del manga y finaliza aproximadamente donde empieza la chicha. Es muy fiel a la historia original, eso desde luego, y la adapta muy correctamente... pero no funciona como película independiente si no está previsto continuar la saga con un par de filmes más. Y no parece que vaya a continuar, porque si fuera a hacerlo, seguramente se habría anunciado ya.

Es una lástima que, dado que esta es una franquicia tan popular, este será uno de esos live-action que mucha gente ve... Y aunque no es tan desastroso como otros de grandes marcas, tampoco es lo bastante bueno como para acabar con el estigma que pesa sobre las adaptaciones de mangas (como sí lo fue la fantástica trilogía de Rurouni Kenshin).

Como hemos dicho, no es una mala película, y obviamente supera al muy mediocre anime... pero sigue sin cumplir del todo, tanto por sus carencias de producción como, sobre todo, por su inviabilidad como película única.


Hero


Acabada por fin la longeva franquicia de Godzilla, tenemos por primera vez una película china en nuestra sección de cine asiático. Y no es ni más ni menos que Hero, una de las grandes obras maestras del grandísimo director Zhang Yimou. Hero, estrenada en 2002, es una de las películas más exitosas a nivel mundial del género wu-xia, junto con Tigre y Dragón (Ang Lee, 2000) y La Casa de las Dagas Voladoras (Zhang Yimou, 2004). Pero es que, además, en este soberbio ejercicio cinematográfico, Zhang Yimou contó con un reparto absolutamente excepcional que reunió a 5 de las más grandes estrellas del cine asiático: Jet Li (Érase una vez en China), Donnie Yen (Ip Man, Star Wars: Rogue One), Tony Leung (In the mood for Love, The Grandmaster), Maggie Cheung (In the mood for Love) y Zhang Ziyi (La Casa de las Dagas Voladoras). Como para perdérsela.

<< Cuando China estaba dividida en siete reinos que se enfrentaron entre sí para conseguir la hegemonía, la miseria y la muerte asolaron el país. Al rey Qin, que vivía obsesionado con la idea de unificar China y convertirse en el primer Emperador, intentaron asesinarlo los otros monarcas. Entre los asesinos contratados, los más temibles eran Espada Rota, Nieve Volante y Cielo. Qin promete poder, riquezas y una audiencia privada a quien consiga vencer a los tres sicarios, pero es una tarea casi imposible. De modo que, cuando el enigmático "Sin Nombre" llega al palacio con las legendarias armas de los asesinos, el rey se muestra impaciente por oír su historia.. >>

Zhang Yimou es uno de los nombres más celebrados del cine chino en particular y asiático en general. Tras forjarse una sólida carrera con dramas costumbristas ambientados a mediados del siglo XX en China, el director presenta con Hero su primera narración épica... Y lo hace de forma soberbia.

Son frecuentes en Occidente los prejuicios contra el cine de artes marciales y wu-xia (no confundir, pues este último género se caracteriza por la ambientación histórica y el uso de armas blancas) que no sea el cine de acción de Bruce Lee. Pero os invitamos a todos los que tengáis esos pensamientos a aproximaros a Hero con la mente vacía. Dejad que la narrativa visual de Zhang Yimou os embriague y os traslade a otra época, a las raíces de la China Imperial.

En esta épica, como es habitual en el cine del director, destacan por encima de todo su apabullante apartado visual y su impresionante fotografía. Grandes decorados, miles de figurantes, y un uso del color muy estudiado para cada momento del filme. No parpadees si no quieres perderte ninguno de los múltiples detalles que desfilan ante tus ojos.

El casting, como ya hemos comentado, es absolutamente excepcional. Jet Li es el "Héroe" del título que conduce la narración, pero es mayor el peso dramático que recae sobre la pareja formada por Espada Rota (Tony Leung) y Nieve (Maggie Cheung), que siempre tienen una gran química en pantalla, como pudimos ver en In the Mood for Love, así como Zhang Ziyi en su papel de protegida o aprendiz del primero. Si echamos algo en falta en este sentido es un mayor papel para el gran Donnie Yen, que aunque es imprescindible para la historia, goza de pocos minutos en pantalla.

Argumentalmente no se presenta una historia compleja en sí misma, pero sí enrevesada en sus múltiples versiones. Siguiendo la tradición de grandes clásicos como Rashomon, de Akira Kurosawa, Zhang Yimou no nos termina de dejar claro qué es lo que realmente sucedió entre aquellas personas.

Por supuesto, las escenas de acción son abundantes, como corresponde a todo buen wu-xia, y para ello cuentan con unas extraordinarias coreografías que harán las delicias de los amantes del género.

Hero es, en resumen, un filme sobresaliente en todos los aspectos y un auténtico imprescindible del cine asiático. Con o sin prejuicios hacia el cine chino, haceos el favor de verla.





Y hasta aquí el Finde de Cine de esta semana. Esperamos que os haya interesado y que os animéis a ver las películas si no las habéis visto, y por supuesto a que compartáis vuestra opinión si sí lo habéis hecho.

¡Hasta la próxima!


sábado, 3 de febrero de 2018

[FINDE DE CINE] Casshern / Godzilla vs Mechagodzilla III



¡Un saludo y bienvenidos a La Bandera de la Libertad!

Bueno, pues después de bastante tiempo (un par de meses ya, de hecho), regresamos con nuestra habitual sección de cine asiático, que tan retrasada se nos había quedado a causa de varias circunstancias (exámenes de fin de cuatrimestre, las Navidades, los artículos relacionados con ellas y con el cambio de año, el inicio de la temporada de invierno...). El caso es que tenemos varios Finde de Cine por publicar, y ya va siendo hora de retomarlos.

En esta ocasión hablaremos de la adaptación en imagen real de la franquicia animada de superhéroes de Tatsunoko Casshern y, ya en la recta final de nuestra prolongada maratón del rey de los monstruos, Godzilla vs Mechagodzilla III. ¡Vamos a ello!


Casshern


Y damos reinicio a la sección con Casshern, película de 2004 dirigida por Kazuaki Kiriya que llevaba a la gran pantalla y por primera vez en imagen real una de las series más icónicas de Tatsunoko Productions, Shinzo Ningen Casshern, emitida originalmente en Japón entre 1973 y 1974, aunque recientemente es más conocida por su reboot Casshern Sins, y la temporada pasada pudimos ver al personaje junto a otros de la productora en el gran crossover Infini-T Force.

<< Finales del siglo XXI. En un Japón post-apocalíptico, las continuas guerras con Eurasia, han provocado una grave contaminación nuclear y horribles mutaciones en la población. Un científico parece haber encontrado la panacea en las neo-células, una sustancia que regenera el tejido vivo e incluso lo optimiza y mejora. >>

Lo cierto es que lo que más destaca de esta película es, con mucha diferencia, lo visual. Goza de un apartado técnico bastante curioso y personal, que aunque puede llegar a saturar un poco la vista en algunos momentos, dota a la película de una personalidad especial, y es lo que mas puede atraer la atención. Su fotografía basada fundamentalmente en tonos azulados y grisáceos, siempre muy oscuros, busca recrear un mundo postapocalíptico muy propio del cyberpunk más deprimente, y lo cierto es que lo logra con bastante acierto.

Los efectos especiales no son espectaculares, no podemos olvidar que es una producción japonesa de hace casi 15 años, pero sería injusto decir que son malos o cutres. Se defienden de forma lo suficientemente decente, y la oscura fotografía ayuda a disimular sus carencias. Por otro lado, las escenas de acción son bastante buenas, sin ser tampoco de lo mejor que hemos visto.

En cuanto al argumento... es oscuro, y encaja bien con la ambientación de la película y con el género cyberpunk... pero está bastante mal narrado. Demasiados saltos temporales y una narración no lineal mal llevada (incluso caótica en ocasiones) hacen la película densa y confusa, y muchas veces cuesta entender lo que está pasando. Es un buen argumento, la historia es bastante buena, el final es una pasada... pero si no prestas mucha atención, te puedes perder entre los flashbacks.

No es una mala película, pero sí un tanto mediocre. Destacable, más que nada, por lo visual.


Godzilla vs Mechagodzilla III


Encaramos para terminar la película número 26 de la longeva saga del más mítico kaiju del cine, el rey de los monstruos Godzilla, en esta Gojira tai Mekagojira, popularmente conocida como Godzilla vs Mechagodzilla III para diferenciarla de las anteriores entregas en las que tiene que hacer frente a su alter ego robótico. Dirigida nuevamente por Masaaki Tezuka, que repetía en la saga tras Godzilla vs Megaguirus, la saga Millennium ya parecía empezar a tener sequía de ideas al traer de vuelta una vez más a la bestia mecánica, a pesar de haber innovado bastante con el planteamiento de la anterior entrega.

<< Para proteger el país del monstruo Godzilla, el gobierno japonés crea un robot gigante pilotado por seres humanos: Mechagodzilla, un símil del propio monstruo. Para ello utilizan el esqueleto del Godzilla original, que atacó por primera vez en 1954. >>


Y de nuevo nos volvemos a encontrar con el gran némesis robótico de Godzilla, Mechagodzilla, conocido en esta película como Kiryu, en una versión mucho más poderosa y temible que nunca, construida utilizando como base el esqueleto del primer Godzilla. Y es que, efectivamente, una vez más (como ya iba siendo costumbre en la serie Millennium), esta película obvia totalmente las 24 entregas anteriores, incluso las de su propia serie, y se plantea nuevamente como una secuela directa de la original del 54.

Siempre da gusto ver luchar al famoso lagarto asiático con su gemelo mecánico, y probablemente esta sea la mejor de las películas en las que aparece, al menos en lo que a la acción se refiere, por obvios motivos (mayores posibilidades por los constantes avances técnicos del cine).

Además esta película cede bastante peso en los humanos, centrándose bastante en el escuadrón que se enfrenta a Godzilla, un enfoque interesante para la historia, pero que quizá se haga un tanto pesado por el exceso de metraje dedicado al drama de turno de la militar protagonista y su entorno.

En cuanto a las batallas, son intensas y visualmente brutales, como nos tiene acostumbrados la era Millennium de Godzilla, con un lagarto radiactivo que sigue siendo el villano de la historia contra un kaiju, artifical en este caso, que se enfrenta a él para detenerle. Da gusto ver la destrucción que causan, y sobre todo a un Mechagodzilla más espectacular y poderoso que nunca.

Está muy lejos de ser una de las mejores películas de la franquicia, y se puede considerar un paso atrás después de la innovación que supuso la espectacular Giant Monster All-out Attack, pero tampoco es de las peores.






Y hasta aquí el Finde de Cine de esta semana. Esperamos que os haya interesado y que os animéis a ver las películas si no las habéis visto, y por supuesto a que compartáis vuestra opinión si sí lo habéis hecho.

¡Hasta la próxima!


viernes, 2 de febrero de 2018

[RESEÑA MANGA] Devilman



¡Un saludo y bienvenidos a La Bandera de la Libertad!

Bueno, bueno, bueno... Cuánto tiempo sin publicar ninguna de nuestras reseñas normales de manga, ¿verdad? Pues es hora de romper esa racha, y no hay mejor manera de hacerlo que esta. Aprovechando el gran éxito que está teniendo el recientemente estrenado Devilman Crybaby (sin duda gracias a su difusión a través de Netflix), incluso más allá del público habitual del manganime, hemos decidido presentar una reseña del manga original, del que solo habíamos hablado muy brevemente hace un par de años en nuestro top de lecturas anuales

Sobre Devilman

Como muchos sabréis (aunque, desgraciadamente, el éxito masivo de Crybaby tiene el efecto secundario de que la gente olvide de dónde viene realmente), Devilman es una de las obras más representativas de uno de los autores más importantes de la historia del manga, Gô Nagai, cuyo 50 aniversario como mangaka se celebra este mismo año. Sirva, pues, esta reseña también como una parte más de nuestra conmemoración de este evento, junto con la opinión que ya publicamos hace unos días sobre Mazinger Z Infinity

Publicado originalmente entre 1972 y 1973 y recopilado en 5 tomos tankobon, Devilman se convirtió rápidamente en uno de los mayores éxitos de Nagai y en uno de los mangas más icónicos de la historia, pionero del género gore e influencia para cientos de autores posteriores. Es por ello que también contaría con numerosos spin-offs y derivados, algunos dibujados por el propio Gô Nagai (Shin Devilman, Devilman Lady, Devilman vs Getter Robot, etc.), otros solo supervisados (Amon: The Darkside of Devilman, Devilman G, Neo Devilman, Devilman vs Hades, etc.). 

Además, la franquicia ha recibido varias adaptaciones animadas para la pequeña pantalla, empezando en el mismo 1972 con la serie de 39 episodios, muy infantilizada y más similar a una serie de superhéroes que a la obra original. Posteriormente se realzarían dos OVA's, en 1987 y 90, adaptando muy fielmente los dos primeros tomos del manga, pero que quedaron inconclusas y se cerraron con una tercera tomada del spin-off Amon. Hasta llegar a las recientes producciones realizadas para Netflix Cyborg 009 vs Devilman y Devilman Crybaby. Por otro lado, en 2004 se estrenó una adaptación a imagen real de bajo presupuesto que poco tenía de rescatable más allá del muy logrado diseño de Devilman.

Gô Nagai: Sangre, robots y sexo

Go Nagai (1945, Wajima, Ishikawa) es uno de los más importantes autores de la historia del manga, destacado por sus temáticas rompedoras e innovadoras. Todo un enfant terrible de su época, Nagai comenzó su carrera como mangaka contra la voluntad de su madre, pero el legendario Rey del MangaShotaro Ishinomori, le daría la oportunidad de convertirse en su asistente tras ver el potencial de sus primeros trabajos no publicados. Fue todavía bajo la batuta del Rey cuando Nagai debutó profesionalmente con el one-shot Meakachi Polikishi, publicado a finales de 1967.

Pero sería 1968 el año que marcaría el inicio de una larga y prolífica carrera. Ese año, la editorial Shueisha decidió lanzar una publicación semanal de manga shonen para tratar de rivalizar con la Shonen Magazine de Kodansha y la Shonen Sunday de Shogakukan, naciendo así la que es ahora la revista de manga más vendida de Japón, la Shonen Jump. Para ello, la editorial contactó con varios autores para que crearan la primera cartera de series para la nueva publicación, siendo uno de ellos el joven Go Nagai. Así fue como empezó su mítica serie Harenchi Gakuen (Escuela Indecente), que marcaría un antes y un después en la historia del manga al ser la primera obra de contenido erótico y, por tanto, la que marcaría el nacimiento del género ecchi

No serían pocas las voces que se alzarían contra el estilo de Nagai y el contenido que imprimía en sus obras, considerado inadecuado para los jóvenes por los sectores más conservadores de la sociedad. Pero nada de eso impediría al autor continuar en su línea, y con los años seguiría creando obras caracterizadas ya no solo por el erotismo, sino también por el alto contenido sangriento. Así, crearía otros dos grandes iconos populares como Devilman (1972-73), considerado de los primeros y más influyentes mangas gore, y Cutie Honey (1973-74), uno de los precursores del mahou shojo (aunque enfocado al público masculino y cargado de erotismo).

En 1972, Nagai comenzaría la publicación de la que sería su obra más reconocida internacionalmente: Mazinger Z, que presentaba el primer robot gigante tripulado desde el interior, dando lugar así al género mecha que tanto caracterizaría posteriormente al cómic y animación japoneses. 

Este año 2018 se celebra en Japón el 50 aniversario de su carrera profesional como mangaka, y entre los eventos que se llevarán a cabo para tal celebración destacan los nuevos proyectos animados de sus tres obras más icónicas: Devilman Crybaby, brillante versión del manga a cargo del genial director Masaaki Yuasa y que ya se ha estrenado en Netflix en todo el mundo; la película Mazinger Z Infinity, como continuación y colofón final a la mítica saga animada del robot gigante más famoso de todos los tiempos; y Cutie Honey Universe, serie aún por estrenar de la que aún no tenemos mucha información.

¿De qué trata?

Akira Fudo es un pusiánime adoescente que, a través de su mejor amigo Ryo Asuka, se ve envuelto en una extraña ceremonia en la que se ve poseído por Amon, uno de los más poderosos demonios. Medio humano y medio demonio, Devilman deberá utilizar sus nuevos poderes para luchar contra los siniestros demonios que intentan matar a los humanos para recuperar el control del mundo que otrora fuera suyo. 

Nuestra Opinión

Devilman... probablemente la mayor obra maestra del prolífico Gô Nagai, una obra que goza de una incomparable expresividad y crueldad, amén de inusitadas dosis de sangre y sexo para su época (y que aún siguen siendo mucho mayores que en obras más recientes, pues las conquistas contra la censura parecen ir hacia atrás). 

Dentro de la obra de Nagai, como sabe cualquiera que le conozca mínimamente, siempre han predominado dos géneros: el gore y el ecchi (además del mecha, los tres establecidos por él en el manga moderno), pero entre todas las obras de esas características, que no son pocas, Devilman siempre ha sido una de las más reconocidas (por no decir la que más). Es un icono, uno de los mejores y más importantes mangas jamás creados, y probablemente el primero en iniciar la corriente de manga gore que hasta la actualidad se ha extendido, además de ser una fuerte influencia aún hoy para muchas obras y artistas. Y es que la descarnada crueldad de la que hace gala Nagai en esta obra no puede dejar indiferente a ningún lector.

Devilman es una obra que no destaca especialmente por su argumento, no nos vamos a engañar: los demonios se vuelven a alzar y atacan la Tierra, así que alguien tiene que luchar contra ellos y derrotarlos en las sombras... y aquí es donde entra nuestro atormentado héroe, Akira Fudo, alias DevilmanEl primer tomo de la obra puede pasar como el comienzo de una obra de superhéroes, el origen de los poderes y la historia del protagonista... pero Devilman está muy lejos de ser una obra de superhéroes. Aquí no hay kryptonita ni arañas radioactivas, sino que tenemos una posesión demoníaca que tiene lugar durante la celebración de un sabbat, una orgía satánica donde se da rienda suelta a la locura y la pasión carnal, que se nos presenta como la única vía para que un demonio pueda entrar en un cuerpo humano... perdiendo toda cordura y actuando por instinto.

Es así como comienzan las aventuras y matanzas de nuestro protagonista (que, repetimos, no es exactamente lo que llamaríamos "héroe", a pesar de su nombre y del rumbo que tomó la serie animada del 72), con algunas de las escenas más grotescas y sórdidas que se hayan podido dibujar en la historia del manga.

A partir de este punto, las batallas y las carnicerías son constantes. Akira se encontrará con diversos demonios a los que se enfrentará, destacando entre ellos a la bella y letal harpía Sirene, que protagoniza uno de los mejores y más icónicos enfrentamientos de la obra, que además es todo un derroche de sangre, vísceras y expresividad gráfica.

La fórmula de las batallas inconexas finaliza rápido (aunque posteriormente Nagai añadiría entre medias el tomo Shin Devilman, tan innecesario como absurdo) para entrar de lleno en el arco principal, que ocupa el grueso de la obra... La gran guerra entre humanos, demonios y devilmen, en la que por supuesto el bando humano está totalmente condenado. Una matanza a escala global que termina de la peor forma posible, y aunque no entraremos en más spoilers, este conflicto se salda con uno de los mejores finales jamás dibujados en un manga.

Pero además, esta obra no se limita solo a la acción, sino que también da una clara muestra de lo que el más profundo terror y la crueldad pueden hacer a una persona, logrando que esta entierre sus principios y vulnere todo atisbo de moralidad de la manera más ruin y despiadada posibleY es que Devilman es también un ensayo sobre la moralidad humana, tal vez no de manera tan elaborada como encontramos en otras obras similares, pero sigue teniendo incluso a día de hoy, 45 años después de su creación, múltiples lecturas.

A nivel artístico es uno de los mayores despliegues que ha realizado el veterano autor en toda su carrera, quizá solo comparable a su Divina Comedia (otra muestra de virtuosismo, aunque de otro modo diferente). Nagai se apoya en los trazos gruesos y las pinceladas sueltas bien cargadas de tinta para retratar el más profundo desquiciamiento de sus personajes en situaciones límite, plasmando con una expresividad visceral la brutalidad más descarnada y salvaje que se pueda llegar a imaginar. Ira, agresividad, salvajismo, dolor... son las emociones que transmite el arte de esta obra en casi cada página. 

Es cierto que, como comentábamos, argumentalmente es bastante simple y tiene carencias y algún que otro agujero, que se lastran especialmente en el pobre desarrollo de los personajes (especialmente de Miki, cuya importancia para nuestro protagonista no se corresponde con el peso que recibe en la trama)... pero Devilman es una obra que es mayor que la suma de sus partes. No es perfecta, pero lo que hace lo hace de forma magistral. Es probable que nunca se haya hecho un manga gore tan bien construido como este, y sobre todo, tan significativo.

Un indispensable dentro de la obra de un enfant terrible de su época, que en esta creación demuestra la capacidad de su estilo artístico de una forma que prácticamente nunca volvió a lograr. Maravilloso en el sentido más oscuro de la palabra.


Nota Final: 9 [ - Magistral - ]