[RESEÑA ANIME] Ping Pong The Animation

Hola a todos y bienvenidos a una nueva reseña de La Bandera de la Libertad. Hoy comentaremos, como acostumbramos a hacer, un anime del año pasado que pasa por ser uno de los mejores estrenados en estos últimos años: Ping Pong The Animation.

Emitido durante la temporada de primavera de 2014 en el bloque de programación noitaminA de Fuji TV, centrado en animación para un público maduro, Ping Pong The Animation es la adaptación animada del manga homónimo de Taiyo Matsumoto, publicado entre 1996 y 1997. Taiyo Matsumoto es, además, uno de los más importantes y exitosos mangakas del panorama alternativo, con grandes obras en su haber como Tekkon Kinkreet, Go Go Monster, Takemitsu Zamurai o Sunny.

La dirección de la serie cayó en manos del prestigioso director y animador Masaaki Yuasa (The Tatami Galaxy, Kaiba, Kemonozume, Mind Game), quien logró a la perfección conservar la esencia del manga y el personal estilo del maestro Matsumoto.

Taiyo Matsumoto, genio alternativo

Taiyo Matsumoto, nacido en Tokio en 1967, se destaca como uno de los autores más aclamados del panorama alternativo del manga. Con un estilo de dibujo peculiar y diferente, alejado del arte convencional de los autores japoneses más comerciales e influido por corrientes europeas, un trazo lleno de movimiento y expresividad con el que transmite todo tipo de emociones, y unas historias de gran contenido psicológico, su nombre ha quedado consagrado como uno de los más grandes mangakas de las últimas décadas.

Tras estudiar Bellas Artes en la Universidad de Wako, Taiyo Matsumoto debutó profesionalmente a la temprana edad de 20 años con su obra Straight. Pero el éxito le llegaría en los años posteriores con la publicación de obras como Hana Otoko, Aoi Haru, Ping Pong, Tekkonkinkreet, o Zero.

Más recientemente, Matsumoto ha continuado cosechando éxitos como autor alternativo con mangas como Takemitsu Zamurai (en colaboración con su frecuente asistente Issei Eifuku), GoGo Monster o la multipremiada Sunny, recientemente finalizada en Japón. 

Sus obras han recibido algunas adaptaciones a la imagen real y a la animación, destacando especialmente la película animada dirigida por Michael Arias Tekkonkinreet o la serie Ping Pong The Animation, con el gran director Masaaki Yuasa a la cabeza de la producción.

¿De qué trata?

La historia se centra en Makoto Tsukimoto (apodado Smile) y Yutaka Hoshino (apodado Peko), dos chicos, amigos de la infancia, que comparten su afición por el ping pong, siendo considerados los mejores de su instituto.

Sin embargo ambos son diferentes. Mientras Peko parece un genio innato que no necesita entrenar apenas, Smile consigue todo mediante el trabajo duro, a pesar de que este parece quedar siempre a la sombra de Peko.

Nuestra Opinión

Ping Pong The Animation, a pesar de su aparentemente simple premisa, rompe todos los esquemas del spokon.

En este anime, los manidos clichés del género de "el esfuerzo supera al talento" y "con trabajo duro puedes lograr lo que sea" desaparecen, lo cual acaba sorprendiendo totalmente a la hora de la verdad en los partidos más importantes.

Además, en lugar de centrarse en la acción, los partidos y los entrenamientos, este anime añade un toque psicológico a la historia, mostrándonos los pensamientos más profundos de los protagonistas de una forma que ningún otro manganime deportivo hace.

Esto no significa que el ritmo de la serie se ralentice, ni mucho menos. La serie es intensa y frenética, los partidos transmiten mucha adrenalina y aseguramos que mantienen pegado a la pantalla en todo momento.

Visualmente la serie es muy original y diferente a lo establecido. Un estilo visual que, si bien puede resultar desagradable a priori, rompe todos los esquemas y queda perfectamente animado, logrando una gran sensación de dinamismo en los partidos. Además, el genial director y animador Masaaki Yuasa consigue a la perfección plasmar el muy particular estilo gráfico de un autor con tanta personalidad como lo es Taiyo Matsumoto.

Ping Pong The Animation es una serie única, original, diferente y que rompe todos los esquemas establecidos del género deportivo.

Una obra maestra que encantará a aquellos que busquen algo nuevo.

Nota Final: 9,5 [ - Magistral - ]

[RESEÑA MANGA] Litchi Hikari Club

Hola a todos. Hoy en nuestra reseña hablaremos de Litchi Hikari Club, una interesante y peculiar obra de Usamaru Furuya, uno de los más destacados autores del panorama alternativo.

Publicado entre 2005 y 2006 en la revista Manga Erotics F, Litchi Hikari Club es un intento por parte de su autor de rescatar una antigua representación teatral que tuvo ocasión de presenciar en repetidas ocasiones durante su adolescencia y cuya puesta en escena y argumento le fascinaron e impactaron hasta tal punto que no fue capaz de olvidarla en años, a pesar de la disolución de la compañía teatral.

Usamaru Furuya, genio alternativo

El manga que presentamos en esta ocasión viene firmado, como ya hemos indicado, por ni más ni menos que Usamaru Furuya, un mangaka que, aunque su nombre pueda no sonar al público más generalista, es actualmente uno de los autores alternativos más importantes del mundo del cómic japonés.

Nacido en 1968, cuando aún asistía a la escuela primaria, Furuya se matriculó en el Curso de Manga por Correspondencia de Osamu Tezuka, hasta alcanzar un estilo gráfico y narrativo mucho más oscuros y alternativos en su adolescencia, en los que se aprecia la fuerte influencia de autores de la corriente gekiga, especialmente la de Suehiro Maruo. Finalmente, se graduaría en la Universidad de Bellas Artes de Tama.

Usamaru Furuya debutaba profesionalmente al fin en 1994, con la obra de gran corte experimental y alternativo Palepoli, publicada en la prestigiosa revista Garo, pionera del gekiga, que acabaría cerrando sus puertas pocos años después.

Entre sus obras más destacadas cabe mencionar El Club del Suicidio (Jisatsu Circle, 2002), adaptación libre de la película homónima de Sion Sono; Litchi Hikari Club (2005-2006), en la que recupera de sus recuerdos una impactante representación teatral que presenció en su infancia y nunca pudo olvidar; 51 Maneras de Salvar a mi Novia (Kanojo wo Mamoru 51 no Hōhō, 2006-2007); o Indigno de Ser Humano (Ningen Shikkaku, 2009), en la que adapta al tiempo actual la novela homónima de Osamu Dazai publicada en 1948, uno de los más importantes clásicos contemporáneos de la literatura japonesa.

¿De qué trata?

En esta obra nos encontramos con el Hikari Club, un grupo de estudiantes liderados por el misterioso y despiadado Zera, que utiliza a sus miembros del club para crear un robot con el que secuestrar chicas hermosas.

Un club diferente y misterioso donde el sexo, la sangre, la perversión y la tortura están a la orden del día, y donde la mas mínima traición será castigada con la muerte.

Cuando este robot, al que llamaron Lichi es activado, secuestrará a una hermosa chica llamada Kanon, la cual le enseñará lo que es un humano.

Nuestra Opinión

Si pudiéramos describir Litchi Hikari Club con una sola palabra, esta sería "perversión". El único objetivo del grupo de estudiantes es satisfacer los deseos de su degenerado líder, ya sea sexualmente u obedeciendo cualquier orden que este emita, aunque implique matar a uno de sus miembros.

El manga está plagado de escenas sexualmente explícitas, las cuales incluyen violaciones, y de escenas sangrientas totalmente detalladas, destacando su clímax, el cual presenta además de una gran cantidad de sangre y vísceras, una gran sensibilidad artística y una gran habilidad para transmitir una emoción muy intensa: la de un hombre que pierde aquello que mas ama.

A pesar de toda la perversión mostrada, también nos presenta un interesante romance entre una humana y una máquina, lo cual trata algunos temas filosóficos como "¿Qué hace humana a una maquina?", muy habituales en la ciencia ficción.

La ambientación es además el punto más fuerte de la obra, pues Furuya logra crear una oscura y teatral atmósfera que lo hace muy fiel al Grand Guignol en que se basa el manga.

Una obra visualmente espectacular, oscura, sangrienta, grotesca y visceral, con escenar sexualmente explícitas y una gran ambientación que la convierte en una pequeña joya del manga alternativo.

Nota Final: 9 [ - Magistral - ]

[RESEÑA MANGA] Reproducción por Mitosis

Hola a todos, hoy en nuestra reseña hablaremos de una recopilación de historias cortas de uno de los mejores mangakas alternativos actuales. Un maestro de la experimentación narrativa capaz de hacer cosas sorprendentes (y en ocasiones perturbadoras) sobre el papel. Estamos hablando de Reproducción por Mitosis (Kasutoro Shiki), de Shintaro Kago.

Shintaro Kago, el Enfant Terrible de nuestros días 

Shintaro Kago, nacido en 1969, debutaba profesionalmente en el año 1988 en la revista COMIC BOX.

Sus obras se caracterizan fundamentalmente por el uso de elementos y escenas de carácter sangriento, escatológico y sexual, buscando producir una sensación de repulsión en el observador de sus ilustraciones y lector de sus mangas. Así, queda enmarcado dentro de la corriente del ero-guro, una vertiente del género gore que fusiona un erotismo soez con un tipo de gore especialmente explícito y escatológico. 

No obstante, es importante señalar que Shintaro Kago no hace uso del ero-guro por el mero "placer" de la repugnancia, sino como herramienta de protesta contra las convenciones sociales y el encorsetamiento de la sociedad japonesa contemporánea.

En sus obras, Kago pone de manifiesto su inigualable habilidad para la experimentación tanto en el campo artístico, como se muestra especialmente en Reproducción por Mitosis, como en el narrativo, algo que podemos apreciar en Fraction, la historia en la que el autor engaña al lector a la vez que le explica los recursos que está empleando para ello. De igual manera, suele dibujar historias satíricas respecto al Japón actual, como las que podemos encontrar en Novia Ante la Estación (Ekimae Hanayome).

Además de su labor como mangaka, Shintaro Kago destaca por sus ilustraciones, que muestran, incluso aún más que sus mangas, su fascinante y quizás enfermiza mente. Del mismo modo, se declara aficionado a la animación, y ha creado por sí mismo diversos cortos de pocos minutos para internet.

¿De qué trata?

En Reproducción por Mitosis encontramos 14 capítulos autoconclusivos, cada uno de ellos un pequeño experimento en el que Kago juega con la narrativa de su obra, creando cosas nunca vistas, y casi siempre con el sexo, el gore, las vísceras y la repugnancia como marco de acción.

Una de las historias, la que da título al tomo, nos muestran una viñeta que habla al propio lector como un personaje, a la vez que actúa como medio para transmitir la acción, y que empieza a dividirse, a reproducirse por un proceso equivalente a la mitosis celular, dando lugar a nuevas viñetas que continúan la historia, tomando diferentes caminos y llegando a una conclusión sorprendente, a la par que grotesca, como es propio de Kago.

Cabe señalar especialmente además la historia Precauciones Innecesarias, en la que se presenta una ilustración con una lámina con "ventanas" (viñetas) que oculta parte de ella, de manera que según lo que ésta oculte o deje a la vista, nos permite leer una historia u otra (se debe destacar la magnífica labor de traducción efectuada para esta historia por Marc Bernabé para la edición española, pues todos los textos deben encajar como un puzle para conseguir el efecto deseado por Kago).

Nuestra Opinión

La perversión, al igual que en las demás obras del autor, está muy presente, por ejemplo en historias como la de una chica obsesionada con los reversos, las cosas invertidas o del revés, que, a causa de un accidente, logra dar la vuelta a sus ojos, pudiendo observar el interior de su cuerpo, ocasionándole una gran excitación; o una curiosa historia sobre sumo que hay que leer para creer.

A pesar de la sangre, vísceras, sexo explícito y demás contenido desagradable, no se debe leer a Shintaro Kago buscando el ero-guro, sino algo diferente: experimentos en los que juega con la narrativa como nunca se ha hecho. Reproduccion por Mitosis es originalidad en estado puro.

A los amantes del manga alternativo, o del arte del cómic en general, y a los que busquen algo totalmente diferente a lo habitual, les encantará Shintaro Kago. Sin embargo puede resultar desagradable para los estómagos más delicados por lo que no lo recomendamos a todo el mundo.

Una obra diferente, única, original, rompedora... los experimentos de Shintaro Kago comprendidos en este tomo único son una maravilla del manga. No recomendable para sensibles.

Nota Final: 10 [ - Imprescindible - ]

[RESEÑA ANIME] Tenshi no Tamago

¡Un saludo y bienvenidos a La Bandera de la Libertad!

En la reseña de hoy vamos a hablar de una curiosa y no muy conocida OVA obra de uno de los grandes directores de animación japoneses, Mamoru Oshii. Se trata de Tenshi no Tamago (El Huevo del Ángel), una película compleja pero de gran belleza visual, .

Estrenada en 1985, Tenshi no Tamago sería la segunda OVA en cuya dirección se embarcaría el por entonces principiante Mamoru Oshii. Consagrado hoy como uno de los más grandes nombres del mundo del anime, el nombre de su director debería ser reclamo suficiente para la visualización de esta OVA. Pero por si fuera poco, además cuenta con un aliciente adicional, como es el apartado artístico, diseñado por el no menos grande Yoshitaka Amano, prestigioso ilustrador y diseñador de personajes y escenarios (Vampire Hunter D, Arslan Senki, Final Fantasy, etc.).

Mamoru Oshii, el director

Mamoru Oshii, nacido en 1951, es a día de hoy uno de los directores de animación japoneses más importantes y conocidos en el mundo entero. Su estilo caracterizado por las historias de ciencia ficción con gran carga filosófica y simbólica, no tan alejados de la mentalidad occidental, le han convertido en todo un icono del anime.

En 1980 comenzaba su carrera profesional al ingresar en Studio Pierrot, donde haría sus primeros trabajos como director, destacando parte de la serie de televisión de Urusei Yatsura (manga de Rumiko Takahashi) y sus dos primeros filmes, Only You y Beautiful Dreamer. Más tarde, en 1983, Oshii sería elegido por el estudio para dirigir un importante proyecto, que sería el debut de toda una nueva forma de distribución de producciones animadas: el lanzamiento directamente en formato doméstico. Así, Dallos, de 4 episodios de media hora de duración, se convertiría en la primera OVA de la historia. Poco después dirigiría una nueva OVA, Tenshi no Tamago (El Huevo del Ángel), en la que ya manifiesta su característica carga simbólica y filosófica en una obra de arte animada de difícil comprensión, contando con los diseños de Yoshitaka Amano (ilustrador de Final Fantasy, Vampire Hunter D...).

A partir de entonces, Oshii comenzaría a dirigir las grandes obras que le valdrían la consideración de la que goza hoy, como la franquicia Mobile Police Patlabor, Sky Crawlers o, las más significativas, Ghost in the Shell y Ghost in the Shell 2: Innocence.

¿De qué trata?

En Tenshi no Tamago se nos presenta una niña sin nombre, la única habitante de un mundo oscuro y postapocalíptico. Esta niña pasa su vida recogiendo botellas de agua y cuidando de un misterioso huevo cuyo contenido desconoce.

Un día encuentra a un hombre, cuyo nombre nunca es revelado, que empieza a seguirla y a preguntarse por el contenido de este misterioso huevo que porta nuestra protagonista.

Nuestra Opinión

Tenshi no Tamago es puro arte visual, dejando de lado totalmente la historia para mostrarnos un mundo oscuro y postapocalípitico creado con el fin de resultar bello a la vez que desconcertante, mostrándonos planos de increíble belleza y sensibilidad artística, además de complicados simbolismos.

La película es compleja, la historia se presenta de forma muy difusa, sin revelarnos en ningún momento verdadera información, ya que los diálogos son escasos, y la película se limita a mostrarnos a sus personajes y el oscuro y desconcertante mundo que estos habitan.

El argumento resulta prácticamente incomprensible, además, y es muy difícil hacerse una idea del auténtico significado del simbolismo presente a lo largo de todo el filme, lo cual puede llevar a pensar que realmente no presenta ningún significado y que la única intención de Oshii fue crear belleza y transmitirla de la misma forma que lo haría un cuadro en movimiento. A pesar de esto, la película a dado lugar a numerosas teorías sobre su verdadero trasfondo y significado.

A pesar de que la historia dificil de entender, como ya hemos dicho, visualmente es un espectáculo maravilloso y solo por disfrutar de cada plano de esta película valdrá la pena verla.

En resumen, una película incomprensible y compleja con una historia difusa, pero que visualmente es una delicia que encantará a todos los fans de la animación. Una belleza  que hay que disfrutar. Arte en estado puro.

Nota Final: 8 [ - Muy Buena - ]

[RESEÑA ANIME] Dead Leaves

Buenas a todos. Hoy en nuestra reseña hablaremos de una de las películas mas locas, absurdas y geniales que se han creado en la historia del anime. Se trata de Dead Leaves, dirigida por la maravillosa y alocada mente de Hiroyuki Imaishi.

Hiroyuki Imaishi, el director

Hiroyuki Imaishi, nacido en 1971, se ha revelado en los últimos años como uno de los directores y animadores más destacados del panorama actual de la animación japonesa, gracias a su estilo desbordante de originalidad, energía y acción frenética.

En 1996, Imaishi se unía a las filas del prestigioso estudio Gainax, en el que comenzaría a mostrar su talento. La primera obra en la que destacaría su estilo sería FLCL (Fooly Cooly, o Furi Curi), en la que trabajó como director de animación y como director del cuarto episodio. Esta miniserie de 6 OVA's estrenadas en 2000 se convertiría en uno de los grandes estandartes de los animes alocados y frenéticos que posteriormente caracterizarían a Imaishi.

En 2004, Imaishi debutó como director precisamente con la película que ahora reseñamos, Dead Leaves, producida por Productions I.G, encargándose él mismo también de los diseños de personajes y la animación.

Sería en 2007 cuando Imaishi dirigiría la que se convertiría en su obra maestra y uno de los más importantes animes del presente siglo, Tengen Toppa Gurren Lagann. En 2010 estrenaría su nueva serie, Panty & Stocking with Garterbelt, y al año siguiente, en 2011, abandonaría Gainax (junto con otros compañeros con los que trabajó en TTGL) para fundar su propio estudio, Studio Trigger, en el que estrenó a finales de 2013 su última serie hasta la fecha, Kill la Kill.

¿De qué trata?

La película nos cuenta las aventuras de Pandy y Retro, dos extraños personajes que despiertan desnudos y sin recuerdos. Ambos son capturados rápidamente y enviados a la prisión espacial Dead Leaves, donde los presos son controlados hasta tal punto que se les obliga a comer y a defecar con máquinas. Allí pronto descubren que Dead Leaves es una fábrica de clones y mutantes fallidos, por lo que organizarán un motín y una fuga con los demás presos para descubrir que hay detrás de Dead Leaves.

Nuestra Opinión

La película se desarrolla de forma frenética durante la hora entera de metraje sin dar un segundo de respiro al espectador. Las escenas de acción se suceden rápidamente con una animación espectacular, original y creativa como pocas veces se ha realizado. Solo una mente como la de Imaishi podría dar lugar a algo así. Además las escenas están acompañadas por una gran BSO acorde al enérgico ritmo de la película.

Lo mejor de está película es, sin duda alguna, su originalidad, las situaciones absurdas en inverosímiles son abundantes y, aunque pueda parecer una película mala y sin sentido, es precisamente eso lo que la hace tan genial: el hecho de que la propia película deja de lado la lógica para crear una historia delirante, absurda y original.

Sin embargo, aunque todo esto lo consideramos una virtud, no es una película para todo el mundo, sino para aquellos que busquen algo absolutamente diferente, que rompa todos los esquemas establecidos y que se salga de los estándares de lo "normal". Aquellos que hayan disfrutado con FLCL o con Kill la Kill disfrutarán mucho con esta película.

Tal vez su único defecto es la duración. Una sola hora no es suficiente para desarrollar todo el potencial de la película.

En resumen, una película original y diferente para aquellos que busquen salirse de lo habitual. Frenética y loca como ella sola. Muy recomendable.

Nota Final: 8'5 [ - Muy Bueno - ]