¡Un saludo y bienvenidos a La Bandera de la Libertad!
Tras unos días de ausencia por complicaciones personales, estudios y falta de tiempo en general, volvemos a la carga para publicar una entrada muy especial para nosotros que teníamos pendiente desde hace un par de semanas.
Y es que hoy vamos a hablar de la última película japonesa estrenada en las salas españolas, la maravillosa Hacia la Luz, última película de la genial cineasta Naomi Kawase. Pero no se trata en esta ocasión de una reseña normal, sino que hemos querido ir un poco más allá y tratar de expresar las emociones que esta película es capaz de transmitir.
¿Y qué tiene de tan especial todo esto? Básicamente que, a pesar de los limitados estrenos que tiene el cine asiático en España, nosotros tuvimos la gran suerte de poder ir a verla el día después de su estreno, con lo cual ha sido la primera vez que hemos podido ir a ver una película japonesa al cine juntos.
Sobre Naomi Kawase y Hacia la Luz
Hacia la Luz (Hikari) es la última película de la genial cineasta japonesa Naomi Kawase. Gracias a sus filmes en los que retrata con gran sensibilidad y delicadeza el día a día y la idiosincrasia niponas, Kawase se ha convertido poco a poco en una de las directoras niponas de referencia y más éxito entre el público cinéfilo europeo, probablemente la cabeza más visible del cine japonés contemporáneo en los festivales de cine internacionales junto con Hirokazu Koreeda.
Tras el gran éxito de crítica y público que supuso en 2015
Una Pastelería en Tokio,
Kawase regresa este año a nuestras salas con
la que probablemente sea su obra magna hasta la fecha.
Hacia la Luz se estrenó en Japón este mismo año, en el mes de mayo, y este 17 de noviembre llegó a algunos cines españoles distribuida por
BTEAM Pictures, tras su paso por el
Festival de Cannes, donde compitió por la prestigiosa Palma de Oro en la Sección Oficial.
"Nada es más bello que lo que desaparece ante tus ojos..."
La visualización de Hacia la Luz en el cine fue para nosotros una experiencia casi mística: las luces se
apagan... la genial banda sonora de esta película inunda la casi vacía (y pronto
sin el casi) sala de cine... el juego de luces y sombras comienza... Desde ese instante y hasta el último segundo de metraje, Naomi Kawase nos atrapa
con su lírica, su narrativa y su magnífica sensibilidad, tan delicada como certera.
Pero vayamos por partes, ya que Hacia la Luz no es solo una joya del
drama romántico... no, por supuesto que no. Es mucho más: es una oda al cine, un canto al arte cinematográfico, que debe llegar a todo el mundo por igual... incluso a
aquellos incapaces de verlo, pues eso no les impide sentirlo.
Al comienzo de la película observamos una serie de escenas del día a día: una ciudad ajetreada, la
gente paseando o yendo a trabajar, haciendo su vida, mientras escuchamos una voz femenina que describe cada objeto y persona que vemos (un coche pasando frente a un grupo de peatones, un
oficinista que llega tarde, etc.), todo detallado, como si se tratase de una verdadera
audiodescripción para invidentes.
Y es que el argumento de la película se basa precisamente en eso: Misako Ozaki (Ayame Misaki), una mujer joven que
trabaja guionizando y locutando audiodescripciones, aproximando el cine a aquellos que no pueden
apreciarlo con la vista pero sí con otros sentidos, es la que protagoniza nuestra historia.
Estas escenas iniciales no son solo un perfecto ejemplo de lo que puede lograr una audiodescripción (ya que podrías entenderlas perfectamente con los ojos cerrados), sino que logran plasmar a la perfección la
sensibilidad costumbrista del cine japonés de autor, en unas escenas que
perfectamente podrían haber salido de la mente de Ozu, Mizoguchi o Yamada, pero
no... Son obra de la genial Naomi Kawase, que abre de esta forma un filme en el que despejará cualquier posible duda sobre su enorme talento como cineasta y como heredera de los grandes maestros. Será en estos compases de la película cuando oiremos
por primera vez la frase que da sentido a la obra: "Nada es más bello que lo
que desaparece ante tus ojos".
Por otra parte, completando el dúo protagonista de una película prácticamente sin secundarios, Masaya Nakamori (Masatoshi Nagase), un
hombre de mediana edad con una enfermedad degenerativa que le está robando el sentido de la vista a pasos agigantados. Casi totalmente ciego ya, este antiguo fotógrafo que ya no
puede dedicarse a su pasión vive amargado, distante y huraño... un hombre profundamente marcado por su
discapacidad y por su pasado como fotógrafo.
Pero no es él el único que vive lastrado por algo, pues nuestra protagonista carga con la responsabilidad de una madre senil en su pueblo natal de la que ya no puede hacerse cargo por sus obligaciones profesionales, pero por cuyo "abandono" al cuidado de otros parece sentirse culpable.
Pero es el perfeccionismo hacia su
trabajo lo que la obsesiona, pues necesita comprender la obra que quiere transmitir al público ciego, a
aquellos que solo por el oído tienen que comprender lo que entraña una
película. El perfeccionismo de ella y el orgullo por la autosuficiencia a pesar de una minusvalía con la que aún no ha aprendido a vivir por parte de él lo que les termina uniendo. Tal vez la soledad influya en ellos, el
caso es que es ese momento donde se empieza a desarrollar un incipiente amor.
La escena...
Aunque pueda parecer difícil escoger una sola escena en una película así, lo cierto es que hubo una en concreto que se nos quedó grabada a fuego en la memoria por la maestría con la que está dirigida (ADVERTENCIA: este apartado puede considerarse spoiler, abstente de leerlo si no deseas más detalles de la película antes de verla y salta directamente al siguiente).
Esta escena nos sitúa en un vagón del metro. Tras encontrarle desorientado en la calle, Misako decide acompañar a Nakamori a su casa. Mientras viajan en el solitario vagón, sentados en silencio, pasamos a ver a través de los ojos del protagonista durante unos instantes. Una bruma blanquecina vela casi toda la pantalla. Tan solo una pequeña apertura por la que se filtran imágenes borrosas constituye la única ventana al mundo del torturado protagonista. Y de repente, una luz. Una luz fugaz de un foco de iluminación del túnel entra por la ventana del vagón. Y nada más. El señor Nakamori pierde definitivamente la escasa visión que le quedaba. Se asusta. Se agarra a la mano de Misako. Llora en silencio.
Es difícil expresar con palabras la potencia lírica que supone que, en una película titulada simplemente "Luz" en su idioma original y cuyo leitmotiv es precisamente la luz, el protagonista masculino pierda la vista entre un fulgor. Ante esta escena no podemos hacer sino rendirnos a los pies de Naomi Kawase.
Pero aunque esa ventana al mundo del protagonista se cierre, la película abre otras. Hacia la Luz no es solo una oda
al cine ni un "ensayo sobre la ceguera", como diría José
Saramago. No, Hacia la Luz es una obra sobre dos personas que se reconcilian con su propia
vida y que comprenden que, a pesar de ser fugaz, es
bella. Y así podemos entender plenamente el significado de la frase "Nada es más bello que lo que desaparece ante tus ojos": la vida, en su fugacidad, está constantemente esfumándose ante nuestros propios ojos, vean o no. Y eso es lo que la hace infinitamente bella.
Una película sobre la luz
Como hemos dejado claro, la película tiene un claro leitmotiv, que es la luz. Y esto lo podemos palpar en casi cada escena. El filme muestra un grandioso dominio de la fotografía y la iluminación, combinando en todo momento todo tipo de luces naturales o artificiales que se arrojan sobre los personajes. Son abundantes los contraluces que dejan en penumbra los rostros de los personajes, bien por la oscuridad que mora en sus mentes (como es el caso de la madre de la protagonista, cuyo rostro no se ilumina claramente en ningún momento, pues la claridad de su mente se desvaneció tiempo atrás); bien porque lo que importa no es ver claramente, sino sentir.
Las grandiosas dirección y fotografía se ven acompañadas por una
hermosa banda sonora, entre la que
destaca el tema principal de la película, que curiosamente es en realidad el tema de la película ficticia en cuya audiodescripción está trabajando la proatgonista. Y como ya sucedía en
Una Pastelería en Tokio,
Kawase vuelve a recurrir a los sonidos ambiente de la naturaleza, la ciudad, las voces de los niños, el viento, etc., dando así mayor naturalidad a la ambientación.
Y en lo que a las interpretaciones se refiere, podemos decir que son otro foco de luz. En cuanto a Ayame Misaki, conocida hasta ahora tan solo por un puñado de papeles secundarios en cine y televisión, hace un muy buen debut como actriz principal en una película que, como hemos comentado antes, se sostiene casi exclusivamente sobre sus dos protagonistas, pues los escasos secundarios son poco más que figurantes con frases (en lo que a peso argumental se refiere, pues tampoco son nada desdeñables las interpretaciones de los actores que encarnan a la directora de la grabación de la audiodescripción y a los invidentes que asisten a las pruebas).
Pero creemos que es Masatoshi Nagase quien se lleva la palma por encima de su compañera. Tras haberle visto parcialmente eclipsado por la brillantez de Kirin Kiki en Una Pastelería en Tokio, Nagase tiene aquí la oportunidad de lucirse y nos ofrece una impecable interpretación con la que nos transmite el desasosiego y frustración que siente un apasionado fotógrafo al perder la luz de sus ojos.
En conclusión, creemos que Naomi Kawase ha sido capaz de ofrecer una clase magistral de cine en su más pleno sentido con Hacia la Luz. No solo ofrece una bonita historia de amor bien interpretada y bien dirigida, sino que además se alza como toda una oda al arte cinematográfico y a un mundo dentro del cine que suele pasar muy desapercibido para la mayoría de la población, como lo es el de las audiodescripciones para invidentes.
Terminamos recomendando encarecidamente que, si seguís teniéndola en cartelera en algún cine cercano, vayáis a verla sin dudarlo ni un instante. Hacia la Luz es cine con mayúsculas.
En Love & Peace no solo encontramos una clásica historia de viaje de retorno a casa de estilo infantil y
familiar (que también), sino que incluso predomina más un sentido del humor muy propio de Sion Sono, basado en una comedia absurda e histriónica, que da lugar a escenas muy originales y divertidas.
Está llena de momentos que te harán poner cara de asombro, siempre que seas capaz de aceptar y entrar en su juego.
Por otro lado, tenemos la historia de la tortuga Pikadon,
la dimensión más entrañable, mágica e infantil. Nos encontramos con una suerte de cóctel entre Toy Story, en el que los
juguetes abandonados cobran vida y tienen personalidad propia; Tokyo Godfathers, ya que juguetes y mascotas perdidos forman familia con un misterioso y afable vagabundo que esconde un mágico secreto; realizado todo ello con unos efectos especiales al más puro estilo tokusatsu (en cuya cutrez radica su encanto), que recuerdan a las antiguas series y películas de este
género... Hasta que al final, la espiral de locuras que nos ofrece Sono deviene en toda una parodia del kaiju-eiga (imposible no pensar en Gamera, ya que estamos hablando de una película protagonizada por una tortuga).
Contiene además bastantes referencias a la cultura pop japonesa, una
cierta mención muy tangencial y en clave de humor a la memoria de las bombas atómicas (no esperéis nada tan explícito como en Godzilla, pero estar está, sorprendentemente) y hasta el mismísimo Santa Claus como
personaje clave en la película.
