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sábado, 3 de febrero de 2018

[FINDE DE CINE] Casshern / Godzilla vs Mechagodzilla III



¡Un saludo y bienvenidos a La Bandera de la Libertad!

Bueno, pues después de bastante tiempo (un par de meses ya, de hecho), regresamos con nuestra habitual sección de cine asiático, que tan retrasada se nos había quedado a causa de varias circunstancias (exámenes de fin de cuatrimestre, las Navidades, los artículos relacionados con ellas y con el cambio de año, el inicio de la temporada de invierno...). El caso es que tenemos varios Finde de Cine por publicar, y ya va siendo hora de retomarlos.

En esta ocasión hablaremos de la adaptación en imagen real de la franquicia animada de superhéroes de Tatsunoko Casshern y, ya en la recta final de nuestra prolongada maratón del rey de los monstruos, Godzilla vs Mechagodzilla III. ¡Vamos a ello!


Casshern


Y damos reinicio a la sección con Casshern, película de 2004 dirigida por Kazuaki Kiriya que llevaba a la gran pantalla y por primera vez en imagen real una de las series más icónicas de Tatsunoko Productions, Shinzo Ningen Casshern, emitida originalmente en Japón entre 1973 y 1974, aunque recientemente es más conocida por su reboot Casshern Sins, y la temporada pasada pudimos ver al personaje junto a otros de la productora en el gran crossover Infini-T Force.

<< Finales del siglo XXI. En un Japón post-apocalíptico, las continuas guerras con Eurasia, han provocado una grave contaminación nuclear y horribles mutaciones en la población. Un científico parece haber encontrado la panacea en las neo-células, una sustancia que regenera el tejido vivo e incluso lo optimiza y mejora. >>

Lo cierto es que lo que más destaca de esta película es, con mucha diferencia, lo visual. Goza de un apartado técnico bastante curioso y personal, que aunque puede llegar a saturar un poco la vista en algunos momentos, dota a la película de una personalidad especial, y es lo que mas puede atraer la atención. Su fotografía basada fundamentalmente en tonos azulados y grisáceos, siempre muy oscuros, busca recrear un mundo postapocalíptico muy propio del cyberpunk más deprimente, y lo cierto es que lo logra con bastante acierto.

Los efectos especiales no son espectaculares, no podemos olvidar que es una producción japonesa de hace casi 15 años, pero sería injusto decir que son malos o cutres. Se defienden de forma lo suficientemente decente, y la oscura fotografía ayuda a disimular sus carencias. Por otro lado, las escenas de acción son bastante buenas, sin ser tampoco de lo mejor que hemos visto.

En cuanto al argumento... es oscuro, y encaja bien con la ambientación de la película y con el género cyberpunk... pero está bastante mal narrado. Demasiados saltos temporales y una narración no lineal mal llevada (incluso caótica en ocasiones) hacen la película densa y confusa, y muchas veces cuesta entender lo que está pasando. Es un buen argumento, la historia es bastante buena, el final es una pasada... pero si no prestas mucha atención, te puedes perder entre los flashbacks.

No es una mala película, pero sí un tanto mediocre. Destacable, más que nada, por lo visual.


Godzilla vs Mechagodzilla III


Encaramos para terminar la película número 26 de la longeva saga del más mítico kaiju del cine, el rey de los monstruos Godzilla, en esta Gojira tai Mekagojira, popularmente conocida como Godzilla vs Mechagodzilla III para diferenciarla de las anteriores entregas en las que tiene que hacer frente a su alter ego robótico. Dirigida nuevamente por Masaaki Tezuka, que repetía en la saga tras Godzilla vs Megaguirus, la saga Millennium ya parecía empezar a tener sequía de ideas al traer de vuelta una vez más a la bestia mecánica, a pesar de haber innovado bastante con el planteamiento de la anterior entrega.

<< Para proteger el país del monstruo Godzilla, el gobierno japonés crea un robot gigante pilotado por seres humanos: Mechagodzilla, un símil del propio monstruo. Para ello utilizan el esqueleto del Godzilla original, que atacó por primera vez en 1954. >>


Y de nuevo nos volvemos a encontrar con el gran némesis robótico de Godzilla, Mechagodzilla, conocido en esta película como Kiryu, en una versión mucho más poderosa y temible que nunca, construida utilizando como base el esqueleto del primer Godzilla. Y es que, efectivamente, una vez más (como ya iba siendo costumbre en la serie Millennium), esta película obvia totalmente las 24 entregas anteriores, incluso las de su propia serie, y se plantea nuevamente como una secuela directa de la original del 54.

Siempre da gusto ver luchar al famoso lagarto asiático con su gemelo mecánico, y probablemente esta sea la mejor de las películas en las que aparece, al menos en lo que a la acción se refiere, por obvios motivos (mayores posibilidades por los constantes avances técnicos del cine).

Además esta película cede bastante peso en los humanos, centrándose bastante en el escuadrón que se enfrenta a Godzilla, un enfoque interesante para la historia, pero que quizá se haga un tanto pesado por el exceso de metraje dedicado al drama de turno de la militar protagonista y su entorno.

En cuanto a las batallas, son intensas y visualmente brutales, como nos tiene acostumbrados la era Millennium de Godzilla, con un lagarto radiactivo que sigue siendo el villano de la historia contra un kaiju, artifical en este caso, que se enfrenta a él para detenerle. Da gusto ver la destrucción que causan, y sobre todo a un Mechagodzilla más espectacular y poderoso que nunca.

Está muy lejos de ser una de las mejores películas de la franquicia, y se puede considerar un paso atrás después de la innovación que supuso la espectacular Giant Monster All-out Attack, pero tampoco es de las peores.






Y hasta aquí el Finde de Cine de esta semana. Esperamos que os haya interesado y que os animéis a ver las películas si no las habéis visto, y por supuesto a que compartáis vuestra opinión si sí lo habéis hecho.

¡Hasta la próxima!


lunes, 30 de enero de 2017

[RESEÑA MANGA] Marginal



¡Un saludo y bienvenidos a La Bandera de la Libertad!

Cuánto tiempo sin traer una reseña "normal y corriente", ¿no? Vamos a ir recuperando un poquillo de actividad habitual del blog, y para ello hemos decidido reseñar un manga ni más ni menos que de la gran maestra Moto Hagio, quien sabréis que es una de nuestras autoras favoritas de todos los tiempos y de la que recientemente se publicó su única obra (hasta la fecha) editada en español, ¿Quién es el 11º Pasajero?.

Hablamos, como podéis ver, de Marginal, manga publicado entre entre 1985 y 1987 y posteriormente recopilado en 5 tomos tankobon.

Moto Hagio, madre del shojo

Desafortunadamente desconocida por la mayor parte del público español, Moto Hagio, nacida en Fukuoka en 1949, es una de las autoras más importantes de la historia del cómic japonés y una de las madres del shojo manga o manga para chicas, junto con sus compañeras de generación, como Keiko TakemiyaRiyoko Ikeda o Ryoko Yamagishi.

Moto Hagio es una miembro fundamental del llamado Grupo del 24, la generación de autoras nacidas en o en torno a 1949 (año 24 de la Era Showa) que entre finales de los años 60 y a lo largo de la década de los 70 del siglo pasado revolucionaron drásticamente el shojo manga, ampliando las fronteras temáticas y estilísticas del cómic para chicas, conquistando nuevos géneros y creando otros nuevos, especialmente el shonen-ai y el shojo-ai (romances homosexuales). 

Influida desde pequeña por las obras de los primeros grandes autores de la década de los 50 como Osamu Tezuka y Shotaro IshinomoriMoto Hagio decidiría definitivamente convertirse en mangaka a raíz de la lectura de la obra del Dios del Manga Shinsengumi (1963). A pesar de la feroz oposición de toda su familia, Hagio conseguiría debutar en 1969 con Lulu to Mimi en la revista Nakayoshi de Shueisha, pero no conseguiría desplegar las alas hasta que su compañera y amiga Keiko Takemiya le presentó al editor de Shogakukan Junya Yamamoto, personaje clave para el desarrollo del Grupo del 24, que aceptó todas las obras que otras editoriales habían rechazado a la joven Hagio

A partir de entonces, Hagio se asentaría como una de las mejores autoras de su tiempo, llegando incluso a crear, junto con Takemiya, un género del shojo manga que sería fundamental hasta el día de hoy, el shonen-ai o yaoi, es decir, el romance homosexual entre varones, usualmente representados con rasgos bellos, delicados y andróginos, estableciendo así también los estándares del modelo bishonen, a través de obras como 11-gatsu no Gymnasium (El gymnasium de noviembre, 1970-71) y, sobre todo, su obra maestra Thomas no Shinzo (El Corazón de Thomas, 1974).

En 1997, Hagio fue honrada con el premio a la mejor obra por Zankoku na Kami ga Shihaisuru (Reina un dios cruel, 1992-2001) en la primera edición de los Premios Culturales Osamu Tezuka, considerados hoy la mayor distinción de la industria del manga.

En 2006, además, su serie Barbara Ikai (Barbara, el otro mundo, 2002-2005) obtendría el Nihon SF Taishô (Gran Premio de Ciencia Ficción de Japón), siendo el primer manga que conseguía tal honor desde que le fuera concedido en 1983 a Katsuhiro Otomo (Akira) por Pesadillas

Además, en 2012 se convertiría en la primera mujer mangaka en recibir la Medalla del Lazo Púrpura del Emperador de Japón, en reconocimiento a sus inconmensurables aportes a las artes a lo largo de toda su carrera. 

Entre sus obras, además de las ya mencionadas, cabe destacar su muy exitosa serie Poe no Ichizoku (El Clan Poe, 1972-76), ¿Quién es el 11º Pasajero? (11-nin Iru!, 1975)U wa Uchuusen no U (adaptación del libro de relatos de Ray Bradbury R is for Rocket, 1977-78), A-A' (1981-84), Marginal (1985-87), Iguana no Musume (La hija de la Iguana, 1991) o, actualmente en publicación, Ouhi Margot (2012-presente), su primera obra de corte histórico, sobre Margarita de Valois.


¿De qué trata?

Marginal se ambienta en un futuro donde un fenómeno ha provocado que las mujeres, incapaces de generar los anticuerpos necesarios, no puedan sobrevivir en la superficie de la Tierra, quedando solo los hombres. Como consecuencia de ello, toda la población humana es homosexual, y los seres humanos ya no nacen por reproducción sexual, sino gracias a una "Madre", reverenciada como deidad, que se dice que da a luz a miles de niños al año, que son repartidos entre las distintas ciudades para mantener la población humana.

¿De qué trata?

Moto Hagio acostumbra a brindarnos grandes obras maestras del manga... y, como no podía ser de otro modo, Marginal no es una excepción. 

En lo que se refiere al apartado artístico, desde la primera página se puede observar la gran maestría de una autora en su etapa de pleno esplendor, con el estilo tan propio de Hagio, concretamente en una etapa ya más madura y diferenciada de su etapa  más clásica, con un trazo más fino y delicado, pero manteniendo su elegancia y personalidad, sin olvidar las característicamente brillantes distribuciones de página que convierten casi cada página del manga en una obra de arte, siendo uno de los principales medios que usa la autora para transmitir sentimientos y como complemento narrativo esencial.

Argumentalmente, estamos ante una obra considerablemente compleja, constituyendo así una perfecta muestra de cómo las autoras del Grupo del 24 demostraron que el manga para chicas podía y debía ir más allá de los simples romances escolares

Si bien se trata de una obra de temática BL, no se trata de su elemento central (aunque está introducido con mucha maestría en el argumento, por razones obvias, dado que el planeta está habitado únicamente por varones). Sin embargo, esto no lo convierte en una obra centrada en el romance, como ya hemos dicho, sino que es aprovechado como parte de la construcción de este mundo de ciencia ficción post-apocalíptica.

En este caso tenemos una sociedad, que si bien es futura, ha vuelto a sus orígenes tras un suceso apocalíptico, y encontramos tanto una estética puramente antigua, con tintes arabizantes y asiáticos, como elementos como la esclavitud (abundan en la obra los Irokos, jóvenes afeminados que son comprados por varones adultos de mayor posición para protegerlos y mantener relaciones sexuales con ellos), lo cual le da un estilo muy personal a la obra.

Los diferentes secretos detrás de la obra se van desvelando poco a poco, revelando mucho más de lo que en un principio pudiera parecer ocultar y haciendo el argumento cada vez más complejo. Esto hace que la obra sea extremadamente profunda, y que al mismo tiempo requiera un cierto esfuerzo por parte del lector para comprender todos estos matices y tramas (especialmente si uno la lee en inglés, el único idioma en que está disponible en Internet actualmente).

Es un manga oscuro que trata temas diversos, entre ellos la esclavitud, la modificación genética de los seres humanos... todo aquel que busque una historia bien contada y un argumento lleno de giros e incógnitas encontrará aquí una joya indispensable.

Marginal constituye, sin ser una de las grandes obras de Moto Hagio, una joya imprescindible que todo amante del buen manga debería leer. Puede ser algo compleja dada su densidad, pero es sin duda una obra magnífica, perfectamente hilada y con un dibujo magnífico que solo una maestra del manga podría lograr.


Nota Final: 9 [ - Magistral - ]


sábado, 19 de noviembre de 2016

[RESEÑA MANGA] ¿Quién es el 11º Pasajero?



¡Un saludo y bienvenidos a La Bandera de la Libertad!

Ya estamos aquí un día más con una nueva reseña, pero en esta ocasión no es "una reseña más", ni mucho menos, pues nos congratulamos de reseñar la primera obra editada en España de una de las autoras más importantes de la historia del manga y una de nuestras favoritas. Reseñamos ¿Quién es el 11º Pasajero?, de Moto Hagio

Tomodomo Ediciones ha sido la primera editorial española en apostar por fin por esta imprescindible autora que es Hagio editando en un solo tomo su famosa obra ¿Quién es el 11º Pasajero? (11-nin Iru!) junto con su continuación, ¿Quién es el 11º Pasajero? - Continuación: Al Horizonte del Este, Eternamente el Oeste (Zoku 11-nin Iru!: Higashi no Chihei, Nishi no Towa), publicadas originalmente en Japón entre 1975 y 1977.

Algunos quizá recordéis que ya hablamos de la adaptación en forma de película animada de ¿Quién es el 11º Pasajero? hace un tiempo en la segunda entrega de nuestros artículos Joyas Ocultas de la Animación Japonesa.

Moto Hagio, madre del shojo

Desafortunadamente desconocida por la mayor parte del público español, Moto Hagio, nacida en Fukuoka en 1949, es una de las autoras más importantes de la historia del cómic japonés y una de las madres del shojo manga o manga para chicas, junto con sus compañeras de generación, como Keiko Takemiya, Riyoko Ikeda o Ryoko Yamagishi.

Moto Hagio es una miembro fundamental del llamado Grupo del 24, la generación de autoras nacidas en o en torno a 1949 (año 24 de la Era Showa) que entre finales de los años 60 y a lo largo de la década de los 70 del siglo pasado revolucionaron drásticamente el shojo manga, ampliando las fronteras temáticas y estilísticas del cómic para chicas, conquistando nuevos géneros y creando otros nuevos, especialmente el shonen-ai y el shojo-ai (romances homosexuales). 

Influida desde pequeña por las obras de los primeros grandes autores de la década de los 50 como Osamu Tezuka y Shotaro Ishinomori, Moto Hagio decidiría definitivamente convertirse en mangaka a raíz de la lectura de la obra del Dios del Manga Shinsengumi (1963). A pesar de la feroz oposición de toda su familia, Hagio conseguiría debutar en 1969 con Lulu to Mimi en la revista Nakayoshi de Shueisha, pero no conseguiría desplegar las alas hasta que su compañera y amiga Keiko Takemiya le presentó al editor de Shogakukan Junya Yamamoto, personaje clave para el desarrollo del Grupo del 24, que aceptó todas las obras que otras editoriales habían rechazado a la joven Hagio

A partir de entonces, Hagio se asentaría como una de las mejores autoras de su tiempo, llegando incluso a crear, junto con Takemiya, un género del shojo manga que sería fundamental hasta el día de hoy, el shonen-ai o yaoi, es decir, el romance homosexual entre varones, usualmente representados con rasgos bellos, delicados y andróginos, estableciendo así también los estándares del modelo bishonen, a través de obras como 11-gatsu no Gymnasium (El gymnasium de noviembre, 1970-71) y, sobre todo, su obra maestra Thomas no Shinzo (El Corazón de Thomas, 1974).

En 1997, Hagio fue honrada con el premio a la mejor obra por Zankoku na Kami ga Shihaisuru (Reina un dios cruel, 1992-2001) en la primera edición de los Premios Culturales Osamu Tezuka, considerados hoy la mayor distinción de la industria del manga.

En 2006, además, su serie Barbara Ikai (Barbara, el otro mundo, 2002-2005) obtendría el Nihon SF Taishô (Gran Premio de Ciencia Ficción de Japón), siendo el primer manga que conseguía tal honor desde que le fuera concedido en 1983 a Katsuhiro Otomo (Akira) por Pesadillas

Además, en 2012 se convertiría en la primera mujer mangaka en recibir la Medalla del Lazo Púrpura del Emperador de Japón, en reconocimiento a sus inconmensurables aportes a las artes a lo largo de toda su carrera. 

Entre sus obras, además de las ya mencionadas, cabe destacar su muy exitosa serie Poe no Ichizoku (El Clan Poe, 1972-76), ¿Quién es el 11º Pasajero? (11-nin Iru!, 1975), U wa Uchuusen no U (adaptación del libro de relatos de Ray Bradbury R is for Rocket, 1977-78), A-A' (1981-84), Marginal (1985-87), Iguana no Musume (La hija de la Iguana, 1991) o, actualmente en publicación, Ouhi Margot (2012-presente), su primera obra de corte histórico, sobre Margarita de Valois.

¿De qué trata?

¿Quién es el 11º Pasajero? nos cuenta la historia de los candidatos para entrar en la Universidad Estelar, los cuales deberán superar una prueba en grupos de 10 para evaluar sus aptitudes y capacidades. La prueba que ocupa a nuestros protagonistas consistirá en sobrevivir en una nave espacial a la deriva durante un ciclo orbital de 54 días. 

Aunque la tarea parezca fácil al principio, la realidad es que hay algo extraño en el grupo: se les ha indicado que han sido divididos en grupos de 10, pero sin embargo son 11 las personas abordo de la nave... Un undécimo pasajero, de identidad desconocida, sembrará la paranoia entre todos los miembros del grupo, quienes tendrán que aprender a sobrevivir en ese entorno para aprobar el acceso a la prestigiosa Universidad Estelar...

Nuestra Opinión

Para nosotros, lo que mejor funciona en esta obra de Hagio es la caracterización de personajes. Todos ellos tienen una personalidad definida y están bien construidos, pues Hagio dedica el tiempo suficiente a presentarlos (si bien, como es obvio, a unos más que a otros, pues el protagonismo principal recae esencialmente en Tada, Frol y, en la segunda parte, en Baseska).

La obra se centra muy particularmente en el tema de la sexualidad de los personajes, lo cual sería una constante en las obras de las autoras del Grupo del 24. Como muestra de ello tenemos el caso de Frol, uno de los protagonistas, que es una forma de vida plurisexual que al llegar a cierta edad podrá elegir si prefiere pasar el resto de su vida como varón o como mujer. El romance que presenta la obra, muy basado en la ambigüedad de género o androginia, constituye además un interesante antecedente de los futuramente más desarrollados romances homosexuales o shonen-ai de la autora.

Otra de las particularidades de esta obra es su abundancia y densidad de texto, especialmente en la segunda parte, donde la historia pasa de ser una suerte de "caso de habitación cerrada" a convertirse en una historia de intrigas cortesanas y políticas de lo más interesante (eso sí, en ambos casos con fuerte componente de ciencia ficción, como es lógico). Pero a pesar de esta abrumadora cantidad de texto, uno no siente que esté leyendo algo pesado, ni mucho menos, pues cada diálogo sirve para explicar algo nuevo sobre los personajes o el universo en el que se desarrollan los acontecimientos, el cual está muy bien extendido y construido para tratarse de una obra de escasas 400 páginas.

Pasando al apartado artístico, lo podemos resumir con la palabra "sublime". El estilo más clásico de Moto Hagio tiene una gran personalidad y elegancia. Y, sobre todo, como siempre nos ha encantado en sus obras (y de sus compañeras de generación), una gran habilidad para la distribución de página, un arte que se ha ido dejando considerablemente de lado en el manga contemporáneo (con honrosas excepciones), pero que esta grandísima autora domina con maestría, logrando unos magníficos acabados que no solo incrementan el valor artístico, sino que también contribuyen notoriamente a la narrativa visual de la obra.

Destacar además las ilustraciones a todo color que Tomodomo ha recuperado para esta edición, con tonos muy vivos que encajan perfectamente con la obra.

Dado el caso de que es una autora de capital importancia que se ha publicado por primera vez en nuestro país, creemos necesario hablar de la edición española en sí. Y es que es una auténtica maravilla, ya no solo por la hermosa portada con relieves plateados, tan minimalista como elegante, sino por el contenido: ambas partes de la obra en un solo volumen, todas las páginas a color y en bitono originalmente publicadas en revista recuperadas, un prólogo a cargo de Marc Bernabé presentando a la autora y su obra, y una detallada biografía de Moto Hagio que ayuda a conocer mucho mejor a la autora. Y por si fuera poco, una preciosa postal con una de las más bellas ilustraciones de la obra.

Sin duda una joya del shojo y la ciencia ficción clásica que, sin ser una de las grandes obras maestras de Moto Hagio, no deja de ser una maravilla y una gran obra del manga.

Nota Final: 9 [ - Magistral - ]

miércoles, 10 de agosto de 2016

[RESEÑA CINE] Orange



¡Hola a todos y bienvenidos de nuevo a La Bandera de la Libertad!

Hoy os traemos una nueva reseña de nuestra no tan habitual "sección" de cine japonés, que retomamos por todo lo alto con una reciente y sobresaliente adaptación a la imagen real del manga orange, estrenada en diciembre de 2015, que es una gran demostración de que los tan injustamente denostados live-action pueden llegar a ser auténticas maravillas.

Sobre la película

El manga original en el que se basa la película que reseñamos es obra de Ichigo Takano y fue publicado entre 2012 y 2015 acumulando un total de 5 tomos recopilatorios. Este verano está gozando de especial popularidad gracias a su adaptación animada estrenada el pasado mes.

La película, dirigida por el debutante Kojiro Hashimoto y protagonizada por Tao Tsuchiya (Misao en Rurouni Kenshin 2 y 3) como Naho, Kento Yamazaki (L en el dorama de 2015 de Death Note, protagonista de las aún no estrenadas adaptaciones de Shigatsu wa Kimi no Uso, Isshukan Friends y Ookami Shoujo to Kuro Ouji) como Kakeru, Ryo Ryusei (Liar Game: Reborn, Ouran High School Host Club) como Suwa, Hirona Yamazaki (Kamisama no Iu Toori, Prison School) como Taka, Dori Sakurada (Beck) como Hagita y Kurumi Shimizu como Azu, fue anunciada y estrenada en Japón el pasado 2015, pocos meses después de la conclusión del manga, que se adapta en su totalidad.

¿De qué trata?

La historia comienza cuando Naho, una estudiante de instituto, recibe el día de inicio de su segundo año, una carta supuestamente enviada por sí misma desde 10 años en el futuro en la que se aconseja cómo debe actuar para salvar la vida de Kakeru, un nuevo estudiante transferido con el que pronto harán buenas migas Naho y sus amigos.

A pesar de que en un principio no termina de creerlo, pronto se dará cuenta de la verdad que hay detrás de esa carta, y cómo parece tener razón al predecir todo lo que le pasará a su amigo.

Nuestra Opinión

Esta película nos ha dejado un gran sabor de boca, principalmente porque, al tratarse de una versión en imagen real de la historia, consigue que puedas empatizar con mayor facilidad con los personajes encarnados por los muy acertadamente escogidos actores, un efecto que resulta incluso más intenso que en el manga original.

El ritmo pausado de la historia es una delicia para los amantes del costumbrismo japonés como nosotros, además de que cuenta con una banda sonora original que ambienta y acompaña a la perfección todas y cada una de las escenas del filme. En este mismo sentido, cabe destacar especialmente también los escenarios y paisajes. rodados en la hermosa y rural localidad nipona de Matsumoto, en la que transcurre la acción.

Argumentalmente es una historia no muy compleja, pero lo suficientemente buena y acompañada de un elemento innovador tomado de la ciencia ficción que hace más original esta obra. Es interesante ver cómo se alternan presente y futuro y los cambios que los protagonistas van provocando entre ambas líneas temporales en su desesperado intento por salvar a Kakeru

Aun estando catalogada como romance, es una historia que se basa más en la amistad que en el amor, lo cual lleva a emotivas situaciones entre todos los personajes, sin terminar de centrarse únicamente en la relación entre Naho y Kakeru, cosa que culmina con su hermoso e intenso clímax, que a más de uno hará soltar una lagrimilla.

Pasando a las consideraciones de la película en tanto que adaptación de un manga, hay que decir que es totalmente fiel, salvo por ciertos detalles que son omitidos o abreviados para poder encajar todo lo esencial de la historia en las poco más de 2 horas de metraje. A pesar de este pequeño handicap, en ningún momento se siente que la trama cojee o que le falte algo, pues todo sucede cuando y como tiene que suceder.

Los actores, que como hemos mencionado más arriba están muy bien escogidos y ya cuentan con una cierta experiencia en adaptaciones de mangas a imagen real, están perfectamente caracterizados, siendo auténticos calcos de los personajes del manga, lo cual supone otro punto a favor más para la película.

Sin duda, orange es el ejemplo perfecto de que los live action pueden ser una obra de arte si se hacen bien y, sobre todo, si se hacen a partir de un manga que realmente pueda ser trasladado a la imagen real (pues la mala fama de este tipo de adaptaciones procede de las películas basadas en las más populares obras de acción que en ningún caso quedan bien en acción real).

Una de las películas más bonitas que hemos visto últimamente, sin lugar a dudas.

Nota Final: 8 [ - Muy Buena - ]

jueves, 4 de agosto de 2016

[RESEÑA ANIME] Under the Dog



¡Un saludos a todos y bienvenidos de nuevo a La Bandera de la Libertad!

Para retomar nuestras habituales reseñas de anime, hablaremos hoy de la recientemente estrenada OVA Under the Dog, anunciada por primera vez hace unos años y financiada mediante la popular plataforma de crowdfunding Kickstarter y finalmente lanzada el pasado 1 de agosto de este mismo año, es decir, hace apenas tres días.

Sobre la producción

Para empezar la reseña de esta particular OVA, hablaremos primero del equipo que se encuentra detrás de ella y de algún detalle respecto a la producción de esta potencial franquicia. 

En la dirección encontramos a Masahiro Ando, director conocido por algunas obras relativamente afamadas como Canaan, o la fantástica película Sword of the Stranger. Además, Ando ha trabajado en la animación de joyas como la película de Cowboy Bebop o Metropolis.

En el guión tenemos a Keigo Koyanagi, el cual (al menos para nosotros) se ha ganado algo de odio, o como mínimo resquemor, por el pobre trabajo que hizo con la reciente Mayoiga.

Hidegutsu Ito, animador clave en películas como Evangelion 3.0, Ghost in the Shell 2: Innocence, SprigganSteamboy o la brillante Tekkonkinkreet, y que además ya trabajó con anterioridad con Masahiro Ando en Sword of Stranger, es el encargado de la animación de la OVA.

Esta OVA se trataba originalmente de un proyecto iniciado en los años 90, pensado inicialmente como una serie de 26 episodios, pero que fue finalmente cancelado. Hace pocos años se tomó la decisión de retomar el proyecto, utilizando para su producción la plataforma Kickstarter para mantener la libertad creativa, aunque, como veremos a continuación, a costa de la calidad final del producto por la evidente limitación de la financiación.

¿De qué trata?

La historia se ambienta en un Tokio futurista donde unos adolescentes con poderes conocidos como "Flores" tienen la misión de asesinar a otros estudiantes con habilidades similares para garantizar la seguridad de Japón y de sus familias.

Nuestra Opinión

La OVA destaca absoluta y únicamente por su ambientación, animación y acción. Las escenas más frenéticas están animadas con mucha fluidez, resultan absorbentes y son, por así decirlo, lo que salva la OVA de ser una basura total. 

La ambientación cyberpunk, es de un estilo similar al de aquellos animes de ciencia ficción que estaban mas en boga en los 90, y hay que decir que es francamente buena. La ciudad resulta espectacular con esa animación, además de los destacados diseños de armas, vehículos y monstruos.

Resumiendo, estamos ante un muy destacable apartado visual. Pero ahora toca pasar a los puntos flacos, es decir, todo lo demás.

Argumentalmente podría decirse que está coja... por no decir que directamente no tiene piernas. La OVA produce la sensación de estar viendo el primer episodio de cualquier anime. El argumento, obviamente, no queda del todo claro, pues solo es una mera introducción. Pero en el caso de una historia cyberpunk y mas compleja de lo normal, el primer episodio no revela apenas nada, simplemente pone en situación de forma algo somera.

Y esto lo que ocurre con Under the Dog, que podría perfectamente tratarse de el primer episodio o episodio piloto de una potencial serie animada de mucha mayor extensión (tal y como estaba planeado originalmente hace 20 años), pero al ser lo único disponible de esta "franquicia", lo único que nos quedan son 28 minutos de metraje que son simplemente acción sin sentido.

Es una pena pensar que si este proyecto hubiera continuado, hubiera podido estar a la altura de grandes sagas cyberpunk como GITS o Psycho-Pass, cosa que es muy posible viendo su estilo y ambientación. Pero en su lugar se ha quedado en esta pequeña OVA.

Acción frenética y bien ambientada pero que se queda en muy poca cosa por culpa de su falta de argumento. Conservamos la esperanza de que en algún momento el proyecto sea retomado.

Nota Final: 6 [ - Aceptable - ]


jueves, 17 de marzo de 2016

[RESEÑA ANIME] La Arcadia de mi Juventud: Órbita Sin Fin SSX



Un saludo a todos y bienvenidos un día más a La Bandera de la Libertad

Como podéis apreciar, la reseña que os traemos hoy no es "una más", sino que esta vez va en consonancia con la temática del blog. Reseñamos una de las series principales de nuestro amado Leijiverso, parte de la saga del pirata espacial Harlock. Se trata de Waga Seishun no Arcadia: Mugen Kidou SSX (también conocida como Arcadia of My Youth: Endless Orbit SSX, La Arcadia de mi Juventud: Órbita sin Fin SSX).

Emitida entre octubre de 1982 y marzo de 1983, esta serie de 22 episodios es una continuación directa de la película La Arcadia de mi Juventud, ya reseñada en el blog, estrenada solo unos meses antes en cines japoneses. En su conjunto, la saga La Arcadia de Mi Juventud constituye una precuela de la serie original del Capitán Harlock (cuyo manga también reseñamos hace unos meses).

Leiji Matsumoto, maestro de la space opera

Nacido en 1938, Leiji Matsumoto (cuyo verdadero nombre es Akira Matsumoto) debutó profesionalmente en 1954 con Mitsubashi no Bouken. En sus primeros años de carrera se especializó en el manga para chicas, pero no tardaría mucho en conquistar otros géneros, hasta llegar, en la década de los 70, a la ciencia ficción de tipo ópera espacial, el género que le consagraría rápidamente como uno de los más grandes autores de la historia del cómic japonés.

En 1974 se estrenaba, de manera simultánea como manga y como anime, la que sería una de sus tres obras principales, la mítica Uchuu Senkan Yamato (Space Battleship Yamato). Poco después, en 1977, el maestro daría inicio a sus otras dos grandes creaciones: Ginga Tetsudo 999 (Galaxy Express 999), probablemente su serie más querida por el público japonés, y Uchuu Kaizoku Captain Harlock (Space Pirate Captain Harlock), especialmente conocida en Occidente. Además, publicaba ese mismo año también Queen Emeraldas, protagonizado por la hermosa Emeraldas, alter ego femenina de Harlock y gran amiga suya.

Con el paso de los años, sus obras han ido recibiendo múltiples adaptaciones al anime que han expandido inimaginablemente el ya conocido como "Leijiverso", en el que las diferentes series van entrelazándose narrando una gran épica de corte romántico con el vasto mar de estrellas que es el espacio como telón de fondo.

Además de las adaptaciones y spin-offs de sus propios mangas, en el campo de la animación Matsumoto también ha creado obras como la película musical Interstella 5555, con las canciones del grupo francés Daft Punk.

Además, entre las obras de Leiji Matsumoto podemos encontrar otras como 1000-nen Joou (Queen MillenniaLa Reina de los 1000 Años), Gun FrontierSubmarine Super 99Cosmo Warrior ZeroOzmaDNA Sights 999.9, entre otras muchas.

¿De qué trata?


En la serie, Harlock, Tochiro y Emeraldas se embarcan en un viaje por el infinito mar de estrellas que es el espacio para acabar con los illumidas, que dominan la Tierra, y encontrar  su propia Arcadia.

Durante el viaje conocerán a nuevos personajes que se unirán a su tripulación y con quienes establecerán lazos y les acompañarán en sus futuros viajes por el universo, como el joven Tadashi Monono o Yuki Kei.



Nuestra Opinión

No exageraríamos al decir que este es uno de los mejores animes del Leijiverso, pues probablemente es donde el espíritu poético, romántico y melancólico del capitán queda mejor plasmado. La serie tiene un ambiente espectacular que atrapa totalmente al espectador, equiparable al del manga original.

Todo ello acompañado por una banda sonora tan épica como hermosa, como es costumbre en los animes basados en la obra del maestro Matsumoto, así como una animación y apartado visual muy destacables para su época, transportándonos totalmente a la Arcadia del Capitán Harlock.

Otro gran punto a favor es que resulta terriblemente fácil encariñarse con los personajes, pues durante las aventuras que conforman la serie, uno los va conociendo más y sintiéndose parte de ellos.

Esto último se ve especialmente acentuado en el caso de Tochiro, personaje que nos era presentado en el manga original como el difunto mejor amigo del Capitán y constructor de la Arcadia y que en esta serie brilla más que nunca. La serie nos muestra un Tochiro perfectamente construido, que justifica totalmente las emociones del capitán al  recordarle en la obra original, un gran hombre que luchó por su tripulación y por su amada Emeraldas, sacrificando todo lo que tenía, hasta el mismísimo final.

En relación con ello, podemos afirmar sin amago de duda lo mejor del anime son esos últimos episodios, la recta final de la serie, de gran crudeza emocional, en los que asistimos a la anunciada muerte física de Tochiro y su fusión con su obra maestra, la Arcadia. Son unos episodios que ponen los pelos de punta por su belleza y melancolía.

Un anime excelente, gran BSO, animación, diseños, ambientación, personajes (a destacar Tochiro) y con un estilo melancólico y romántico que enamora.

Una absoluta obra maestra de la animación. Aunque, eso sí, más disfrutable conociendo previamente los acontecimientos y a los personajes de la obra original.


Nota Final: 10 [ - Imprescindible - ]

miércoles, 24 de febrero de 2016

[RESEÑA ANIME] Towa no Quon



Hola a todos y  bienvenidos un día más a La Bandera de la Libertad

Volvemos hoy a la carga con una nueva reseña, en esta ocasión de anime. Concretamente, vamos a hablar de una reciente saga de películas de acción y ciencia ficción que, sin ser la quintaesencia del género, resulta ser bastante buena e interesante. Se trata de Towa no Quon.

Towa no Quon es una saga de 6 películas de unos 48 minutos de duración estrenadas en Japón entre junio y noviembre de 2011. Producidas por el prestigioso estudio de animación Bones, el director original del proyecto fue Umanosuke Iida (director también de las OVA's de Devilman: The Birth y The Demon Bird), pero falleció meses antes de su finalización, por lo que fue sustituido por Takeshi Mori (Otaku no Video, Skull Man). Cabe destacar también que el compositor de la BSO no es otro que Kenji Kawai (especialmente reconocido por su trabajo en Ghost in the Shell, entre otros)

¿De qué trata?

La acción se situa en una versión futurista de Tokio donde una organización se dedica a atrapar seres humanos que despiertan distintos tipos de poderes en su organismo.

Estas personas, conocidas como Atractores, unirán fuerzas bajo el liderazgo de Quon, un misterioso Atractor con increíbles capacidades que luchará por salvar a toda la gente con poderes que sea capaz.


Nuestra Opinión

Towa no Quon no destaca especialmente por nada. Su desarrollo es estándar, ofreciendo acción, misterio y batallas entre seres humanos con poderes y una organización decidida a acabar con ellos. Sin embargo, y a pesar de esa fórmula tan sencilla, todo funciona a la perfección. Engancha, no decae en ningún momento y mantiene al espectador pegado a la pantalla a lo largo de sus 6 breves películas.

La animación es bastante destacable y fluida y cuenta con unos diseños y apartado artístico muy llamativos y agradables a la vista. Más concretamente, las escenas de acción y batalla son especialmente buenas (a destacar una de las mejores secuencias de transformación que hemos visto, que tiene lugar en la primera de las películas).

Los personajes son bastante típicos dentro del género, pero ello no es un elemento necesariamente negativo, pues dan buen resultado en el conjunto de la obra. Se trata de una saga de acción y misterio que, a pesar de acusar algún que otro cliché, como el del protagonista heroico con fijación por salvar a todo el mundo, funciona y resulta agradable y entretenida.

Sin duda recomendamos esta saga. Las películas son cortas, así que puede verse como una serie normal de televisión de 12 episodios. No se hace pesado en ningún momento y se puede ver en una o dos noches, como hicimos nosotros, lo cual recomendamos, pues se disfrutan incluso más viéndolas seguidas.

Una buena saga de acción que, sin ser una obra maestra, cumple más que bien su función.


Nota Final: 7'5 [ - Bueno - ]

viernes, 2 de octubre de 2015

[RESEÑA ANIME] Cowboy Bebop



Hola a todos. Hoy en nuestra reseña hablaremos de Cowboy Bebop, un anime de 1998 que desde su estreno se ha convertido en una de las series de animación japonesa más famosas y considerada una de las mejores jamás creadas, fama que no se le ha concedido en vano. A continuación analizaremos la serie como acostumbramos a hacer.

Shinichiro Watanabe, el director

El anime que reseñamos en esta ocasión está dirigido por ni más ni menos que Shinichiro Watanabe, que pasa por ser uno de los mejores y más prestigiosos directores de la historia de la animación japonesa.

Nacido en Kioto en 1965, Shinichiro Watanabe debutó como director de animación entre las filas del estudio Sunrise con las 4 OVA's Macross Plus, estrenadas entre 1994 y 1995, continuación de la clásica franquicia. 

Entre 1998 y 1999 se emitiría en televisión japonesa la serie que se convertiría en la mayor obra maestra del director, Cowboy Bebop, considerada a día de hoy una de las mejores series de animación jamás creadas a nivel mundial, combinando elementos de la ciencia ficción, el western, el cine negro y la música jazz. Además, la serie contaría con una película, Cowboy Bebop: Knockin' on Heaven's Door, estrenada en 2001.

En 2003, Watanabe participó en el proyecto de cortos animados basados en el universo de la saga cinematográfica estadounidense Matrix, Animatrix, dirigiendo Kid's Story y A Detective Story.

Su nueva serie llegaría en 2004, combinando en esta ocasión las historias de samuráis con la cultura y música hip-hop. Así, Samurai Champloo se convertiría en otro gran icono de la animación nipona.

En 2012 dirigió la adaptación animada de 11 episodios del manga de Yuki Kodama, Sakamichi no Apollon (Kids on the Slope), volviendo así a aplicar la música jazz a la animación japonesa.

Sus últimos proyectos hasta la fecha han sido la serie de 26 episodios (emitidos en dos temporadas separadas) Space Dandy, en el que supervisó la dirección general de un sinnúmero de grandes personalidades del mundo del anime, y Zankyou no Terror, de 11 episodios. Ambas obras fueron emitidas en Japón en 2014.

¿De qué trata?

La serie se sitúa en el año 2071, momento en el que la humanidad ha logrado crear unos portales con los que les es posible viajar fácilmente a otros planetas y establecerse en ellos. Por desgracia, un portal sufrió una explosión y devastó tanto la Tierra como la Luna, por lo que los humanos decidieron emigrar a distintos planetas de nuestro sistema solar, estableciendo en ellos diversas ciudades y colonias.

En este mundo donde los humanos pueden viajar por el espacio a placer, la criminalidad ha aumentado increíblemente y los encargados de atrapar a estos criminales son los cazarrecompensas conocidos entre la gente como vaqueros o cowboys.

La serie sigue las aventuras de la nave espacial Bebop, tripulada por cazarrecompensas. La serie se centra en su lucha contra diversos criminales, así como en su pasado y cómo llegaron a ser cazarrecompensas. Spike Spiegel, Faye Valentine, Jet Black, Ed y Ein serán los protagonistas de esta genial historia de ciencia ficción.

Nuestra Opinión

Cowboy Bebop se puede definir casi como la serie perfecta, siendo su fórmula un increíble cóctel que combina ciencia ficción, western, cultura del jazz... todo en su perfecta dosis para que nada desentone y logren una de las mejores ambientaciones que se pueden encontrar.

Visualmente también nos encontramos con brillantes diseños de naves, personajes (con un estilo americanizado en ocasiones que queda bastante bien en la obra) y localizaciones, además de una animación nítida y fluida de gran calidad que supera a muchas obras más actuales.

Todo además acompañado de una de las mejores bandas sonoras jamás hechas, cómo no, compuesta por la genial Yoko Kanno.

Argumentalmente es también una obra espectacular, pues no solo nos contará geniales y emocionantes historias de acción y aventura que nos mantendrán pegados a la pantalla sin darnos respiro, sino que además nos mostrará los pasados de sus personajes con un desarrollo brillante, melancólico en ocasiones, y que logra que empaticemos con los personajes de una forma que pocos animes saben lograr.

La serie tampoco aburre, pues cada episodio es autoconclusivo (salvo alguna pequeña saga de 2 o 3 episodios como mucho) y nos mostrará cómo los diversos personajes de la serie se unen a la tripulación, historias cómicas, de acción, todo muy variado para lograr un buen y dinámico desarrollo.

Pero si algo corona Cowboy Bebop como una de las mejores obras de la animación, es su historia principal, donde nos muestran el pasado y la redención por sus actos de Spike Spiegel, llevando a un clímax tan bello y espectacular que pone los pelos de punta.

No se puede describir Cowboy Bebop de otra forma que no sea "obra maestra". Una joya de la animación que nadie debería perderse.



Nota Final: 10 [ - Imprescindible - ]