sábado, 22 de agosto de 2015

[RESEÑA ANIME] Colorful



Hola a todos, hoy hablaremos en nuestra reseña de Colorful, una gran película de animación dirigida por Keiichi Hara. Una película maravillosa, emotiva, y magistral.

Estrenada en 2010 y producida por el estudio Sunrise, la película fue dirigida por Keiichi Hara, siendo hasta ahora la obra más destacable del director, quien también estuvo al frente de la serie de Shin-Chan entre 1996 y 2004, así como de algunas de sus películas. En 2007 dirigiría su primera película propia, El Verano de Coo (Kappa no Coo to Natsuyasumi), a la que seguiría la propia Colorful y, estrenada este mismo año en Japón, su última película hasta la fecha, Miss Hokusai (Sarusuberi: Miss Hokusai).

Colorful es la adaptación de la novela del mismo título publicada en 1999 por la escritora Eto Mori, que previamente recibiría una adaptación a la imagen real en el año 2000, aunque sería la presente obra de Keiichi Hara la que le valdría la fama internacional de la que goza hoy en día. La novela fue editada en España bajo el título de Flipando en Colores.

¿De qué trata?

En Colorful, nos encontramos con un espíritu desconocido, que está a punto de llegar al mas allá cuando un curioso personaje llamado Pura Pura le dice que se le ha concedido una segunda oportunidad para redimirse de sus pecados y volver a la vida.

Pura Pura le dice que su espíritu será introducido en el cuerpo de un adolescente llamado Makoto Kobayashi, que se ha suicidado por una razón desconocida. Para que nuestro protagonista pueda volver a la vida tiene que averiguar cual fue su pecado y cual fue la causa del suicidio de Makoto, cuya vida tendrá que vivir a partir de ahora.

Nuestra Opinión

Colorful es una película de la que podemos aprender muchas cosas. Por ejemplo, nos muestra el valor de la amistad de una forma que otras películas no hacen, enseñando primero a un protagonista que se ha cerrado a toda amistad por el acoso que sufría en su colegio, y finalmente mostrándonos cómo este encuentra a su primer amigo, el cual le cambia totalmente la vida.

La película también muestra el amor de la familia, que a pesar de las adversidades siempre estará allí, sin importar nada más.

Estos temas están tratados de forma sublime en el filme, presentando un mensaje optimista de y esperanza hacia el futuro, a pesar del planteamiento triste que se nos muestra en un principio.

Las escenas emotivas están acompañadas de una excelente banda sonora, y visualmente la película también es maravillosa, destacando los detallados fondos.

La película es algo larga, pero presenta un ritmo que, si bien es pausado y relajante, hace avanzar la historia sin que esta resulte tediosa en ningún momento.

Colorful es una obra espectacular, triste en ocasiones pero con lecciones positivas y optimistas que extraer de ella, visualmente maravillosa, con una banda sonora magistral, emotiva como pocas y con un final sorprendente.

Una película que sin duda os llegará al corazón.


Nota Final: 9,5 [ - Magistral - ]

viernes, 21 de agosto de 2015

[RESEÑA MANGA] Barrio Lejano



Hola a todos. Hoy en nuestra reseña hablaremos de una de las mejores obras del maestro del manga costumbrista, el inigualable Jiro Taniguchi. Hablaremos de Barrio Lejano (Haruka na Machi e).

Jiro Taniguchi, sensibilidad y costumbrismo

Jiro Taniguchi, nacido en 1947, se alza actualmente con uno de los más importantes autores de manga de corte intimista y adulto, y uno de los más reconocidos por el público occidental ajeno al mundo del cómic japonés.

Impulsado hacia el arte del manga por la corriente del gekiga a través de revistas como Garo y autores como Yoshihiro Tatsumi, Taniguchi se trasladaba a Tokio en 1969 para comenzar su trayectoria profesional, inicialmente como asistente de mangakas como Kyuta Ishikawa y Kazuo Kamimura, hasta su debut en 1972 con Kareta Heya

A lo largo de la década de los 70, Taniguchi dibujaría gran cantidad de obras a partir de las historias de otros guionistas, entre los que destaca Natsuo Sekikawa, con quien crearía, entre 1987 y 1997, la obra que constituiría el punto de inflexión más importante de su carrera: La Época de Botchan (Botchan no Jidai), en la que, inspirados por la celebérrima novela de Natsume Soseki Botchan (una de las más importantes de la literatura japonesa del siglo XX), ambos autores abocetan un delicado retrato de los últimos años de la Era Meiji (1868-1912). Esta obra le valdría a Taniguchi más de un premio, entre los que cabe señalar el Gran Premio Cultural Osamu Tezuka en 1998.

De manera simultánea a la publicación de La Época de Botchan, Taniguchi empieza a destacar con la publicación de numerosas obras de corta extensión y tono costumbrista e intimista, como El Caminante (Aruku Hito) o Tierra de Sueños (Inu o Kau). Entre ellas, sobresaldrían especialmente El Almanaque de mi Padre (Chichi no Koyomi, 1994) y Barrio Lejano (Haruka na Machi e, 1998), en las que reflexiona sobre el retorno a tiempos pasados y la reconciliación con uno mismo.

Desde entonces, Taniguchi alternaría la creación de este tipo de obras con otras de temática naturalista y aventurera, como Seton, La Cumbre de los Dioses (Kamigami no Itadaki) o Blanco (Blanca).

Especialmente admirado en Francia, Jiro Taniguchi se convertiría en uno de los principales representantes japoneses del movimiento artístico de la nouvelle manga, liderado por el historietista francés Frédéric Boilet, y que busca la combinación de las formas artísticas y narrativas propias del manga y la bande desinée (cómic franco-belga).

¿De qué trata?

En Barrio Lejano conoceremos a Hiroshi Nakahara, un hombre de negocios que al tomar un tren equivocado, vuelve sin quererlo a su pueblo natal.

Aprovechando este despiste, se acerca al cementerio para presentarle sus respetos a la tumba de su difunta madre, fallecida a la misma edad que tiene él en esos momentos. Al hacer esto, sufre un desmayo y al despertar descubre, para su sorpresa, que vuelve a tener el aspecto de un niño de 14 años, y no solo eso, sino que de hecho ha regresado al pasado, pero manteniendo la mentalidad y recuerdos de su adultez.

Desde ese momento, Hiroshi empezará a vivir de nuevo su adolescencia cambiando ciertas acciones del pasado, viéndolo todo desde un nuevo punto de vista y comprendiendo mejor a las personas de su alrededor.

Sin embargo, nuestro protagonista pronto se dará cuenta de que faltan pocos meses para una fecha que le marcó para siempre... el día en el que su padre les abandonó a él, su hermana y su madre. Hiroshi hará lo posible por averiguar las razones que llevaron a su padre a dejar a su familia e intentará evitarlo por todos los medios.

Nuestra Opinión

Barrio Lejano es una historia muy emotiva, que nos muestra con la maestría de uno de los mejores autores de manga que nos podemos encontrar, la posibilidad de enmendar nuestros errores y actos del pasado, de comprender a la gente viendo las cosas desde otro punto de vista, que nos muestra el dolor por la pérdida y cómo afrontarlo, todo con un ritmo pausado y relajante, muy propio del costumbrismo de Taniguchi.

El uso del realismo mágico en la obra es brillante, y, si bien es cierto que no deja identificarse del todo con la situación planteada, sí que es un toque atractivo que puede incitar más a su lectura.

Otro punto a tener en cuenta es la exactitud con la que muestra la vida y el japón de los años 60, siendo muy fiel a la forma de vida de aquella época.

Barrio lejano es una obra sentimental, emotiva, dramática, ligera, pausada y relajante, de la cual se puede extraer alguna que otra enseñanza. Una de las mejores obras de un maestro. Una joya indispensable.


Nota Final: 9,5 [ - Magistral - ]

jueves, 20 de agosto de 2015

[RESEÑA MANGA] Confession (Kokuhaku)



Hola a todos, bienvenidos a nuestra nueva reseña. Hoy hablaremos de un manga breve pero intenso., un thriller adictivo que no os dejará apartar los ojos de las páginas desde su comienzo hasta su sorprendente clímax. Se trata de Confession.

Publicado en 1999 en la extinta revista seinen Young Magazine Uppers de la editorial Kodansha, Confession (Kokuhaku) cuenta con el guión de Nobuyuki Fukumoto (conocido por la saga Kaiji) acompañado por el dibujo de Kaiji Kawaguchi (Eagle, Zipang...).

¿De qué trata?

En Confessions conoceremos a dos alpinistas, Asai e Ishikura, los cuales, en una excursión de montañismo se han separado del grupo durante una ventisca. Ishikura se ha lesionado y parece que no sobrevivirá hasta que alguien los encuentre, por lo que le confiesa a Asai un crimen que cometió en el pasado para morir en paz libre de esa carga.

Sin embargo, ambos encuentran un refugio cerca y consiguen sobrevivir, pero Ishikura está herido y su pierna ha empezado a gangrenarse. Asai decide llamar a los servicios de emergencia, quienes les rescatarán en cuanto pase la ventisca.

Pero Asai empieza a notar extraño a su compañero, cuya conducta empieza a ser distante y extraña, lo cual le llevará a pensar que ahora que han sobrevivido y conoce su crimen, está planeando matarle para que no le delate. Esto hará que Asai se vuelva cada vez más paranoico hacia su compañero. Una batalla entre dos mentes y dos personas que desean sobrevivir comenzará en el pequeño refugio donde se encuentran.

Nuestra Opinión

Confessions es un thriller corto, pero mantiene en tensión de una forma que pocas obras del género son capaces de lograr, siendo imposible dejar de leer una vez has empezado. El desarrollo es rápido pero brillante, mostrando de forma detallada las paranoias de Asai y desarrollándose todo desde su punto de vista, de forma que casi podemos sentirnos como si nosotros fuéramos los amenazados por Ishikura.

Los últimos capítulos son frenéticos, mostrándonos una emocionante "batalla final" entre ambos personajes, desarrollada perfectamente a pesar de su corta duración y que sin duda puede mantener en vilo a mas de uno.

El final es sin embargo precipitado y poco creíble, siendo el mayor defecto de este manga. Es en cierto modo como si se hubiera hecho a toda prisa, y en cierto modo rompe un poco la "magia" que este ha creado a lo largo de su desarrollo.

En resumen: un thriller frenético, adictivo, intenso que te mantendrá en tensión constante hasta el final, un final que parece hecho a toda prisa pero que no anula el gran desarrollo.



Nota Final: 8 [ - Muy Bueno - ]

miércoles, 19 de agosto de 2015

[RESEÑA MANGA] Touch (Bateadores)



Hola a todos y bienvenidos a una nueva reseña. Hoy hablaremos de la mejor obra de uno de los más exitosos y queridos mangakas, Mitsuru Adachi, el maestro de la comedia romántica deportiva. Una historia divertida y frenética sin desperdicio: Touch (también conocida como Bateadores)

Mitsuru Adachi, comedia romántica deportiva

Mitsuru Adachi, nacido en 1951, se alza a día de hoy como uno de los mejores mangakas de Japón, así como uno de los más exitosos y queridos por los lectores desde hace décadas.

Adachi debutaba profesionalmente en el año 1970 con la obra Kieta Bakuon, basado en el manga original de Satoru Ozawa., y publicada en la Deluxe Shonen Sunday de la editorial Shogakukan, para la que continuaría dibujando a lo largo de toda su carrera. 

Desde aquel momento, el autor continuaría dibujando ininterrumpidamente, pero no sería hasta 1980 cuando crearía su primer gran éxito, Hiatari Ryoko! (conocido en España como Alegre Juventud), que marcaría el inicio de una carrera llena de grandes éxitos. El mismo año dibujó también Miyuki, y sería en 1981 cuando comenzaría la publicación de Touch (Bateadores), la que sin duda se convertiría en su obra más importante y cuya adaptación animada le lanzaría al estrellato más allá de las fronteras niponas al llegar a Occidente.
La obra de Mitsuru Adachi se caracteriza por las historias románticas protagonizadas por adolescentes y en las que el deporte toma un papel central como eje de la trama, aunque sin llegar a ser en ningún momento más importante que la relación entre los personajes. Así, Adachi se alzó como el gran maestro de la comedia romántica deportiva, con un estilo de dibujo de trazos sencillos y suaves, casi minimalista, que puede recordar a la más conocida en Occidente Rumiko Takahashi, la otra reina de la comedia romántica.

Entre sus obras, podemos encontrar también otras como H2, Cross Game, Mix, Q&A, Rough, Katsu!, entre otras muchas. Cabe señalar además que gran parte de sus creaciones han recibido adaptaciones animadas de arrollador éxito, que han servido para extender su popularidad más allá de Japón.

¿De qué trata?

En Touch conocemos a los hermanos Uesugi: Tatsuya y Kazuya, cuyas diferencias de personalidad son bastante obvias a pesar de ser gemelos. Mientras Kazuya es buen estudiante, tiene éxito con las chicas, es buen deportista, la estrella del equipo de béisbol del instituto y tiene talento para hacer lo que sea, Tatsuya es vago, malo en los estudios, no tiene interés en el deporte y las chicas no se le acercan, a excepción de Minami, una amiga de la infancia de ambos con la que han crecido hasta hacerse inseparables.

En el instituto Meisei todos piensan que Minami y Kazuya son la pareja perfecta: ambos son guapos y populares, mientras que todos desprecian a Tatsuya o le ignoran. Sin embargo, Minami parece tener mas interés en Tatsuya. Esto ocasiona una rivalidad entre ambos gemelos, quienes lucharán por conseguir el amor de su amiga.

Así, las vidas de los tres adolescentes seguirá su curso normal hasta verse violentamente sacudida por una gran tragedia que les marcará en su camino hacia la madurez y hacia el Koshien, el torneo nacional de béisbol de instituto.

Nuestra Opinión

Touch es una obra rápida y divertida. Los capítulos tienen poco diálogo, como es costumbre en Adachi, lo cual permite leerla sin que se haga pesada, pero con una trama que engancha desde el principio, personajes carismáticos y divertidos, comparables en ocasiones a algunos de la gran Rumiko Takahashi y sobre todo escenas románticas y malentendidos de lo mas interesantes.

Además, los partidos de béisbol son abundantes y frenéticos, con una acción rápida que, si bien puede ser complicada de seguir, especialmente si se desconoce el deporte, añade emoción a la trama haciendo que sea muy adictiva.

En resumen, una comedia romántica como pocas se han hecho, con personajes interesantes, algo de emoción a través del deporte que añade agilidad a la obra, y diálogos escasos que hacen la lectura mas fluida sin afectar a su comprensión.


Nota Final: 9,5 [ - Magistral - ]


martes, 18 de agosto de 2015

[RESEÑA MANGA] Maison Ikkoku



Hola a todos. Hoy en nuestra reseña vamos a hablar de la obra magna de una de las mejores y más importantes autoras de la historia del manga. Una comedia romántica inigualable: Maison Ikkoku de Rumiko Takahashi.

Publicada entre 1980 y 1987, podemos afirmar sin temor a equivocarnos que en Maison Ikkoku encontramos la mejor obra de Rumiko Takahashi, lo cual no es decir poco cuando se trata de una autora de su talla, y, por tanto, una de las mayores obras maestras del género de la comedia romántica.

Rumiko Takahashi, artesana del manga

La pequeña gran Rumiko, pequeña de estatura pero inmensamente grande como autora, nacida en 1957, se constituye hoy en día como una de las más importantes creadoras de manga de la historia del cómic japonés.

Takahashi comenzaría su trayectoria profesional al ingresar en la escuela de dibujo dirigida por ni más ni menos que Kazuo Koike, el autor de grandes clásicos como El Lobo Solitario y su Cachorro. En 1978, Rumiko Takahashi comienza la publicación de su primera serie de largo recorrido, Urusei Yatsura (también conocida como Lamu), que finalizaría en 1987 con un total de 34 tomos recopilatorios y un éxito arrollador a sus espaldas.

Entre 1980 y 1987, de forma paralela a Urusei Yatsura, la imparable autora comenzaría la que se convertiría en su obra magna, la mayor de sus obras maestras, Maison Ikkoku, una nueva comedia romántica, pero esta vez dirigida al público maduro.

Asimismo, entre el 84 y el 87 publicaría su obra más "oscura" hasta la fecha, Ningyo Saga (Mermaid Saga).

En 1987 comenzaría a dibujar la serie que la lanzaría al estrellato a nivel mundial, Ranma 1/2, que finalizaría en 1996 con un total de 38 tomos. 

Aquel mismo año se iniciaría también la publicación de One Pound Gospel (Ichi Pound no Fukuin), su segunda comedia romántica pensada para lectores adultos, cuya publicación se vería dilatada por diversas circunstancias hasta su conclusión en 2006, a pesar de su brevedad (4 tomos recopilatorios).

Una vez finalizado Ranma 1/2, la incombustible Rumiko comenzó su manga más largo hasta la fecha, InuYasha, la obra con la que la autora se pasaba a las historias de acción y aventuras, pero sin abandonar en ningún momento su tan característica comedia romántica. Finalizado en 2008, contó con 56 tomos.

En 2009 comenzaría Kyoukai no Rinne, con la que continúa cosechando éxito a día de hoy.

Todo ello combinado con la publicación espontánea de numerosas historias cortas de diversos géneros, agrupadas en diversos tomos únicos, como La Tragedia de P o 1 or W.

Gracias al éxito y la gran calidad de sus obras manga, acompañadas en casi todas las ocasiones por adaptaciones animadas, Rumiko Takahashi se alzó como uno de los grandes iconos del mundo del cómic, toda una artesana del manga.

¿De qué trata?

Yusaku Godai es un estudiante que vive en la pensión Ikkoku, donde intenta sacar adelante su carrera sin demasiado éxito, mientras lidia cada día con los inquilinos, que no paran de hacerle la vida imposible con sus bromas y travesuras.

Un día, una nueva encargada llega para ocuparse de la pensión, Kyoko Otonashi, una bella mujer de la cual Godai se enamora a primera vista. Godai hará todo lo posible por conquistar el corazón de Kyoko, pero se complicarán las cosas cuando descubra que ella es viuda, y, además de no haber olvidado aún a su difunto marido, ha tomado la decisión de no volver a casarse por respeto hacia él.

Por si esto fuera poco, los vecinos de Godai no pararán de hacerle la vida imposible, ocasionando divertidas situaciones y malentendidos.

Nuestra Opinión

Maison Ikkoku es uno de esos mangas que llegan tanto al corazón del lector que logran hacer que se sienta parte del elenco de personajes. Todos son tan carismáticos y entrañables que es imposible no tenerles cariño a cada uno de ellos. Esto incluso pasa con personajes muy secundarios, o con personajes que se supone que son negativos, es imposible no encariñarse con ninguno, ya que  la autora sabe desarrollarlos y caracterizarlos para que sean inolvidables.

Las situaciones cómicas son numerosas y de lo mas divertidas. Prácticamente cada capítulo del manga termina de forma desternillante y hace que resulte adictivo y  rápido de leer. En ningún momento aburre y Takahashi sabe muy bien como dosificar ese humor para que no resulte pesado.

El manga también tiene momentos románticos y dramáticos, escenas de gran intensidad y con una gran sensibilidad artística que logran que el lector se introduzca incluso más en la historia. Además, el romance es muy realista, pues se desarrolla lentamente a lo largo de toda la historia y, como uno real, tiene sus altibajos. Y al ser los personajes adultos, no nos encontramos ante un romance adolescente que pueda pecar de surrealista o empalagoso, sino que es totalmente maduro y adulto.

En resumen, la mejor obra de una gran autora, un romance realista, con momentos intensos y una comedia de lo mejor que se puede encontrar en manga, estando ambos elementos perfectamente cohesionados. Sus personajes te enmorarán sin duda. Sin duda una joya maravillosa.


Nota Final: 10 [ - Imprescindible - ]

lunes, 17 de agosto de 2015

[RESEÑA ANIME] Capitán Harlock (2013)



Hola a todos, hoy vamos a reseñar una película espectacular, una excelente revisión de los personajes creados por el genial Leiji Matsumoto, con un estilo mas moderno, oscuro, y visualmente brillante. Se trata de Uchuu Kaizoku Captain Harlock (conocida en España como Capitán Harlock, El Futuro ya es Pasado).

Estrenada en 2013 y dirigida por Shinji Aramaki (Appleseed), la película reinterpreta con espectacular animación 3D CGI el legendario manga de Leiji Matsumotoya reseñado en nuestro blog.

Leiji Matsumoto, autor original

Nacido en 1938, Leiji Matsumoto (cuyo verdadero nombre es Akira Matsumoto) debutó profesionalmente en 1954 con Mitsubashi no Bouken. En sus primeros años de carrera se especializó en el manga para chicas, pero no tardaría mucho en conquistar otros géneros, hasta llegar, en la década de los 70, a la ciencia ficción de tipo ópera espacial, el género que le consagraría rápidamente como uno de los más grandes autores de la historia del cómic japonés.

En 1974 se estrenaba, de manera simultánea como manga y como anime, la que sería una de sus tres obras principales, la mítica Uchuu Senkan Yamato (Space Battleship Yamato). Poco después, en 1977, el maestro daría inicio a sus otras dos grandes creaciones: Ginga Tetsudo 999 (Galaxy Express 999), probablemente su serie más querida por el público japonés, y Uchuu Kaizoku Captain Harlock (Space Pirate Captain Harlock), especialmente conocida en Occidente. Además, publicaba ese mismo año también Queen Emeraldas, protagonizado por la hermosa Emeraldas, alter ego femenina de Harlock y gran amiga suya.

Con el paso de los años, sus obras han ido recibiendo múltiples adaptaciones al anime que han expandido inimaginablemente el ya conocido como "Leijiverso", en el que las diferentes series van entrelazándose narrando una gran épica de corte romántico con el vasto mar de estrellas que es el espacio como telón de fondo.

Además de las adaptaciones y spin-offs de sus propios mangas, en el campo de la animación Matsumoto también ha creado obras como la película musical Interstella 5555, con las canciones del grupo francés Daft Punk.

Además, entre las obras de Leiji Matsumoto podemos encontrar otras como 1000-nen Joou (Queen MillenniaLa Princesa de los 1000 Años), Gun FrontierSubmarine Super 99Cosmo Warrior ZeroOzmaDNA Sights 999.9, entre otras muchas.

¿De qué trata?

La película se centra en un futuro lejano, en el cual los seres humanos conquistaron el espacio y crearon colonias en otros planetas, dejando con el tiempo abandonado el planeta Tierra.

Cuando los humanos habitantes de las colonias espaciales se reprodujeron y quisieron volver al planeta que dio origen a la humanidad, se destaó una guerra para volver a establecerse en ella, pues los recursos del planeta eran insuficientes para tantos humanos.

Finalmente, para terminar con esa horrible guerra, la Coalición de Gaia prohibió a ningún ser humano habitarla, declarando el planeta desde aquel momento sería un santuario y castigando a cualquier persona que pretendiera regresar, por lo que la Tierra quedó deshabitada.

Sin embargo, una única persona se atrevió a desafiar a la Coalición, un criminal que vaga por el espacio en su nave, la Arcadia, del se dice que tiene mas de 100 años, el capitán inmortal, Harlock.

Nuestra Opinión

Lo que más destaca en un principio de la película es el apartado visual, con un CGI detallado y realista que crea unos personajes que casi parecen tener vida propia, de una forma que pocas películas de animación 3D logran hoy en día. Unos efectos especiales magníficos, especialmente en batallas y escenas del espacio, dando lugar a una maravillosa ambientación que hace que te sientas dentro de la película. Todo ello, además, acompañado de una brillante banda sonora.

La historia difiere totalmente de la creada por Leiji Matsumoto, siendo la de la película menos poética, filosófica y romántica para crear un argumento más dinámico y oscuro. Ya no tenemos a un capitán que busca la libertad y reflexiona sobre el honor, sino a un hombre arrepentido, taciturno, oscuro y que en ocasiones es relegado a un segundo plano para dar mas protagonismo a Yama, el otro personaje principal y quien provocará grandes cambios en la Arcadia.


Estos cambios no son necesariamente negativos, sino que dan lugar a una experiencia cinematográfica única, siempre y cuando se disfrute como lo que es, una versión alternativa y adaptada a la época actual de un gran clásico del manga.

En resumen, un espectáculo visual, con personajes realistas, diseños magníficos y una banda sonora perfecta. Frenética, atrapante, oscura... una gran película y una estupenda versión, a pesar de los cambios, de los personajes creados por el gran Leiji Matsumoto.



Nota Final: 9 [ - Magistral - ]

domingo, 16 de agosto de 2015

[RESEÑA MANGA] Capitán Harlok, el Pirata Espacial



Buenas a todos. Hoy en nuestro blog vamos a reseñar una obra del genial Leiji Matsumoto, el genio y maestro del género de la space opera. Una obra que por su genialidad ha inspirado la temática de nuestro blog -y nuestra amistad, todo sea dicho-, se trata de Uchuu Kaizoku Captain Harlock (Capitán Harlock, el Pirata Espacial), una obra maestra del manga.

Leiji Matsumoto, grande entre grandes

Nacido en 1938, Leiji Matsumoto (cuyo verdadero nombre es Akira Matsumoto) debutó profesionalmente en 1954 con Mitsubashi no Bouken. En sus primeros años de carrera se especializó en el manga para chicas, pero no tardaría mucho en conquistar otros géneros, hasta llegar, en la década de los 70, a la ciencia ficción de tipo ópera espacial, el género que le consagraría rápidamente como uno de los más grandes autores de la historia del cómic japonés.

En 1974 se estrenaba, de manera simultánea como manga y como anime, la que sería una de sus tres obras principales, la mítica Uchuu Senkan Yamato (Space Battleship Yamato). Poco después, en 1977, el maestro daría inicio a sus otras dos grandes creaciones: Ginga Tetsudo 999 (Galaxy Express 999), probablemente su serie más querida por el público japonés, y Uchuu Kaizoku Captain Harlock (Space Pirate Captain Harlock), especialmente conocida en Occidente. Además, publicaba ese mismo año también Queen Emeraldas, protagonizado por la hermosa Emeraldas, alter ego femenina de Harlock y gran amiga suya.

Con el paso de los años, sus obras han ido recibiendo múltiples adaptaciones al anime que han expandido inimaginablemente el ya conocido como "Leijiverso", en el que las diferentes series van entrelazándose narrando una gran épica de corte romántico con el vasto mar de estrellas que es el espacio como telón de fondo.

Además de las adaptaciones y spin-offs de sus propios mangas, en el campo de la animación Matsumoto también ha creado obras como la película musical Interstella 5555, con las canciones del grupo francés Daft Punk.

Además, entre las obras de Leiji Matsumoto podemos encontrar otras como 1000-nen Joou (Queen Millennia, La Princesa de los 1000 Años), Gun Frontier, Submarine Super 99, Cosmo Warrior Zero, Ozma, DNA Sights 999.9, entre otras muchas.

¿De qué trata?

El manga nos sitúa en un futuro lejano, en el siglo XXX, momento en el que la humanidad ha alcanzado las estrellas. De repente, una enorme esfera negra colisiona contra la Tierra, despertando el interés y alertando a los científicos de todo el mundo. A pesar de esto, los políticos deciden ignorar lo sucedido y continuar con sus vidas de forma apacible, lo cual se ha convertido en un defecto de la raza humana en los últimos años: la pasividad y la indiferencia.

Tadashi Daiba, cuyo padre, un científico que estaba investigando la esfera negra, es asesinado por una hermosa mujer cuyo cuerpo arde como el papel, recibe la invitación del Capitán Harlock, un pirata espacial proscrito en la Tierra que vaga por el espacio buscando la libertad, de unirse a su nave, la Arcadia.

Tadashi, tras comprobar la pasividad de los políticos terrestres, decide abandonar su planeta y unirse a la Arcadia, donde viajará junto al capitán y su tripulación para detener a la amenaza que se cierne sobre el planeta y donde aprenderá valores como la libertad, la amistad, el compañerismo...

Nuestra Opinión

La obra brinda un ambiente romántico maravilloso, presentando al personaje del Capitán como un proscrito, marginado en la Tierra, que busca la libertad fuera de ella, rompiendo todas las leyes terrestres establecidas, dejándonos entrever su melancólico pasado, marcado por la pérdida de alguien que fue muy importante para él. Matsumoto nos muestra con su obra un gran talento para el romanticismo y una narrativa maravillosa que atrapa con cada página.

Además, el manga presenta un gran contenido filosófico, tratando temas como la libertad, el honor, la pérdida...e incluso el origen y el sentido de la misma humanidad. Con esta narrativa, temática y trasfondo, no tememos equivocarnos al decir que estamos ante una obra que, si bien puede parecer breve al tener solo 5 tomos, tiene unas dimensiones universales que pocas obras pueden alcanzar.

La obra, lo cual puede disgustar a algunos, concluye con un final abierto, en un punto crucial del conflicto entre Harlock y las Mazon (las mujeres que arden como el papel), sin embargo, esto no quiere decir que el manga haya quedado incompleto, sino que deja el final a la imaginación del lector, algo que combina a la perfección con el misticismo de la obra.

Finalmente, el dibujo, de gran elegancia y típico del gran Leiji Matsumoto, con personajes estilizados, escenas del espacio bellísimas, grandes diseños de armamento y naves...sencillamente, un regalo para la vista.

En resumen, una obra maestra del manga, una de las mejores space operas jamás creadas, una obra oscura, mística, romántica, filosófica...pocos mangas alcanzan la perfección de Capitán Harlock. Una joya.


Nota Final: 10 [ - Imprescindible - ]

sábado, 15 de agosto de 2015

[RESEÑA ANIME] El Perro Tibetano (Tibet Inu Monogatari)



Hola a todos, bienvenidos a nuestra nueva reseña. Hoy hablaremos de una película entrañable, agradable, relajante, divertida y perfecta para toda la familia. Se trata de Tibet Inu Monogatari (El Perro Tibetano).

Sobre la película

En esta ocasión comenzaremos la reseña comentando algunos datos sobre la película que nos ocupa, ya que puede resultar un tanto desconcertante para algunos.

Tibet Inu Monogatari, también conocida por su título en inglés The Tibetan Dog, es la primera película animada co-producida entre Japón y China, a través del estudio nipón MADHOUSE y los chinos China Film Group Corporation y Ciwen Pictures. Estrenada en 2011 en ambos países y basada en la novela china del mismo título escrita por Zhi Jun Yang, la práctica totalidad del staff creador del filme es japonés, aunque fue doblada originalmente en mandarín.

Dirigida por Masayuki Kojima, conocido por DNA Sights 999.9, Monster, Master Keaton o Piano no Mori, la película cuenta además con los diseños de personajes del mismísimo Naoki Urasawa (Monster, 20th Century Boys, Pluto...).

¿De qué trata?

En la película conocemos la historia de Tenzin, un niño que tras perder a su madre viaja al Tíbet para vivir con su padre, un médico muy respetado pero que lo trata de forma muy distante. En el Tíbet tendrá que aprender a vivir como sus habitantes y a encajar entre ellos, lo cual le costará bastante y provocará que algunas personas, especialmente los niños, le traten con bastante crueldad.

Un día, tras una pelea entre la manada de mastines tibetanos y un nuevo perro aparecido en las llanuras, observa cómo este y una hembra caen por un precipicio. Tenzin llevará a ambos a su padre para que les salve la vida y acabará haciéndose amigo inseparable del perro de brillante pelo dorado.

Sin embargo, una bestia empezará a acabar con animales y personas de la zona, lo cual llevará a los habitantes de la tribu a pensar que ha sido culpa del perro de Tenzin, quien tendrá que salvarle de la gente que desconfía de él y probar su inocencia.

Nuestra Opinión

La película destaca especialmente por su apartado visual, con unos entornos preciosos, de gran belleza que muestran los paisajes del Tíbet donde se desarrolla la historia. Ello se ve complementado, además, con los geniales diseños de personajes, de mano del genial autor Naoki Urasawa.

La historia se desarrolla lentamente al principio, siendo la primera mitad una presentación de los personajes y una muestra de los escenarios y la vida en el Tíbet.

La verdadera acción comienza a la mitad, y nos presenta una historia entrañable de amistad digna de las mejores películas de Disney de nuestra infancia, con un final algo triste pero optimista, lo cual hace que la película sea perfecta para disfrutar en familia o con niños pequeños.

En resumen, una película infantil agradable, divertida, entrañable, visualmente una delicia... perfecta para todas las edades. Muy recomendable para ver con niños.


Nota Final: 8,5 [ - Muy Bueno - ]

viernes, 14 de agosto de 2015

[RESEÑA ANIME] Tenshi no Tamago



¡Un saludo y bienvenidos a La Bandera de la Libertad!

En la reseña de hoy vamos a hablar de una curiosa y no muy conocida OVA obra de uno de los grandes directores de animación japoneses, Mamoru Oshii. Se trata de Tenshi no Tamago (El Huevo del Ángel), una película compleja pero de gran belleza visual, .

Estrenada en 1985, Tenshi no Tamago sería la segunda OVA en cuya dirección se embarcaría el por entonces principiante Mamoru Oshii. Consagrado hoy como uno de los más grandes nombres del mundo del anime, el nombre de su director debería ser reclamo suficiente para la visualización de esta OVA. Pero por si fuera poco, además cuenta con un aliciente adicional, como es el apartado artístico, diseñado por el no menos grande Yoshitaka Amano, prestigioso ilustrador y diseñador de personajes y escenarios (Vampire Hunter D, Arslan Senki, Final Fantasy, etc.).

Mamoru Oshii, el director

Mamoru Oshii, nacido en 1951, es a día de hoy uno de los directores de animación japoneses más importantes y conocidos en el mundo entero. Su estilo caracterizado por las historias de ciencia ficción con gran carga filosófica y simbólica, no tan alejados de la mentalidad occidental, le han convertido en todo un icono del anime.

En 1980 comenzaba su carrera profesional al ingresar en Studio Pierrot, donde haría sus primeros trabajos como director, destacando parte de la serie de televisión de Urusei Yatsura (manga de Rumiko Takahashi) y sus dos primeros filmes, Only You y Beautiful Dreamer. Más tarde, en 1983, Oshii sería elegido por el estudio para dirigir un importante proyecto, que sería el debut de toda una nueva forma de distribución de producciones animadas: el lanzamiento directamente en formato doméstico. Así, Dallos, de 4 episodios de media hora de duración, se convertiría en la primera OVA de la historia. Poco después dirigiría una nueva OVA, Tenshi no Tamago (El Huevo del Ángel), en la que ya manifiesta su característica carga simbólica y filosófica en una obra de arte animada de difícil comprensión, contando con los diseños de Yoshitaka Amano (ilustrador de Final FantasyVampire Hunter D...).

A partir de entonces, Oshii comenzaría a dirigir las grandes obras que le valdrían la consideración de la que goza hoy, como la franquicia Mobile Police PatlaborSky Crawlers o, las más significativas, Ghost in the Shell Ghost in the Shell 2: Innocence.

¿De qué trata?

En Tenshi no Tamago se nos presenta una niña sin nombre, la única habitante de un mundo oscuro y postapocalíptico. Esta niña pasa su vida recogiendo botellas de agua y cuidando de un misterioso huevo cuyo contenido desconoce.

Un día encuentra a un hombre, cuyo nombre nunca es revelado, que empieza a seguirla y a preguntarse por el contenido de este misterioso huevo que porta nuestra protagonista.

Nuestra Opinión

Tenshi no Tamago es puro arte visual, dejando de lado totalmente la historia para mostrarnos un mundo oscuro y postapocalípitico creado con el fin de resultar bello a la vez que desconcertante, mostrándonos planos de increíble belleza y sensibilidad artística, además de complicados simbolismos.

La película es compleja, la historia se presenta de forma muy difusa, sin revelarnos en ningún momento verdadera información, ya que los diálogos son escasos, y la película se limita a mostrarnos a sus personajes y el oscuro y desconcertante mundo que estos habitan.

El argumento resulta prácticamente incomprensible, además, y es muy difícil hacerse una idea del auténtico significado del simbolismo presente a lo largo de todo el filme, lo cual puede llevar a pensar que realmente no presenta ningún significado y que la única intención de Oshii fue crear belleza y transmitirla de la misma forma que lo haría un cuadro en movimiento. A pesar de esto, la película a dado lugar a numerosas teorías sobre su verdadero trasfondo y significado.

A pesar de que la historia dificil de entender, como ya hemos dicho, visualmente es un espectáculo maravilloso y solo por disfrutar de cada plano de esta película valdrá la pena verla.

En resumen, una película incomprensible y compleja con una historia difusa, pero que visualmente es una delicia que encantará a todos los fans de la animación. Una belleza  que hay que disfrutar. Arte en estado puro.


Nota Final: 8 [ - Muy Buena - ]

jueves, 13 de agosto de 2015

[RESEÑA ANIME] Perfect Blue



Hola a todos, hoy en nuestra reseña hablaremos de una de las mejores películas de la historia del anime, un thriller psicológico espectacular dirigido por el gran Satoshi Kon. Se trata de Perfect Blue.

Estrenada en 1998 y producida por el estudio MADHOUSE, Perfect Blue constituyó el debut profesional de Kon como director de animación, convirtiéndose casi instantáneamente en todo un clásico moderno del anime y en un gran referente del género thriller en el cine.

Satoshi Kon, genio de la animación

Satoshi Kon, nacido en 1963, logró consagrarse rápidamente como uno de los más talentosos directores de animación de la historia a pesar de corta carrera, truncada por su prematuro fallecimiento. 

Kon comenzaría su trayectoria profesional en el mundo del manga, como asistente de otro gran autor, Katsuhiro Otomo (Akira), cuya influencia sería claramente visible en el estilo gráfico de Kon. Entre sus primeros trabajos como mangaka encontramos World Apartment Horror, con guión del mismo OtomoRegreso al Mar (Kaikisen) u Opus

En 1998, Satoshi Kon se lanzó al mundo de la animación con su ópera prima, Perfect Blue, convertida instantáneamente en un clásico moderno y considerada a día de hoy uno de los mejores thrillers, no solo del cine de animación, sino de la historia del cine.

Continuaría cosechando éxitos en 2001 con Millenium Actress, a la que seguirían Tokyo Godfathers en 2003 y Paprika en 2006, su último filme finalizado. En 2004 dirigió su única serie de televisión, Paranoia Agent, en la que vertió todos los retazos de ideas a partir de los cuales no se podía desarrollar un largometraje.

En 2010 le fue diagnosticado un cáncer terminal. Kon decidió retirarse y pasar sus últimos meses de vida con su familia, hasta su fallecimiento en agosto del mismo año, a la edad de 46 años. Dejaba así inacabada su nueva película, The Dreaming Machine (aún a la espera de ser retomada y finalizada por el estudio MADHOUSE), y quién sabe cuántas obras maestras aún sin salir de su genial mente.

A pesar de su prematura muerte, Satoshi Kon ofreció al mundo obras de inigualable calidad, un legado no muy abundante pero de grandísimo valor.

¿De qué trata?

Mima Kirigoe es una integrante del exitoso grupo idol adolescente CHAM, y que tras un último concierto, decide dejar el grupo para perseguir su sueño de convertirse en actriz. A pesar de recibir el apoyo de sus fans y de su manager, la carrera de Mima como actriz no acaba de despegar. Además, pronto empezará a recibir extrañas cartas de un acosador amenazándola, y descubrirá una página web escrita a modo de diario que parece seguir todos sus movimientos día a día.

Poco a poco, Mima comienza volverse mas paranoica y a sentirse perseguida, y empieza a no ser capaz de distinguir qué es real y qué ficticio...

Nuestra Opinión

Perfect Blue es uno de los mejores thriller de la historia del anime y del cine en general, con una ambientación magistral, agobiante y opresiva, además de una increíble capacidad para hacer que el propio espectador se identifique con Mima, haciendo que no sepa cuándo la escena que está viendo se trata de un rodaje, una pesadilla o de la más terrible y cruda realidad.
Kon realiza en esta película el thriller que le definiría como director y como maestro del género psicológico, creando una maravilla audiovisual como pocas se han hecho en la historia del anime, capaz de cautivar al espectador en sus 80 minutos de metraje. Con escenas sobrecogedoras y escalofriantes, es probable que la ópera prima de Satoshi Kon pueda considerarse como el mejor thriller de la historia del anime.

En resumen, una película cautivadora, escalofriante, con un desarrollo sublime, una ambientación magistral, y unas escenas que hielan la sangre. El thriller psicológico por excelencia.

Nota Final: 10 [ - Imprescindible - ]