[RESEÑA ANIME] Ghost in the Shell

Hola a todos. Hoy en nuestra reseña hablaremos de una obra maestra de la animación mundial y una de las películas más importantes de la historia del anime, la increíble Ghost in the Shell (Koukaku Kidoutai) de Mamoru Oshii.

Estrenada en 1995 y basada en el manga del mismo título publicado por Masamune Shirow entre 1989 y 1991, Ghost in the Shell supondría la consagración definitiva de Mamoru Oshii como director de animación. La película se convertiría inmediatamente en un clásico reciente de la animación y pasaría a formar parte del selecto grupo de obras que han servido para defender la animación como medio para contar historias adultas, y no solo para niños, como tradicionalmente se ha pensado en Occidente, junto con otras películas como Akira (Katsuhiro Otomo, 1988) o Perfect Blue (Satoshi Kon, 1998).

Mamoru Oshii, el director

Mamoru Oshii, nacido en 1951, es a día de hoy uno de los directores de animación japoneses más importantes y conocidos en el mundo entero. Su estilo caracterizado por las historias de ciencia ficción con gran carga filosófica y simbólica, no tan alejados de la mentalidad occidental, le han convertido en todo un icono del anime.

En 1980 comenzaba su carrera profesional al ingresar en Studio Pierrot, donde haría sus primeros trabajos como director, destacando parte de la serie de televisión de Urusei Yatsura (manga de Rumiko Takahashi) y sus dos primeros filmes, Only You y Beautiful Dreamer. Más tarde, en 1983, Oshii sería elegido por el estudio para dirigir un importante proyecto, que sería el debut de toda una nueva forma de distribución de producciones animadas: el lanzamiento directamente en formato doméstico. Así, Dallos, de 4 episodios de media hora de duración, se convertiría en la primera OVA de la historia. Poco después dirigiría una nueva OVA, Tenshi no Tamago (El Huevo del Ángel), en la que ya manifiesta su característica carga simbólica y filosófica en una obra de arte animada de difícil comprensión, contando con los diseños de Yoshitaka Amano (ilustrador de Final Fantasy, Vampire Hunter D...).

A partir de entonces, Oshii comenzaría a dirigir las grandes obras que le valdrían la consideración de la que goza hoy, como la franquicia Mobile Police Patlabor, Sky Crawlers o, las más significativas, Ghost in the Shell y Ghost in the Shell 2: Innocence.

Sobre la franquicia GITS

A raíz del arrollador éxito de la película, acabaría naciendo toda una gran saga inspirada en el mundo originalmente creado por Masamune Shirow. En 2004, Oshii retomaba la franquicia para dirigir una secuela, Ghost in the Shell 2: Innocence, y en 2008 se reestrenaba el filme original con algunas escenas reanimadas con tecnología 3D CGI, bajo el título de Ghost in the Shell 2.0. 

Entre 2002 y 2005 se emitirían las dos temporadas, de 26 episodios cada una, de la serie Ghost in the Shell: Stand Alone Complex, una historia paralela a las películas de Oshii que concluiría en 2006 con la película Ghost in the Shell: Stand Alone Complex - Solid State Society.

El último proyecto de la franquicia hasta la fecha ha sido Ghost in the Shell: Arise, estrenado en 2013 en el formato de 4 OVA's, y que ha contado en el presente 2015 con una versión para televisión de 10 episodios en los que se añade contenido adicional (los dos últimos capítulos), Ghost in the Shell: Arise - Alternative Architecture. Asimismo, se ha estrenado un filme como conclusión de la saga Arise, con el único subtítulo de "Nueva Película". Toda esta saga funciona como precuela de la obra original al contar los orígenes de la Sección 9.

¿De qué trata?

La historia transcurre en Hong Kong, en el año 2029, donde la tecnología ha avanzado tanto que es posible que los seres humanos se conviertan en cíborgs, convirtiendo el 99% de su cuerpo en prótesis cibernéticas y dejando intacto únicamente el cerebro, lo cual distingue a las personas de las máquinas, pues las primeras conservan intacto su "espíritu", su Ghost.

Sin embargo, existen criminales que se dedican a hackear el espíritu de las personas, pudiendo controlarlas a voluntad, y es la Sección 9 de la policía, con la mayor Motoko Kusanagi en cabeza, la que se encarga de mantener a raya a estos criminales.

La película se centra en el caso del Titiritero, un criminal que es capaz de hackear el espíritu de las personas sin dejar ningún rastro.

Nuestra Opinión

Ghost in the Shell es considerada una de las obras maestras del cyberpunk, y no sin motivo. Su ambientación es sublime, mostrándonos un mundo totalmente informatizado, donde ningún humano está libre de modificaciones en su organismo hechas a partir de prótesis cibernéticas. La única forma de distinguir ahora a un humano de una máquina es su espíritu, y ese es el dilema que plantea la película: cuando una máquina puede pensar, ¿se le considera un humano?

El dilema existencial está presente en toda la película y Oshii lo desarrolla y profundiza en él de forma brillante. Además encontramos numerosas referencias religiosas, abundantes en las obras de Oshii y que en esta película aparecen en su máxima expresión en su increíble batalla final, una escena impactante e intensa, acompañada de una banda sonora genial.

El ritmo de la película es lento, pues Oshii dedica bastantes escenas a mostrarnos, con una lírica visual que pocos animes han logrado ofrecer, el mundo futurista de Ghost in the Shell, escenas de gran belleza y con una música de fondo que pone los pelos de punta (obra del gran Kenji Kawai).

Ghost in the Shell es una de las películas de anime que mayor repercusión han tenido en occidente (incluso cineastas como los hermanos Wachowsky, creadores de Matrix, admitieron haberse inspirado en ella), tal vez casi tanta como Akira, lo que automáticamente la convierte en un must. Pero si a esto le sumamos su sublime ambientación, su gran banda sonora, y su mensaje, profundo y filosófico, que a más de uno hará refñexionar, no cabe duda de que nos encontramos ante una de las grandes obras maestras, no solo del anime, sino del séptimo arte y de la ciencia ficción en general.

Una película imprescindible.

Nota Final: 10 [ - Imprescindible - ]

[RESEÑA MANGA] Utsubora, la Historia de un Escritor

Hola a todos. Hoy en nuestra reseña hablaremos de una de las mejores obras (si no la mejor) de una gran autora contemporánea, la genial Asumiko Nakamura y su obra maestra, Utsubora: La Historia de un Escritor.

Su autora: Asumiko Nakamura

Como hemos comentado en la introducción, el manga que reseñamos hoy es obra de Asumiko Nakamura (1979, Kanagawa), a la que sin duda podemos considerar como una de las autoras de manga con más talento del panorama actual.

Nakamura debutó en 2002, comenzando su trayectoria profesional con la publicación de diversas historias cortas en las que ya comenzaba a explorar los temas más recurrentes de su obra, como son la psique humana, la sexualidad, la perversión, etcétera.

Aunque generalmente sea más conocida por sus creaciones del género yaoi o BL (Boys Love), como Doukyuusei y Sotsugyuusei (publicados ambos en España bajo el título de En la Misma Clase), Nakamura, en su aún no muy extensa carrera, es una autora especialmente prolífica y ha tocado múltiples géneros. De hecho, incluso dentro de sus obras enmarcadas en el BL, también cuenta con varias -las más- en las que ahonda recurrentemente en la psicología humana y las tragedias personales, como en J no Subete o Barairo no Hoho no Koro.

Uno de los aspectos más destacables de Asumiko Nakamura, sin ninguna duda, es su incomparable habilidad artística. Con trazos aparentemente sencillos y en cierto modo minimalistas, esta gran autora consigue transmitir todo tipo de emociones a sus lectores, embelleciendo incluso la gran depravación moral y psicológica por la que pasan sus personajes, a través de su elegante y delicado estilo.

Una autora de inigualable talento que tiene aún mucho que ofrecer al mundo del manga.

¿De qué trata?

La historia comienza cuando Shun Mizorogi, un novelista de gran éxito que actualmente se encuentra publicando por entregas su mejor obra hasta el momento, recibe el aviso de que una mujer, Aki Fujino, a la cual conoció en una fiesta un tiempo atrás, se ha suicidado bajo misteriosas ciscunstancias. Es entonces cuando conoce a Sakura, la misteriosa hermana gemela de Aki, con la cual iniciará una relación.

Cuando Aki y Mizorogi son relacionados por su editor, la gente que le rodea empezará a sospechar que el novelista es un plagiador...

Nuestra Opinión

Utsubora es una obra con un argumento magnífico, que comienza de forma aparentemente lenta pero que aumenta su intensidad de forma totalmente radical a lo largo de sus dos tomos, hasta llegar a un final sorprendente.

La historia es oscura y adulta, mostrándonos la decadencia tanto moral como sexual de todos y cada uno de sus personajes, los cuales son capaces de hacer cualquier cosa para lograr sus objetivos, por muy deleznables que sean los medios.

Visualmente la obra es original y con un estilo de ecos "bohemios"  perfecto para la oscura historia que Nakamura desarrolla, haciendo gala de una gran elegancia para representar las escenas sexualmente explícitas, sin mostrar nada innecesario, y con una gran sensibilidad artística que pocos autores son capaces de alcanzar, logrando escenas con una expresividad sublime.

Las intrigas de Utsubora están magistralmente realizadas, confundiendo al lector durante toda la trama, haciéndole creer cosas que no son hasta que finalmente se revela la verdad. Sin embargo, pueden resultar complejas y confusas en ocasiones, ya que los giros de la trama son abundantes.

No creemos exagerado afirmar que Utsubora es uno de los mejores mangas contemporáneos, visualmente magistral, con un dibujo expresivo y de gran belleza, con unas intrigas bien llevadas y sorprendentes que culminan con un final sublime. Una obra maestra.

Nota Final: 10 [ - Imprescindible - ]

[RESEÑA ANIME] Summer Wars

Hola a todos. Hoy reseñaremos una de las películas de uno de los mejores directores de animación de los últimos años, un director que se ha ido abriendo camino entre los grandes hasta destacar considerablemente en el panorama actual, Summer Wars de Mamoru Hosoda.

Mamoru Hosoda, el director

Mamoru Hosoda, nacido en 1967, se ha convertido en los últimos años en uno de los más importantes directores de animación del panorama de la animación japonesa contemporánea.

Tras decidir convertirse en director al ver en su infancia la película Lupin III: El Castillo de Cagliostro, de Hayao Miyazaki, Hosoda se esforzó hasta lograr entrar en el estudio Toei una vez finalizados sus estudios. Allí comenzaría a llamar la atención con su muy remarcable trabajo con las películas de Digimon Adventure (1999) y Digimon Adventure: Bokura no War Game (2000).

Fue así como el prestigioso Estudio Ghibli le buscaría para que se hiciera cargo de la adaptación animada de la novela europea El Castillo Ambulante. No obstante, la pretendida autosuficiencia de Hosoda le saldría cara al no querer pedir ayuda para la realización del storyboard, lo que le llevó a no ser capaz de cumplir los plazos. Por ello, Ghibli prescindió de Hosoda, siendo finalmente el propio Miyazaki quien se haría cargo del proyecto.

Creyendo que su carrera estaba acabada y que ningún estudio volvería a confiar en él, Hosoda regresó a Toei. Sería con la dirección del episodio 40 de la serie Magical DoReMi con la que el director volvería a llamar la atención, en esta ocasión de Masao Maruyama, productor y cofundador del estudio MADHOUSE.

Gracias al patronazgo de Maruyama, Hosoda consiguió la oportunidad que tanto esperaba y que le lanzaría al estrellato: la dirección de la película La Chica que Saltaba a Través del Tiempo, en 2006. Esta película, junto con Summer Wars en 2009 y Wolf Children (Ookami Kodomo: Ame to Yuki) en 2012, convertirían a Mamoru Hosoda en uno de los directores más prestigiosos de la actualidad, hasta el día de hoy, en 2015, cuando su nueva película, Bakemono no Ko (The Boy and the Beast), está arrasando en la taquilla japonesa.

¿De qué trata?

Kenji Hoshio es un estudiante con un gran talento para las matemáticas y la programación cuyo único plan para el verano es trabajar administrando Oz, el mundo virtual de moda en el que se puede hacer y encontrar prácticamente cualquier cosa.

Sin embargo, este plan se tuerce cuando Natsuki, la chica más guapa de su clase y a la cual admira en secreto le pide que se haga pasar por su novio para presentárselo a su familia durante el cumpleaños de su anciana abuela, quien desea mas que nada conocer al futuro marido de su nieta.

Durante su estancia con la familia de Natsuki, Kenji recibe un complicado problema matemático en su móvil, el cual logra resolver con sus conocimientos. Esto causará que un hacker entre en Oz, desatando el caos en todo el planeta. Kenji y Natsuki, junto a toda su familia, deberán unir fuerzas para devolver Oz a su orden y detener al hacker que ha penetrado en sus sistemas.

Nuestra Opinión

Summer Wars es, como acostumbra a hacer Hosoda, una gran película. En ella se tratan temas como el amor o la importancia de la familia, de una forma emotiva, pero divertida a la vez. Destacan las escenas de reunión de la familia de Natsuki, con una gran variedad de personajes, cada uno de ellos con rasgos distintivos que los hacen divertidos y carismáticos.

Visualmente la película es increíble, especialmente las escenas de batallas dentro del mundo de Oz, donde Hosoda demuestra su habilidad para los diseños y la animación, mostrando personajes coloridos, diseños altamente originales, y una acción frenética que hace el desarrollo mas interesante.

La película, por desgracia, parece algo menos profunda que otras del autor, centrándose esta mas en la acción y la comedia que sus otras películas donde lo que es prioritario es su mensaje.

Summer Wars es una película entretenida, con un mensaje que, si bien podría desarrollarse más, está bien planteado, una acción trepidante que encantará a los fans de Digimon (con la cual comparte similitudes, pues fue Hosoda quien dirigió la película Our War Game, en la que ya se aprecia el mismo estilo visual para los mundos cibernéticos que volvería a emplear en la película que reseñamos). Los familiares de Natsuki son divertidos y añaden el punto de comedia que hace de la película una delicia. Muy recomendable.

Nota Final: 8 [ - Muy Buena - ]

[RESEÑA MANGA] The One Pound Gospel

Hola a todos. Hoy en nuestra reseña hablaremos de una de las mejores obras de Rumiko Takahashi, una comedia romántica maravillosa, con un humor genial y el boxeo como telón de fondo: The One Pound Gospel (Ichi Pound no Fukuin, El Evangelio de Una Libra).

Rumiko Takahashi, artesana del manga

La pequeña gran Rumiko, pequeña de estatura pero inmensamente grande como autora, nacida en 1957, se constituye hoy en día como una de las más importantes creadoras de manga de la historia del cómic japonés.

Takahashi comenzaría su trayectoria profesional al ingresar en la escuela de dibujo dirigida por ni más ni menos que Kazuo Koike, el autor de grandes clásicos como El Lobo Solitario y su Cachorro. En 1978, Rumiko Takahashi comienza la publicación de su primera serie de largo recorrido, Urusei Yatsura (también conocida como Lamu), que finalizaría en 1987 con un total de 34 tomos recopilatorios y un éxito arrollador a sus espaldas.

Entre 1980 y 1987, de forma paralela a Urusei Yatsura, la imparable autora comenzaría la que se convertiría en su obra magna, la mayor de sus obras maestras, Maison Ikkoku, una nueva comedia romántica, pero esta vez dirigida al público maduro.

Asimismo, entre el 84 y el 87 publicaría su obra más "oscura" hasta la fecha, Ningyo Saga (Mermaid Saga).

En 1987 comenzaría a dibujar la serie que la lanzaría al estrellato a nivel mundial, Ranma 1/2, que finalizaría en 1996 con un total de 38 tomos. 

Aquel mismo año se iniciaría también la publicación de One Pound Gospel (Ichi Pound no Fukuin), su segunda comedia romántica pensada para lectores adultos, cuya publicación se vería dilatada por diversas circunstancias hasta su conclusión en 2006, a pesar de su brevedad (4 tomos recopilatorios).

Una vez finalizado Ranma 1/2, la incombustible Rumiko comenzó su manga más largo hasta la fecha, InuYasha, la obra con la que la autora se pasaba a las historias de acción y aventuras, pero sin abandonar en ningún momento su tan característica comedia romántica. Finalizado en 2008, contó con 56 tomos.

En 2009 comenzaría Kyoukai no Rinne, con la que continúa cosechando éxito a día de hoy.

Todo ello combinado con la publicación espontánea de numerosas historias cortas de diversos géneros, agrupadas en diversos tomos únicos, como La Tragedia de P o 1 or W.

Gracias al éxito y la gran calidad de sus obras manga, acompañadas en casi todas las ocasiones por adaptaciones animadas, Rumiko Takahashi se alzó como uno de los grandes iconos del mundo del cómic, toda una artesana del manga.

¿De qué trata?

En The One Pound Gospel conoceremos a Kosaku Hatanaka, un boxeador de gran talento, pero con un enorme defecto: un incontrolable apetito que le hace subir de peso y le condiciona a luchar en categorías diferentes a la suya, o a no poder pasar los controles de peso previos a los combates, lo cual es un fastidio para su entrenador, quien, a pesar de sus constantes esfuerzos para que adelgace, no consigue que Hatanaka modere su adicción a la comida.

Durante sus entrenamientos conoce a la hermana Ángela, una monja novicia que decide enderezarle y hacer que deje de comer a escondidas para que pueda boxear sin problemas. Hatanaka pronto empezará a sentir algo por Ángela, quien también se sentirá, con el tiempo, confundida respecto lo que siente y lo que cree, dividida entre su amor y su fe.

Nuestra Opinión

The One Pound Gospel es sin duda una de las mejores obras de Rumiko Takahashi, presentándonos un romance adulto y bien desarrollado, donde la relación entre Hatanaka y Ángela avanza despacio, acercándose cada vez más de forma realista hasta llegar a la decisión final de Ángela: ¿fe o amor?

La comedia típica de Takahashi está presente durante toda la obra, siendo especialmente divertidas las discusiones entre el entrenador y Hatanaka, o sus continuas tretas para escapar del gimnasio y atiborrarse de comida.

Los personajes son tan carismáticos como los que acostumbra a crear la inigualable autora. Destacan el entrenador cascarrabias y estricto y todos los rivales a los que se irá enfrentando el protagonista, cada uno de ellos bien desarrollado y con sus propios motivos para combatir.

Los combates también son abundantes, dando a la obra un toque de emoción, acción e intensidad que la hace aun más adictiva si cabe. En este sentido, es la obra en la que más se pueden apreciar las ya de por sí abundantes similitudes como autores de Rumiko Takahashi y Mitsuru Adachi, siendo éste el gran mangaka especializado en comedia romántica deportiva.

The One Pound Gospel es una obra magnífica de una de las mejores autoras de manga. Acción, comedia y romance se unen en un perfecto cóctel en los 4 tomos que componen esta maravilla. Muy adictiva, divertida y emocionante.

Nota Final: 9,5 [ - Magistral - ]

[RESEÑA MANGA] Reproducción por Mitosis

Hola a todos, hoy en nuestra reseña hablaremos de una recopilación de historias cortas de uno de los mejores mangakas alternativos actuales. Un maestro de la experimentación narrativa capaz de hacer cosas sorprendentes (y en ocasiones perturbadoras) sobre el papel. Estamos hablando de Reproducción por Mitosis (Kasutoro Shiki), de Shintaro Kago.

Shintaro Kago, el Enfant Terrible de nuestros días 

Shintaro Kago, nacido en 1969, debutaba profesionalmente en el año 1988 en la revista COMIC BOX.

Sus obras se caracterizan fundamentalmente por el uso de elementos y escenas de carácter sangriento, escatológico y sexual, buscando producir una sensación de repulsión en el observador de sus ilustraciones y lector de sus mangas. Así, queda enmarcado dentro de la corriente del ero-guro, una vertiente del género gore que fusiona un erotismo soez con un tipo de gore especialmente explícito y escatológico. 

No obstante, es importante señalar que Shintaro Kago no hace uso del ero-guro por el mero "placer" de la repugnancia, sino como herramienta de protesta contra las convenciones sociales y el encorsetamiento de la sociedad japonesa contemporánea.

En sus obras, Kago pone de manifiesto su inigualable habilidad para la experimentación tanto en el campo artístico, como se muestra especialmente en Reproducción por Mitosis, como en el narrativo, algo que podemos apreciar en Fraction, la historia en la que el autor engaña al lector a la vez que le explica los recursos que está empleando para ello. De igual manera, suele dibujar historias satíricas respecto al Japón actual, como las que podemos encontrar en Novia Ante la Estación (Ekimae Hanayome).

Además de su labor como mangaka, Shintaro Kago destaca por sus ilustraciones, que muestran, incluso aún más que sus mangas, su fascinante y quizás enfermiza mente. Del mismo modo, se declara aficionado a la animación, y ha creado por sí mismo diversos cortos de pocos minutos para internet.

¿De qué trata?

En Reproducción por Mitosis encontramos 14 capítulos autoconclusivos, cada uno de ellos un pequeño experimento en el que Kago juega con la narrativa de su obra, creando cosas nunca vistas, y casi siempre con el sexo, el gore, las vísceras y la repugnancia como marco de acción.

Una de las historias, la que da título al tomo, nos muestran una viñeta que habla al propio lector como un personaje, a la vez que actúa como medio para transmitir la acción, y que empieza a dividirse, a reproducirse por un proceso equivalente a la mitosis celular, dando lugar a nuevas viñetas que continúan la historia, tomando diferentes caminos y llegando a una conclusión sorprendente, a la par que grotesca, como es propio de Kago.

Cabe señalar especialmente además la historia Precauciones Innecesarias, en la que se presenta una ilustración con una lámina con "ventanas" (viñetas) que oculta parte de ella, de manera que según lo que ésta oculte o deje a la vista, nos permite leer una historia u otra (se debe destacar la magnífica labor de traducción efectuada para esta historia por Marc Bernabé para la edición española, pues todos los textos deben encajar como un puzle para conseguir el efecto deseado por Kago).

Nuestra Opinión

La perversión, al igual que en las demás obras del autor, está muy presente, por ejemplo en historias como la de una chica obsesionada con los reversos, las cosas invertidas o del revés, que, a causa de un accidente, logra dar la vuelta a sus ojos, pudiendo observar el interior de su cuerpo, ocasionándole una gran excitación; o una curiosa historia sobre sumo que hay que leer para creer.

A pesar de la sangre, vísceras, sexo explícito y demás contenido desagradable, no se debe leer a Shintaro Kago buscando el ero-guro, sino algo diferente: experimentos en los que juega con la narrativa como nunca se ha hecho. Reproduccion por Mitosis es originalidad en estado puro.

A los amantes del manga alternativo, o del arte del cómic en general, y a los que busquen algo totalmente diferente a lo habitual, les encantará Shintaro Kago. Sin embargo puede resultar desagradable para los estómagos más delicados por lo que no lo recomendamos a todo el mundo.

Una obra diferente, única, original, rompedora... los experimentos de Shintaro Kago comprendidos en este tomo único son una maravilla del manga. No recomendable para sensibles.

Nota Final: 10 [ - Imprescindible - ]

[RESEÑA ANIME] Colorful

Hola a todos, hoy hablaremos en nuestra reseña de Colorful, una gran película de animación dirigida por Keiichi Hara. Una película maravillosa, emotiva, y magistral.

Estrenada en 2010 y producida por el estudio Sunrise, la película fue dirigida por Keiichi Hara, siendo hasta ahora la obra más destacable del director, quien también estuvo al frente de la serie de Shin-Chan entre 1996 y 2004, así como de algunas de sus películas. En 2007 dirigiría su primera película propia, El Verano de Coo (Kappa no Coo to Natsuyasumi), a la que seguiría la propia Colorful y, estrenada este mismo año en Japón, su última película hasta la fecha, Miss Hokusai (Sarusuberi: Miss Hokusai).

Colorful es la adaptación de la novela del mismo título publicada en 1999 por la escritora Eto Mori, que previamente recibiría una adaptación a la imagen real en el año 2000, aunque sería la presente obra de Keiichi Hara la que le valdría la fama internacional de la que goza hoy en día. La novela fue editada en España bajo el título de Flipando en Colores.

¿De qué trata?

En Colorful, nos encontramos con un espíritu desconocido, que está a punto de llegar al mas allá cuando un curioso personaje llamado Pura Pura le dice que se le ha concedido una segunda oportunidad para redimirse de sus pecados y volver a la vida.

Pura Pura le dice que su espíritu será introducido en el cuerpo de un adolescente llamado Makoto Kobayashi, que se ha suicidado por una razón desconocida. Para que nuestro protagonista pueda volver a la vida tiene que averiguar cual fue su pecado y cual fue la causa del suicidio de Makoto, cuya vida tendrá que vivir a partir de ahora.

Nuestra Opinión

Colorful es una película de la que podemos aprender muchas cosas. Por ejemplo, nos muestra el valor de la amistad de una forma que otras películas no hacen, enseñando primero a un protagonista que se ha cerrado a toda amistad por el acoso que sufría en su colegio, y finalmente mostrándonos cómo este encuentra a su primer amigo, el cual le cambia totalmente la vida.

La película también muestra el amor de la familia, que a pesar de las adversidades siempre estará allí, sin importar nada más.

Estos temas están tratados de forma sublime en el filme, presentando un mensaje optimista de y esperanza hacia el futuro, a pesar del planteamiento triste que se nos muestra en un principio.

Las escenas emotivas están acompañadas de una excelente banda sonora, y visualmente la película también es maravillosa, destacando los detallados fondos.

La película es algo larga, pero presenta un ritmo que, si bien es pausado y relajante, hace avanzar la historia sin que esta resulte tediosa en ningún momento.

Colorful es una obra espectacular, triste en ocasiones pero con lecciones positivas y optimistas que extraer de ella, visualmente maravillosa, con una banda sonora magistral, emotiva como pocas y con un final sorprendente.

Una película que sin duda os llegará al corazón.

Nota Final: 9,5 [ - Magistral - ]

[RESEÑA MANGA] Barrio Lejano

Hola a todos. Hoy en nuestra reseña hablaremos de una de las mejores obras del maestro del manga costumbrista, el inigualable Jiro Taniguchi. Hablaremos de Barrio Lejano (Haruka na Machi e).

Jiro Taniguchi, sensibilidad y costumbrismo

Jiro Taniguchi, nacido en 1947, se alza actualmente con uno de los más importantes autores de manga de corte intimista y adulto, y uno de los más reconocidos por el público occidental ajeno al mundo del cómic japonés.

Impulsado hacia el arte del manga por la corriente del gekiga a través de revistas como Garo y autores como Yoshihiro Tatsumi, Taniguchi se trasladaba a Tokio en 1969 para comenzar su trayectoria profesional, inicialmente como asistente de mangakas como Kyuta Ishikawa y Kazuo Kamimura, hasta su debut en 1972 con Kareta Heya. 

A lo largo de la década de los 70, Taniguchi dibujaría gran cantidad de obras a partir de las historias de otros guionistas, entre los que destaca Natsuo Sekikawa, con quien crearía, entre 1987 y 1997, la obra que constituiría el punto de inflexión más importante de su carrera: La Época de Botchan (Botchan no Jidai), en la que, inspirados por la celebérrima novela de Natsume Soseki Botchan (una de las más importantes de la literatura japonesa del siglo XX), ambos autores abocetan un delicado retrato de los últimos años de la Era Meiji (1868-1912). Esta obra le valdría a Taniguchi más de un premio, entre los que cabe señalar el Gran Premio Cultural Osamu Tezuka en 1998.

De manera simultánea a la publicación de La Época de Botchan, Taniguchi empieza a destacar con la publicación de numerosas obras de corta extensión y tono costumbrista e intimista, como El Caminante (Aruku Hito) o Tierra de Sueños (Inu o Kau). Entre ellas, sobresaldrían especialmente El Almanaque de mi Padre (Chichi no Koyomi, 1994) y Barrio Lejano (Haruka na Machi e, 1998), en las que reflexiona sobre el retorno a tiempos pasados y la reconciliación con uno mismo.

Desde entonces, Taniguchi alternaría la creación de este tipo de obras con otras de temática naturalista y aventurera, como Seton, La Cumbre de los Dioses (Kamigami no Itadaki) o Blanco (Blanca).

Especialmente admirado en Francia, Jiro Taniguchi se convertiría en uno de los principales representantes japoneses del movimiento artístico de la nouvelle manga, liderado por el historietista francés Frédéric Boilet, y que busca la combinación de las formas artísticas y narrativas propias del manga y la bande desinée (cómic franco-belga).

¿De qué trata?

En Barrio Lejano conoceremos a Hiroshi Nakahara, un hombre de negocios que al tomar un tren equivocado, vuelve sin quererlo a su pueblo natal.

Aprovechando este despiste, se acerca al cementerio para presentarle sus respetos a la tumba de su difunta madre, fallecida a la misma edad que tiene él en esos momentos. Al hacer esto, sufre un desmayo y al despertar descubre, para su sorpresa, que vuelve a tener el aspecto de un niño de 14 años, y no solo eso, sino que de hecho ha regresado al pasado, pero manteniendo la mentalidad y recuerdos de su adultez.

Desde ese momento, Hiroshi empezará a vivir de nuevo su adolescencia cambiando ciertas acciones del pasado, viéndolo todo desde un nuevo punto de vista y comprendiendo mejor a las personas de su alrededor.

Sin embargo, nuestro protagonista pronto se dará cuenta de que faltan pocos meses para una fecha que le marcó para siempre... el día en el que su padre les abandonó a él, su hermana y su madre. Hiroshi hará lo posible por averiguar las razones que llevaron a su padre a dejar a su familia e intentará evitarlo por todos los medios.

Nuestra Opinión

Barrio Lejano es una historia muy emotiva, que nos muestra con la maestría de uno de los mejores autores de manga que nos podemos encontrar, la posibilidad de enmendar nuestros errores y actos del pasado, de comprender a la gente viendo las cosas desde otro punto de vista, que nos muestra el dolor por la pérdida y cómo afrontarlo, todo con un ritmo pausado y relajante, muy propio del costumbrismo de Taniguchi.

El uso del realismo mágico en la obra es brillante, y, si bien es cierto que no deja identificarse del todo con la situación planteada, sí que es un toque atractivo que puede incitar más a su lectura.

Otro punto a tener en cuenta es la exactitud con la que muestra la vida y el japón de los años 60, siendo muy fiel a la forma de vida de aquella época.

Barrio lejano es una obra sentimental, emotiva, dramática, ligera, pausada y relajante, de la cual se puede extraer alguna que otra enseñanza. Una de las mejores obras de un maestro. Una joya indispensable.

Nota Final: 9,5 [ - Magistral - ]

[RESEÑA MANGA] Confession (Kokuhaku)

Hola a todos, bienvenidos a nuestra nueva reseña. Hoy hablaremos de un manga breve pero intenso., un thriller adictivo que no os dejará apartar los ojos de las páginas desde su comienzo hasta su sorprendente clímax. Se trata de Confession.

Publicado en 1999 en la extinta revista seinen Young Magazine Uppers de la editorial Kodansha, Confession (Kokuhaku) cuenta con el guión de Nobuyuki Fukumoto (conocido por la saga Kaiji) acompañado por el dibujo de Kaiji Kawaguchi (Eagle, Zipang...).

¿De qué trata?

En Confessions conoceremos a dos alpinistas, Asai e Ishikura, los cuales, en una excursión de montañismo se han separado del grupo durante una ventisca. Ishikura se ha lesionado y parece que no sobrevivirá hasta que alguien los encuentre, por lo que le confiesa a Asai un crimen que cometió en el pasado para morir en paz libre de esa carga.

Sin embargo, ambos encuentran un refugio cerca y consiguen sobrevivir, pero Ishikura está herido y su pierna ha empezado a gangrenarse. Asai decide llamar a los servicios de emergencia, quienes les rescatarán en cuanto pase la ventisca.

Pero Asai empieza a notar extraño a su compañero, cuya conducta empieza a ser distante y extraña, lo cual le llevará a pensar que ahora que han sobrevivido y conoce su crimen, está planeando matarle para que no le delate. Esto hará que Asai se vuelva cada vez más paranoico hacia su compañero. Una batalla entre dos mentes y dos personas que desean sobrevivir comenzará en el pequeño refugio donde se encuentran.

Nuestra Opinión

Confessions es un thriller corto, pero mantiene en tensión de una forma que pocas obras del género son capaces de lograr, siendo imposible dejar de leer una vez has empezado. El desarrollo es rápido pero brillante, mostrando de forma detallada las paranoias de Asai y desarrollándose todo desde su punto de vista, de forma que casi podemos sentirnos como si nosotros fuéramos los amenazados por Ishikura.

Los últimos capítulos son frenéticos, mostrándonos una emocionante "batalla final" entre ambos personajes, desarrollada perfectamente a pesar de su corta duración y que sin duda puede mantener en vilo a mas de uno.

El final es sin embargo precipitado y poco creíble, siendo el mayor defecto de este manga. Es en cierto modo como si se hubiera hecho a toda prisa, y en cierto modo rompe un poco la "magia" que este ha creado a lo largo de su desarrollo.

En resumen: un thriller frenético, adictivo, intenso que te mantendrá en tensión constante hasta el final, un final que parece hecho a toda prisa pero que no anula el gran desarrollo.

Nota Final: 8 [ - Muy Bueno - ]

[RESEÑA MANGA] Touch (Bateadores)

Hola a todos y bienvenidos a una nueva reseña. Hoy hablaremos de la mejor obra de uno de los más exitosos y queridos mangakas, Mitsuru Adachi, el maestro de la comedia romántica deportiva. Una historia divertida y frenética sin desperdicio: Touch (también conocida como Bateadores)

Mitsuru Adachi, comedia romántica deportiva

Mitsuru Adachi, nacido en 1951, se alza a día de hoy como uno de los mejores mangakas de Japón, así como uno de los más exitosos y queridos por los lectores desde hace décadas.

Adachi debutaba profesionalmente en el año 1970 con la obra Kieta Bakuon, basado en el manga original de Satoru Ozawa., y publicada en la Deluxe Shonen Sunday de la editorial Shogakukan, para la que continuaría dibujando a lo largo de toda su carrera. 

Desde aquel momento, el autor continuaría dibujando ininterrumpidamente, pero no sería hasta 1980 cuando crearía su primer gran éxito, Hiatari Ryoko! (conocido en España como Alegre Juventud), que marcaría el inicio de una carrera llena de grandes éxitos. El mismo año dibujó también Miyuki, y sería en 1981 cuando comenzaría la publicación de Touch (Bateadores), la que sin duda se convertiría en su obra más importante y cuya adaptación animada le lanzaría al estrellato más allá de las fronteras niponas al llegar a Occidente.

La obra de Mitsuru Adachi se caracteriza por las historias románticas protagonizadas por adolescentes y en las que el deporte toma un papel central como eje de la trama, aunque sin llegar a ser en ningún momento más importante que la relación entre los personajes. Así, Adachi se alzó como el gran maestro de la comedia romántica deportiva, con un estilo de dibujo de trazos sencillos y suaves, casi minimalista, que puede recordar a la más conocida en Occidente Rumiko Takahashi, la otra reina de la comedia romántica.

Entre sus obras, podemos encontrar también otras como H2, Cross Game, Mix, Q&A, Rough, Katsu!, entre otras muchas. Cabe señalar además que gran parte de sus creaciones han recibido adaptaciones animadas de arrollador éxito, que han servido para extender su popularidad más allá de Japón.

¿De qué trata?

En Touch conocemos a los hermanos Uesugi: Tatsuya y Kazuya, cuyas diferencias de personalidad son bastante obvias a pesar de ser gemelos. Mientras Kazuya es buen estudiante, tiene éxito con las chicas, es buen deportista, la estrella del equipo de béisbol del instituto y tiene talento para hacer lo que sea, Tatsuya es vago, malo en los estudios, no tiene interés en el deporte y las chicas no se le acercan, a excepción de Minami, una amiga de la infancia de ambos con la que han crecido hasta hacerse inseparables.

En el instituto Meisei todos piensan que Minami y Kazuya son la pareja perfecta: ambos son guapos y populares, mientras que todos desprecian a Tatsuya o le ignoran. Sin embargo, Minami parece tener mas interés en Tatsuya. Esto ocasiona una rivalidad entre ambos gemelos, quienes lucharán por conseguir el amor de su amiga.

Así, las vidas de los tres adolescentes seguirá su curso normal hasta verse violentamente sacudida por una gran tragedia que les marcará en su camino hacia la madurez y hacia el Koshien, el torneo nacional de béisbol de instituto.

Nuestra Opinión

Touch es una obra rápida y divertida. Los capítulos tienen poco diálogo, como es costumbre en Adachi, lo cual permite leerla sin que se haga pesada, pero con una trama que engancha desde el principio, personajes carismáticos y divertidos, comparables en ocasiones a algunos de la gran Rumiko Takahashi y sobre todo escenas románticas y malentendidos de lo mas interesantes.

Además, los partidos de béisbol son abundantes y frenéticos, con una acción rápida que, si bien puede ser complicada de seguir, especialmente si se desconoce el deporte, añade emoción a la trama haciendo que sea muy adictiva.

En resumen, una comedia romántica como pocas se han hecho, con personajes interesantes, algo de emoción a través del deporte que añade agilidad a la obra, y diálogos escasos que hacen la lectura mas fluida sin afectar a su comprensión.

Nota Final: 9,5 [ - Magistral - ]

[RESEÑA MANGA] Maison Ikkoku

Hola a todos. Hoy en nuestra reseña vamos a hablar de la obra magna de una de las mejores y más importantes autoras de la historia del manga. Una comedia romántica inigualable: Maison Ikkoku de Rumiko Takahashi.

Publicada entre 1980 y 1987, podemos afirmar sin temor a equivocarnos que en Maison Ikkoku encontramos la mejor obra de Rumiko Takahashi, lo cual no es decir poco cuando se trata de una autora de su talla, y, por tanto, una de las mayores obras maestras del género de la comedia romántica.

Rumiko Takahashi, artesana del manga

La pequeña gran Rumiko, pequeña de estatura pero inmensamente grande como autora, nacida en 1957, se constituye hoy en día como una de las más importantes creadoras de manga de la historia del cómic japonés.

Takahashi comenzaría su trayectoria profesional al ingresar en la escuela de dibujo dirigida por ni más ni menos que Kazuo Koike, el autor de grandes clásicos como El Lobo Solitario y su Cachorro. En 1978, Rumiko Takahashi comienza la publicación de su primera serie de largo recorrido, Urusei Yatsura (también conocida como Lamu), que finalizaría en 1987 con un total de 34 tomos recopilatorios y un éxito arrollador a sus espaldas.

Entre 1980 y 1987, de forma paralela a Urusei Yatsura, la imparable autora comenzaría la que se convertiría en su obra magna, la mayor de sus obras maestras, Maison Ikkoku, una nueva comedia romántica, pero esta vez dirigida al público maduro.

Asimismo, entre el 84 y el 87 publicaría su obra más "oscura" hasta la fecha, Ningyo Saga (Mermaid Saga).

En 1987 comenzaría a dibujar la serie que la lanzaría al estrellato a nivel mundial, Ranma 1/2, que finalizaría en 1996 con un total de 38 tomos. 

Aquel mismo año se iniciaría también la publicación de One Pound Gospel (Ichi Pound no Fukuin), su segunda comedia romántica pensada para lectores adultos, cuya publicación se vería dilatada por diversas circunstancias hasta su conclusión en 2006, a pesar de su brevedad (4 tomos recopilatorios).

Una vez finalizado Ranma 1/2, la incombustible Rumiko comenzó su manga más largo hasta la fecha, InuYasha, la obra con la que la autora se pasaba a las historias de acción y aventuras, pero sin abandonar en ningún momento su tan característica comedia romántica. Finalizado en 2008, contó con 56 tomos.

En 2009 comenzaría Kyoukai no Rinne, con la que continúa cosechando éxito a día de hoy.

Todo ello combinado con la publicación espontánea de numerosas historias cortas de diversos géneros, agrupadas en diversos tomos únicos, como La Tragedia de P o 1 or W.

Gracias al éxito y la gran calidad de sus obras manga, acompañadas en casi todas las ocasiones por adaptaciones animadas, Rumiko Takahashi se alzó como uno de los grandes iconos del mundo del cómic, toda una artesana del manga.

¿De qué trata?

Yusaku Godai es un estudiante que vive en la pensión Ikkoku, donde intenta sacar adelante su carrera sin demasiado éxito, mientras lidia cada día con los inquilinos, que no paran de hacerle la vida imposible con sus bromas y travesuras.

Un día, una nueva encargada llega para ocuparse de la pensión, Kyoko Otonashi, una bella mujer de la cual Godai se enamora a primera vista. Godai hará todo lo posible por conquistar el corazón de Kyoko, pero se complicarán las cosas cuando descubra que ella es viuda, y, además de no haber olvidado aún a su difunto marido, ha tomado la decisión de no volver a casarse por respeto hacia él.

Por si esto fuera poco, los vecinos de Godai no pararán de hacerle la vida imposible, ocasionando divertidas situaciones y malentendidos.

Nuestra Opinión

Maison Ikkoku es uno de esos mangas que llegan tanto al corazón del lector que logran hacer que se sienta parte del elenco de personajes. Todos son tan carismáticos y entrañables que es imposible no tenerles cariño a cada uno de ellos. Esto incluso pasa con personajes muy secundarios, o con personajes que se supone que son negativos, es imposible no encariñarse con ninguno, ya que  la autora sabe desarrollarlos y caracterizarlos para que sean inolvidables.

Las situaciones cómicas son numerosas y de lo mas divertidas. Prácticamente cada capítulo del manga termina de forma desternillante y hace que resulte adictivo y  rápido de leer. En ningún momento aburre y Takahashi sabe muy bien como dosificar ese humor para que no resulte pesado.

El manga también tiene momentos románticos y dramáticos, escenas de gran intensidad y con una gran sensibilidad artística que logran que el lector se introduzca incluso más en la historia. Además, el romance es muy realista, pues se desarrolla lentamente a lo largo de toda la historia y, como uno real, tiene sus altibajos. Y al ser los personajes adultos, no nos encontramos ante un romance adolescente que pueda pecar de surrealista o empalagoso, sino que es totalmente maduro y adulto.

En resumen, la mejor obra de una gran autora, un romance realista, con momentos intensos y una comedia de lo mejor que se puede encontrar en manga, estando ambos elementos perfectamente cohesionados. Sus personajes te enmorarán sin duda. Sin duda una joya maravillosa.

Nota Final: 10 [ - Imprescindible - ]