[FINDE DE CINE] Nicky, la aprendiz de bruja / Mothra vs Godzilla

¡Un saludo y bienvenidos a La Bandera de la Libertad!

Una semana más (aunque por los problemas técnicos que comentamos, en realidad es la segunda vez en la misma semana xD) estamos aquí con una nueva entrega de nuestra sección Finde de Cine. 

Como ya sabéis, hablamos aquí de las dos películas japonesas que hemos visto en el fin de semana (viernes y sábado), en caso de que lo hayamos hecho. Y en esta ocasión toca dedicar nuestra atención a las películas Nicky, la aprendiz de bruja (la reciente versión de imagen real, por supuesto) y, ya que estamos en pleno ciclo de kaiju-eiga, la cuarta película de la saga del icónico lagarto radiactivo (o segunda de la polilla gigante más famosa del cine): Mothra vs Godzilla. 

¡Empecemos!

Nicky, la aprendiz de bruja

Empezamos, pues, con la versión en imagen real de Nicky, la Aprendiz de Bruja (Majo no Takkyûbin, también conocida por su título internacional Kiki's Delivery Service), nueva adaptación de las novelas infantiles del mismo título de Eiko Kadono. Estrenada en Japón en 2014, la película fue dirigida por Takashi Shimizu (creador de la saga de terror Ju-On) y no guarda ninguna relación con la clásica adaptación animada de Hayao Miyazaki. En este caso, Shimizu vuelve a adaptar la misma novela, fijándose en esta y no en hacer un remake de la producción de Ghibli. Es importante tener eso en cuenta, pues las diferencias entre ambas películas probablemente se deban a su grado de fidelidad al material original (por lo que se dice, esta versión es bastante más fiel que la de Miyazaki, aunque eso no podemos comprobarlo si no podemos leer la novela).

<< La película trata sobre Nicky, una pequeña bruja que al cumplir los 13 años, como manda la tradición, deja su hogar para convertirse en una bruja hecha y derecha que pueda manejar bien sus poderes. En su viaje llegará a un pueblo costero donde se instalará y se ganará la vida haciendo entregas a domicilio aprovechando sus habilidades mágicas. >>

Para todo aquel que conozca la versión animada (que seguramente serán la mayoría de nuestros lectores), la verdad es que no hay mucho más que decir, pues adaptan la misma novela. Si bien es cierto que hay considerables diferencias entre los sucesos de ambas películas (como comentábamos, es de imaginar que esta será más fiel a la obra original, teniendo en cuenta que Miyazaki, como otros grandes directores de cine, más que adaptar suelen "reimaginar" la obra con su propio estilo), en esencia sí que cuentan la misma historia y reflejan los mismos valores.

Es una película de tono marcadamente familiar, muy orientada al público infantil, pero perfectamente disfrutable por cualquiera, tenga la edad que tenga, pues no deja de ser una historia bonita, cálida y divertida. Se hace bastante llevadera y los personajes, aunque simples, encajan bien con el tono de la obra.

Como defecto, cabe señalar que se puede hacer un poco sosa por momentos, pues carece de la "magia" (nunca mejor dicho) especial con la que sí cuenta la versión animada (tanto por la dirección de Miyazaki como por la BSO de Hisaishi, aunque en este sentido, la BSO de esta versión tiene también buenos puntos), pero cumple bien por sí misma. Los efectos especiales (empleados sobre todo en la recreación del gato Jiji y el hipopótamo, así como en las escenas de vuelo de escoba) son bastante decentes para tratarse de una producción de no excesivo presupuesto (no, al menos, como una superproducción hollywoodiense).

En resumidas cuentas, está claro que no estamos ni por asomo ante una obra maestra, pero se deja ver, entretiene y cumple con lo que promete. Lo más importante para disfrutarla justamente sería no tratar de verla como un remake de la versión de Miyazaki (muy superior), ya que como hemos dicho, no es más que una nueva adaptación. Comparándolas, esta película solo consigue salir mal parada, y eso tampoco es muy justo para con ella.

Mothra VS Godzilla

Y para terminar, como ya hemos adelantado, seguimos nuestro particular ciclo de kaiju-eiga (género al que, debemos decir, le estamos pillando mucho el gusto por el elevado grado de entretenimiento que asegura), y es el turno de la cuarta película de la saga de Godzilla, Mothra vs Godzilla (Mosura tai Gojira, también conocida en España como Godzilla contra los monstruos). Dirigida nuevamente por el prolífico padre del kaiju-eiga Ishiro Honda y estrenada en Japón en 1964, normalmente se considera parte de la saga del famoso lagarto. No obstante, también podría considerarse como una segunda película de Mothra, tras el filme original (también de Ishiro Honda) de 1961, pues tiene mayor protagonismo en la película. Pero es de suponer que la presencia de Godzilla impone una jerarquía dentro del universo kaiju de Toho en la que él es el predominante. 

<< En una playa japonesa, es encontrado un enorme huevo es encontrado, el cual será comprado por un empresario para usarlo como atracción principal de su parque temático. Las diminutas gemelas guardianas de Mothra, harán todo lo posible por recuperar el huevo y devolverlo a su madre. Mientras tanto, Godzilla vuelve a despertar de su letargo para atacar Japón... >>

Bueno, para empezar diremos que esta película, es más de Mothra que de Godzilla, ya que en este caso tenemos a Mothra como "el bueno de la peli" y a Godzilla como "villano", quedando relegado por ello a un papel algo más secundario. Y es que, en este universo de kaijus de la Toho, Mothra siempre es buena, ya que su única intención es proteger a sus isleños, y en este caso los japoneses le piden ayuda para deshacerse del lagarto radiactivo que les amenaza.

Cabe decir, además, que esta película es casi como una secuela de Mothra de 1961, y creemos que es muy recomendable haberla visto antes, porque tiene ciertos detalles que se entienden mejor conociendo al personaje de antemano. Las actrices que interpretan a las gemelas, así como uno de los protagonistas humanos, se repiten también en ambas películas. Aunque no se hagan referencias directas a la película original, siempre es mejor haberla visto.

Como película, es de las mejores que llevamos vistas del género del kaiju-eiga. Los efectos especiales mejoran cada vez más, y en esta tenemos al Godzilla más realista que hemos visto hasta ahora (cosa que atribuimos, evidentemente, a una mejora en la calidad del traje, que parecía facilitar los movimientos del actor). Las marionetas de Mothra (tanto polilla como larva) se mantienen en la misma línea que en la película original del monstruo, lo cual está bastante bien.

Mothra se luce especialmente en la película, dándonos una de las mejores batallas de kaijus que hemos visto hasta ahora, demostrando que un insecto puede derrotar al poderoso "rey de los monstruos". Y es que esta película tiene una cantidad de acción entre monstruos considerablemente superior a la que veíamos en las anteriores entregas (pues las batallas contra Anguirus y King Kong no fueron muy largas).

La BSO también es de alto nivel, encaja muy bien con la película y, sobre todo, mantiene el brillante tema principal de Mothra que ya estaba en su primera película (canción pegadiza como pocas).

No hay mucho más que añadir, salvo que es fantástica como película de kaijus. Intensa, divertida y espectacular. Muy recomendable (eso sí, recordamos que hay que ver Mothra antes, la cual también es una delicia del género).

Y hasta aquí nuestro Finde de Cine de esta semana. Nos despedimos, como siempre, esperando que os haya gustado, que os animéis a ver las películas si no lo habéis hecho ya y que, si lo habéis hecho, compartáis vuestra opinión con nosotros.

¡Hasta la próxima!

[FINDE DE CINE] El Verano de Kikujiro / King Kong VS Godzilla

¡Un saludo y bienvenidos a La Bandera de la Libertad!

Con un poco de retraso a causa de los problemas entre Movistar y Google el pasado fin de semana, pero ya estamos aquí una vez más. Y al igual que hemos hecho las últimas semanas, continuamos con esta nueva sección de cine japonés titulada Finde de Cine.

Como ya hemos explicado anteriormente, aquí hablamos de las dos películas japonesas que hemos visto el fin de semana (cuando las vemos), comentándolas un poco y recomendándolas. Como ya hicimos con Nuestra Hermana Pequeña / Godzilla y con Maravillosa Familia de Tokio / Godzilla Contraataca, esta semana hablamos de otra pareja de películas nuevamente dispares entre sí. Por un lado, una de las películas más reconocidas de Takeshi Kitano, El Verano de Kikujiro, y por otro, siguiendo con el famoso lagarto radioactivo, King Kong vs Godzilla.

Empecemos:

El Verano de Kikujiro

 

Hoy comenzamos con El Verano de Kikujiro (Kikujiro no Natsu), estrenada en Japón en 1999 y dirigida, escrita y protagonizada por "Beat" Takeshi Kitano, siendo una de las películas más personales e íntimas del cineasta, considerado hoy como uno de los mejores directores del cine japonés contemporáneo.

<< El argumento se centra en Masao, un niño de nueve años que vive con su abuela y que durante las vacaciones de verano decide salir él solo a buscar a su madre, a quien nunca conoció.  

Antes de poder fugarse, y mientras estaba siendo atracado por unos chicos mayores, una amiga de su abuela le encuentra y le dice a su marido, Kikujiro, que acompañe a Masao en su búsqueda. El problema es que Kikujiro es un antiguo yakuza, y su conducta no es la adecuada para estar con un niño tan pequeño. >>

Lo cierto es que nos ha encantado. Esperábamos algo más sobrio, quizá más dramático (aunque, en todo caso, sí sabíamos que estaba alejado del estilo más característico del "Kitano-yakuza"). Pero lo que nos encontramos es una acertada mezcla entre comedia gamberra, road movie y cine familiar.

Kitano, en su papel de ex-yakuza incapaz de comportarse como una persona normal, está increíble y es quien le da toda la vida a la película. Con su personalidad infantil y malencarada causa todo tipo de situaciones de lo más absurdas y rocambolescas, provocando problemas a todo personaje que encuentran en su viaje (robando, apostando, quedándose en un hotel sin pagar... por mencionar algunas de las gamberradas que comete). Y es que, en esta película, "Beat Takeshi" es un (entrañable) cabronazo de cuidado, dejando ver una vez más un sentido del humor que ya demostró con su exitoso programa Takeshi's Castle (Humor Amarillo en España) y que no se refleja con tanta frecuencia en su cine. Desde luego, no es la mejor influencia para un niño pequeño. 

Por lo demás, la película se hace bastante ligera, tiene situaciones muy divertidas que la hacen muy amena, y resulta muy tierno ver como Kikujiro y Masao se van volviendo mas cercanos en una suerte de relación paterno-filial. La estructura característica del género road movie contribuye enormemente, junto con el ritmo pausado y la atención a las múltiples situaciones cómicas, a hacer de la película un agradable viaje (nunca mejor dicho). 

Por sacarle un pequeño contra, podría decirse que la segunda mitad de la película produce una ligera sensación de pérdida de rumbo al no tener ya un objetivo en el viaje más que simplemente pasarlo bien y divertir al niño con juegos varios. No obstante, estas escenas no son menos divertidas y contribuyen a redondear la relación entre Kikujiro y Masao.

Por último, pero no menos importante, queremos hacer mención a la soberbia BSO, compuesta por el inigualable Joe Hisaishi, habitual colaborador de Takeshi Kitano.

En resumidas cuentas, una divertida road movie cómica con toques de drama y costumbrismo japonés (y Takeshi Kitano haciendo el capullo, ¿qué mas se le puede pedir?).

King Kong VS Godzilla

Y en segundo lugar, seguimos nuestro particular ciclo de Godzilla con la tercera película de la franquicia, nuevamente dirigida por Ishiro Honda, y en la que el monstruo japonés más famoso se enfrenta al monstruo americano más famoso, King Kong. Estrenada en 1962 en Japón, King Kong vs Godzilla tuvo también, al igual que la primera película de la saga, una versión americana con el metraje editado para el público occidental (cosa que, en este caso en el que se enfrenta a un icono del cine occidental, es una medida lógica para la época). Pero aquí, como siempre, hablaremos de la versión original.

<< Una expedición científica organizada por Mr. Tako, presidente de una firma de productos farmacéuticos, viaja a la Isla Farou para recoger bayas rojas con fuertes poderes somníferos. En la isla los miembros de la expedición descubrirán un gorila de enormes dimensiones que acabarán llevándose a Tokio. El gigantesco simio será utilizado después por las autoridades para detener a Godzilla, liberado después de la explosión del iceberg que le mantenía prisionero, con un apoteósica lucha final en el Monte Fuji. >>

Teníamos bastantes ganas de verla, ya que le estamos cogiendo el gustillo al lagarto radiactivo... y además enfrentándose al simio gigante mas famoso del cine. Dos iconos del séptimo arte, japonés y americano, dándose de hostias. No se nos ocurría película mas cafre, cutre y entretenida al mismo tiempo para ver (o sí, pero no con Godzilla y King Kong xD).

Y el caso es que estamos algo divididos con esta película. Por un lado, la historia es lenta, mucho más que en las anteriores películas. Retrasando toda la acción y dejando el enfrentamiento entre ambos colosos (que es lo que cualquiera anda buscando cuando ve esta película, no nos engañemos) para el final de la película (literalmente, pues apenas se produce durante los últimos minutos de cinta). Y por supuesto, tiene mucha menos profundidad que en las anteriores películas de Godzilla, dejando casi de lado la reacción social y política ante la crisis (claro, si es que se van acostumbrando si les atacan cada dos por tres...).

Por otra parte, en esta película nos encontramos con un Godzilla bastante mas "realista" y logrado, tanto por los movimientos mucho más naturales y fluidos, como por la propia calidad del traje. Aunque esto puede deberse en parte a que es la primera de la saga a color. Y una batalla que, aunque muy retrasada y breve, es de las mejores que hemos visto hasta ahora. En otras entregas decíamos que daba gusto ver a Godzilla destruir, pero ver a estos dos titanes luchar sí que es un gusto. Una batalla brillante (dentro de las limitaciones de la época y con el encanto de las mismas), sin duda. 

Lo que se refiere a King Kong, no se queda atrás. El simio se luce tanto o más que Godzilla, y su batalla contra un pulpo gigante hacia la mitad de la cinta es de las mejores escenas de la película. Se podría decir que King Kong es el punto de interés, ya que es la primera vez que estas dos criaturas del cine de monstruos se enfrentan. Sin olvidar que sin King Kong, Godzilla no existiría, ya que se le puede considerar en cierto modo el precursor del género kaiju-eiga, por lo que esta película puede entenderse también como un homenaje al monstruo. 

Además, cabe destacar que han respetado muy bien la esencia y origen de King Kong, siendo casi idéntido al de la primera película de 1933, lo cual es un gran punto a favor para esta cinta.

En resumen, un buen homenaje y una pelea bestial (nunca mejor dicho), que sin embargo se hace algo tedioso y lento... hasta llegar a un final apoteósico. En general nos ha gustado menos que las anteriores, pero tiene su encanto.

Y hasta aquí el Finde de Cine de esta semana pasada. Esperamos que os haya gustado, que os anime a ver las películas de las que hablamos y que, si habéis visto alguna de ellas, nos dejéis vuestras impresiones.

¡Hasta la próxima!

[FINDE DE CINE] Maravillosa Familia de Tokio / Godzilla Contraataca

¡Un saludo y bienvenidos a La Bandera de la Libertad!

Aquí estamos una semana más, continuando con la sección recientemente estrenada Finde de Cine, en la que la semana pasada hablamos de Nuestra Hermana Pequeña y de la primera película de Godzilla.

Como sabéis, en esta sección hablaremos (en los fines de semana que corresponda) de las dos películas japonesas que hayamos visto viernes y sábado, comentándolas un poco para recomendarlas (o quizá no) y dar nuestras impresiones al respecto.

Esta semana, como podéis ver, es el turno de la última película del clásico director Yoji Yamada Maravillosa Familia de Tokio (Kazoku wa Tsurai yo) y de la segunda película de la saga de Godzilla, Godzilla Contraataca. ¡Empecemos!

Maravillosa Familia de Tokio

En primer lugar tenemos Maravillosa Familia de Tokio (Kazoku wa Tsurai yo), película estrenada en 2016 en Japón (y que actualmente acaba de estrenarse en algunos cines españoles, lo cual siempre es una buena noticia) y dirigida por el incombustible Yoji Yamada (Tora-san, Una Familia de Tokio), uno de los grandes nombres del cine japonés, que a sus 85 años sigue ofreciendo al mundo grandes películas. 

<< Todo comienza cuando Tomiko le pide a su marido Shuzo un "regalo" de cumpleaños inesperado: una solicitud de divorcio. A partir de ahí, los problemas se irán desarrollando de forma cada vez mas hilarante, implicando a toda la familia. >>

El veterano Yoji Yamada busca regresar al género de la comedia en sus últimos años, intentando recuperar quizá el espíritu de su gran saga de 48 películas Tora-san (a cuyo título en japonés, Otoko wa Tsurai yo (Qué duro es ser un hombre), hace un guiño en el título original de esta nueva película, Kazoku wa Tsurai yo (Qué duro es ser una familia)). Además, en apenas unos días, se estrena en Japón la segunda entrega de esta nueva y deliciosa saga de comedia familiar.

El director recupera para esta saga al mismo elenco de actores con el que ya triunfó en 2013 con Una Familia de Tokio (Tokyo Kazoku), su remake/homenaje a la legendaria Cuentos de Tokio (Tokyo Monogatari, 1953) de Yasujiro Ozu. La estructura familiar guarda ciertos paralelismos con aquella, y muchos de sus personajes conservan los mismos nombres, como tomando el gran clásico como referente del modelo de familia japonesa para crear una suerte de "sitcom" en forma de largometraje.

La película es muy entretenida y muy ligera de ver, y aseguramos que saca más de una sonrisa y hace imposible no encariñarse con los personajes. Todo ello, además, sin perder el delicioso encanto del costumbrismo totalmente japonés. 

La comedia, puramente familiar, establece una sátira de la familia media japonesa, e incluso podemos leer en ella una especial crítica al papel relegado de la mujer en estas familias tradicionales (cosa que vemos cuando Tomiko explica los motivos por los que quiere el divorcio). De escenas relativamente normales pasa a otras que alcanzan un considerable grado de histrionismo, casi esperpénticas, pero sin llegar a resultar demasiado absurdas. Están perfectamente comedidas para lograr el ritmo óptico en una comedia dramática y arrancar las risas del espectador.

Una joya que mas de uno disfrutará. Absolutamente recomendada para todo amante de la cultura japonesa. Esperemos que la secuela mantenga el nivel y de lugar a muchas más (por cuestiones de esperanza vital no llegará a las 48 entregas de Tora-san, pero no nos importará que dure varios años).

Si tenéis algún cine cerca en la que se proyecte, por favor, no dejéis de ir a verla. Como dice el título, es maravillosa.

Godzilla Contraataca

En segundo lugar y por segunda semana consecutiva, tenemos con nosotros al rey de los monstruos, el gran lagarto radioactivo Godzilla, pues hablaremos de la segunda película de la historia de la saga, Godzilla Contraataca (Gojira no gyakushû), estrenada en 1955 y dirigida por Motoyoshi Oda. Seguimos profundizando en la saga más famosa e icónica de la corriente kaiju-eiga.

<< Godzilla se enfrenta esta vez a un nuevo monstruo, Anguilas, un extraño gigante cuadrúpedo acorazado prehistórico, destruyendo en su lucha, una vez más, las ciudades de Japón. >>

Argumentalmente no tiene mucho más tema que la anterior: un nuevo Godzilla aparece y ataca el país, obligando a los japoneses a defenderse de la criatura.

En cuanto a la película, es algo inferior a la original a nivel argumental, pues esta, aunque no exenta de la dimensión social y burocrática que caracterizaba a la primera, está mucho mas centrada en la acción dejando lo demás un poco mas a parte. Seguramente sería esta la dirección que tomarían a partir de aquí las películas del género, ya que al final lo que el público quería ver eran monstruos rompiéndolo todo.

Eso sí, las escenas de acción resultan mucho más pulidas que en la primera película, y el hecho de que haya dos kaijus en pantalla luchando al mismo tiempo da muchísimo juego a la acción y las batallas.

Un filme clásico y frenético que, aunque no cumpla a la hora de estar al nivel de la anterior, resulta ser una buena película de monstruos gigantes. Le vamos pillando el gusto al kaiju-eiga, la verdad.




Y hasta aquí hemos llegado esta semana. Esperamos que os haya gustado, que veáis las películas (Maravillosa Familia de Tokio en el cine a ser posible, apoyemos la iniciativa) y que compartáis vuestra opinión.

¡Hasta la próxima!

[FINDE DE CINE] Nuestra Hermana Pequeña / Godzilla (1954)

¡Un saludo y bienvenidos a La Bandera de la Libertad!

Volvemos un día más al blog para estrenar una nueva sección, centrada en esta ocasión, como podéis deducir, en el cine japonés. ¿En qué consiste? Fácil: los fines de semana acostumbramos a ver un par de películas, las cuales frecuentemente son japonesas. Así, las semanas en que veamos un par de ellas, presentaremos después unas minireseñas conjuntas de ambos filmes, a modo de pequeño comentario y recomendación. 

Para comenzar con estos Finde de Cine, esta semana hemos visto el reciente éxito internacional Nuestra Hermana Pequeña y el clasiquísimo Godzilla. Una pareja algo dispar para comenzar, tanto en época, como en estilo, como en género. Pero eso lo hace más interesante, ¿no? Pues comencemos:

Nuestra Hermana Pequeña

En primer lugar tenemos Nuestra Hermana Pequeña (Umimachi Diary), película estrenada en 2015 y dirigida por Hirokazu Koreeda (Kiseki, Nadie sabe, Caminando), uno de los directores más aclamados del cine japonés contemporáneo. Basada en el manga ganador del premio Manga Taisho Umimachi Diary de Akimi Yoshida, la película recibió el reconocimiento de crítica y público en todo el mundo al ser presentada en los más importantes festivales internacionales. 

<< Nuestra Hermana Pequeña nos cuenta la historia de las 3 hermanas Kouda, residentes en Kamakura, en la antigua casa familiar que perteneciera a sus abuelos, donde se trasladaron cuando su padre las abandonó por otra mujer y su madre, afectada por el divorcio, se marchó lejos. 

Al morir su padre, las hermanas se enteran de que este tuvo una cuarta hija, Suzu, de 15 años, con su segunda esposa, a la que tienen la oportunidad de conocer al asistir al funeral. Su madre falleció años antes, por lo que las tres hermanas le proponen a Suzu que vaya a vivir con ellas a Kamakura si no quiere quedarse con la tercera esposa del padre. La chica acepta de buen grado, y las cuatro comienzan a convivir juntas. >>

Nuestro primer contacto con el laureado Koreeda, y no podía haber sido una experiencia más positiva. Es una película absolutamente maravillosa en todos los sentidos. Encontramos en Nuestra Hermana Pequeña un relato puramente costumbrista, en una línea muy clasicista, siguiendo la estela de los grandes maestros como Yasujiro Ozu (Cuentos de Tokio, El sabor del sake) o Kenji Mizoguchi (Cuentos de la luna pálida de agosto, Las hermanas de Gion). Aunque con un estilo cinematográfico evidentemente más moderno, Koreeda mantiene el mismo espíritu del costumbrismo japonés clásico. Ritmo pausado, ambientación rural, temática familiar e íntima... Es una película en la que no hay que buscar ningún tipo de argumento básico con planteamiento, nudo y desenlace. Lo único que nos ofrece es un retrato de la vida cotidiana y del día a día de las hermanas conviviendo en la misma casa, con sus conflictos amorosos, problemas familiares, etc.

Y todo ello lo hace con un considerable grado de maestría. Nuestra Hermana Pequeña es una de esas películas capaces de atrapar al espectador, rodeándolo con su ambiente de cotidianidad; de emocionarle con sus realistas acontecimientos de la vida; y de relajarle con su característico tempo narrativo pausado y tranquilo.

Tenemos muchas ganas de ver mas películas del director, pues esta nos ha encantado. Nada más que decir, una obra costumbrista grandiosa y que conserva lo mejor del costumbrismo clásico japonés. Brillante.

Godzilla

Y en segundo lugar vamos con in más ni menos que el clasiquísimo filme del kaiju-eiga (cine de monstruos gigantes). Iniciador, de hecho, de este género tan popular en el Japón de los años 50 y 60, hablaremos de Godzilla (Gojira), la primera película de las ya más de 30 protagonizadas por el icónico lagarto gigante que es hoy en día todo un icono de la cultura popular japonesa, reconocible en todo el mundo. Estrenada en 1954 y dirigida por Ishiro Honda, responsable de muchas de las más famosas películas del kaiju-eiga, Godzilla es una pieza absolutamente imprescindible para cualquier amante de la cultura nipona. 

<< Japón se ve amenazado por el ataque de una monstruosa criatura producto de la mutación por la radiación nuclear que ha surgido en el Pacífico. >>

Es a todas luces innecesario hacer mayor hincapié en la sinopsis de una película como esta, pues como es normal en el género, y más aún en la pionera del mismo, su premisa es bien simple y directa.

No obstante, a pesar de su absoluta simpleza y de su evidente cutrez (estamos hablando de una película en la que un monstruo gigante destruye una ciudad rodada en 1954, no perdamos eso de vista), cabe destacar lo sorprendente de su planteamiento. Y es que el filme no se centra tanto en el propio ataque de Godzilla a Tokio, sino en cómo el gobierno japonés debe afrontar la crisis que se le viene encima. Casi podríamos tildarla de una suerte de "thriller político con un monstruo gigante". Es un producto surgido en una sociedad muy peculiar como lo es la japonesa, y como tal acaba mostrando, involuntariamente, el funcionamiento de su mentalidad y forma de ser ante una crisis extrema. Gestión lenta y burocrática propia de una sociedad tan firme y cuadriculada. 

También queremos señalar cómo se refleja el miedo a la radiación que en estos momentos aún recorría Japón. Apenas 9 años atrás sufrían los devastadores bombardeos atómicos de Hiroshima y Nagasaki, y dada las exigencias energéticas del país y sus escasos recursos naturales, también debían echar mano de la energía nuclear como fuente de energía principal para el día a día, con todos los riesgos que esto conlleva y en un momento en el que esta forma de energía aún estaba comenzando a explotarse en el mundo. Mientras unos iconos culturales como Astroboy de Osamu Tezuka buscaban paliar la demonización de la energía nuclear mostrando sus aplicaciones positivas para el desarrollo del país, otras como el kaiju-eiga se hacían eco del temor a las consecuencias de la radiación.

Pero, por supuesto, las escenas de acción y destrucción tampoco escasean. Y están hechas lo mejor que se podía en esos momentos y con esos presupuestos tan reducidos, todo hay que decirlo. Por supuesto han envejecido bastante mal, y se puede apreciar los escasos recursos en efectos especiales que tenían... pero tienen un encanto bastante especial que hace que no resulten realmente desagradables.

Esta película inició un género, probablemente la aportación más icónica de Japón a la historia del cine, y por tanto es de visionado obligatorio para cualquier interesado en el cine nipón.

Esperamos ver próximamente más películas de la franquicia, especialmente la recientemente estrenada Shin Gojira, para la que, creemos, será conveniente haber visto unas cuantas más de las clásicas.

Y esto ha sido todo por hoy. Esperamos que os hayan gustado estos pequeños comentarios-reseñas de ambas películas y que os hayan animado a verlas si no lo habéis hecho ya. Esperad, probablemente, una nueva entrega de esta nueva sección Finde de Cine la semana próxima si os ha gustado esta. 

¡Hasta la próxima!

[PRIMERAS IMPRESIONES] Temporada de Primavera 2017 (Parte 4)

¡Un saludo y bienvenidos a La Bandera de la Libertad!

Pues aquí os traemos finalmente la última parte de nuestras primeras impresiones sobre los estrenos de anime de la presente temporada de primavera de 2017, tras haber publicado en los días pasados las partes primera, segunda y tercera, aquí enlazadas.

Recordad que para esta sección elegimos los estrenos que más nos llaman la atención por un motivo o por otro y opinamos respecto a su primer episodio, para decidir si seguir viéndolo hasta el final, darle unos capítulos de margen o simplemente no perder más tiempo con él. Y como siempre decimos: no tenemos en cuenta las secuelas directas de series preexistentes, por lo que no hemos hablado de los Shingeki, ni de Boku no Hero Academia, ni similares.

Así pues, comencemos con esta última parte, en la que hablamos de los animes Eromanga-sensei, Zero kara Hajimeru Mahou no Sho, Fukumenkei Noise y Atom: The Beginning. 

Eromanga-sensei

Pues comenzamos esta última parte con Eromanga-sensei, adaptación de las novelas ligeras del mismo título escritas por Tsukasa Fushimi, autor de OreImo, a cargo del estudio A-1 Pictures (tan habitual en adaptaciones de novelas ligeras). De entrada, todo muy similar a la otra obra del autor, motivo por el que sus fans esperaban con ganas este estreno. Veamos qué tal... 

<< Masamune Izumi es un estudiante de instituto además de un autor de novelas ligeras con una hermana, Sagiri Izumi. Sagiri es una hikikomori que no sale que su cuarto y a la que Masamune tiene que prepararle la comida a diario cuando ésta golpea el suelo de su habitación. Masamune lucha cada día para que su hermana se abra al mundo exterior, puesto que ambos son la única familia que tienen. Como toda novela ligera que se precie, requiere de un ilustrador y en el caso de las novelas de Masamune se trata de un misterioso dibujante bajo el seudónimo de “Eromanga Sensei”, que hace unas alucinantes ilustraciones eróticas. Masamune le está muy agradecido por su trabajo, aunque él mismo no lo conoce en persona y cree que tiene que ser un otaku de lo más grimoso. Pero un buen día, la verdad acaba saliendo a la luz y dejando a Masamune perplejo, ¡el salido Eromanga Sensei no es otro que su mona hermanita! Entre ellos además se entrometerá una popularísima y guapísima escritora que pondrá la casa de los Izumi patas arriba. >>

Probablemente aquellos que ya hayan visto o leído con anterioridad OreImo tendrán una fuerte sensación de dejà vu en este primer capítulo de Eromanga-sensei. Demasiado fuerte. La premisa inicial es tan absurdamente parecida que casi puede considerarse autoplagio, pero habrá que ver cómo continúa desde aquí.

Una serie pensada para que el "prota otaku" se vaya enamorando y pillando sin demasiado sentido de su "hermanita la tsundere" después de mucho tiempo sin verse (en este caso por una absurda visión del trastorno del hikkikomori). Dicho de otro modo, encontramos personajes totalmente prototípicos de novela ligera y una promesa de argumento no mucho más original. Además, aunque al principio lo intentan ocultar, es muy fácil darse cuenta de que la hermanita es Eromanga-sensei (qué casualidad).

Los diseños de personajes acompañan a sus personalidades, pues son totalmente estandarizados sin nada de especial ni memorable. La animación, eso sí, es bastante decente, aunque tampoco llega a ningún nivel estratosférico.

Al menos la temática de autores de novelas ligeras le da un toque más atractivo, pero claramente dista mucho de ser un "Bakuman de novelas ligeras", lo cual sí sería realmente interesante. 

Impresión Inicial: Mediocre

Zero Kara Hajimeru Mahou no Sho

Vamos ahora con otra adaptación de novelas ligeras, en este caso autoría de Kakeru Kobashiri, a cargo del estudio White Fox. Como es evidente, en este caso nos encontramos ante una serie de fantasía épica al más puro estilo, y eso es lo que más nos llamaba la atención a la hora de verlo. Ya sabréis que solemos ver los estrenos de este género, pues normalmente ofrecen diseños y escenarios muy agradecidos para la vista. Y en este caso, el protagonista zoomorfo tan en la línea de Guin Saga (aunque su rostro es mucho más afable en este caso) llama especialmente la atención.

<< La serie de fantasía cuenta la historia de una bruja llamada Zero y un mercenario mitad bestia que desea ser un humano completo. Las brujas que practican la magia existen en este mundo, sin embargo, en esta era nadie sabe sobre el arte y el estudio de la brujería. Zero emprenderá un viaje en busca de un tomo mágico llamado “El libro de Zero”, el cual esconde el poder de destruir el mundo. El mercenario será su escolta en esta aventura. >>

Si bien finalmente no guarda gran similitud con Guin Saga, pues este estreno pertenece a una fantasía mucho más blanca, también puede acabar siendo una buena serie del género.

El protagonista masculino se hace querer bastante, aunque la bruja esté en una línea más cliché, y lo cierto es que este primer capítulo presenta una historia bastante interesante. Sin desmarcarse demasiado de la fantasía épica clásica, tenemos que destacar precisamente que ello es lo que dota a la serie (al menos de entrada) de un toque más occidental de lo habitual.

La animación es muy decente, sin ser tampoco ningún alarde, y los diseños, como siempre en estos casos, muy llamativos, destacando especialmente el protagonista con su aspecto de tigre blanco antropomorfo.

Seguramente lo sigamos, y esperemos que se desarrolle bien, ya que tiene potencial para ser algo bueno de verdad.

Impresión Inicial: Buena

Fukumenkei Noise

Adaptación del manga shojo homónimo de Ryoco Fukuyama por parte del estudio Brain's Base y a cargo del director Hideya Takahashi (Keijo!!!!!!!!). A todas luces, el shojo de la temporada, en este caso con temática musical de fondo. También se ha anunciado una adaptación a película de imagen real que se estrenará a finales de este año.

<< Nino Arisugawa, una chica que adora cantar, experimenta por primera vez el dolor de tener que despedirse de su compañero de la infancia, Momo, que se muda. Después de la partida de Momo y tras hacerse amiga de Yuzu, un compositor, ¡Nino tiene que volver a experimentar otra triste separación! Con la música como única conexión y enlace, ¿cómo acabará este amor no correspondido? Como los dos chicos le prometieron que se volverían a reunir gracias a su canto, Nino se aferra a esa esperanza y sigue intentando que su voz les llegue. Ya en el instituto, Nino vuelve a reunirse por casualidad con Yuzu, pero anhela ver a Momo de nuevo... >>

Efectivamente, podemos calificar este estreno de "el shojo de la temporada".

No nos ha sorprendido ni impresionado en ningún sentido, pues no se sale de los estándares del shojo romántico escolar, pero lo cierto es que su temática musical es bastante atrayente (aunque tampoco esto es ningún elemento novedoso). Algunas de sus canciones son buenas y destaca bastante por los efectos sonoros que tiene la serie en general.

La animación es simplemente correcta en la mayor parte del episodio, pero su uso del CGI es notablemente desastroso, aunque es cierto que casi siempre que se emplea es en escenas de plano largo y con poca iluminación o con flashes de luz propios de un concierto, por lo que queda bastante disimulado y no molesta tanto su mala calidad. En lo que respecta a los diseños, una vez más, nada que destacar: estilo estándar de shojo escolar actual (si bien el arte de la autora en el manga parece tener más personalidad, no se ha transmitido al anime).

Obviamente no va a ser ninguna obra maestra, pero de entrada cumple bastante con lo que cabe esperar de una serie de estas características. Veremos un par de episodios a ver qué tal sigue.

Impresión Inicial: Buena

Atom: The Beginning

Finalizamos las impresiones de esta temporada por todo lo alto con uno de los estrenos más esperados del año por nosotros (y buena parte de la comunidad): Atom: The Beginning, adaptación del manga de Masami Yuuki (Patlabor) y Tetsuro Kasahara, basado en la celebérrima Astroboy (Tetsuwan Atom) de Osamu Tezuka y bajo la supervisión de su hijo Makoto. Y para añadir más leña al fuego, Production I.G se encarga de la adaptación. El manga cuenta los orígenes de Astroboy (Atom) a modo de precuela al manga original, lo cual nos genera una cierta reticencia que explicaremos a continuación, pero de entrada parece una obra hecha con todo el respeto y cariño al Dios del Manga y su creación. Veamos qué tal.

<< He aquí la historia del nacimiento del héroe eterno Atom (Astroboy), creado por los profesores Tenma y Ochanomizu en su juventud, en una época en la que se dedicaban en cuerpo y alma a la investigación robótica. Fruto de sus esfuerzos nace A106, un poderoso robot que bien puede ser un amigo o un nuevo dios entre los hombres… >>

Como decíamos, le teníamos bastante echado el ojo teniendo en cuenta que es una precuela de Astroboy. y de primeras, la verdad es que ha cumplido bastante en casi todos los aspectos.

A nivel técnico, como siempre cabe esperar de Production I.G, cuenta con una animación de muy buen nivel, en la que destacamos además el escaso uso de CGI, lo cual ya es casi un milagro en un anime de hoy en día (y encima sobre robots). Los diseños, uno de los puntos más críticos a la hora de modernizar un clásico, están realmente conseguidos, especialmente los de los robots (a cargo, por lo que tenemos entendido, de Masami Yuuki, que a pesar de ser únicamente el guionista del manga ha colaborado en los diseños mecánicos dada su experiencia como autor de Patlabor). En lo que respecta a las personas, el trabajo de rejuvenecimiento de Ochanomizu y Tenma está bastante logrado, aunque alejándose bastante del estilo original de Tezuka.

El único problema que hemos tenido con esta obra desde que conocimos su existencia es que no sabemos qué pretende narrar exactamente. Si únicamente se limita a seguir los años de universitarios de los dos protagonistas mientras avanzan en el campo de la robótica, no hay ningún problema. Pero si finalmente pretenden que A106 sea más que un prototipo de estudios para que se convierta definitivamente en Astroboy (Atom) al final del manga, entonces entramos en un conflicto con la obra original, pues en esta, el robot más fuerte del mundo fue creado únicamente por el doctor Tenma tras la muerte de su único hijo, a su imagen y semejanza, en un vano intento de recuperar a su Tobio, y tras darse cuenta de que el robot nunca sustituiría al hijo perdido, lo abandonó y fue el doctor Ochanomizu quien se hizo cargo de él.

Pero en resumidas cuentas, si la cosa va por buen camino será una serie francamente buena. Evidentemente la seguiremos.

Impresión Inicial: Buena

Y hasta aquí han llegado nuestras primeras impresiones de la actual temporada de primavera de 2017. Como siempre, esperamos que os hayan gustado y sido de utilidad, y os invitamos a compartir vuestras opiniones iniciales respecto a los estrenos de esta temporada.

¡Hasta la próxima!

[PRIMERAS IMPRESIONES] Temporada de Primavera 2017 (Parte 3)

¡Un saludo y bienvenidos a La Bandera de la Libertad!

Bien, pues continuemos un día más con nuestras primeras impresiones de los estrenos de anime de la presente temporada de primavera de 2017, tras haber publicado las partes primera y segunda en los días pasados. 

Ya que esta es una temporada con muchas secuelas muy esperadas (Shingeki no Kyojin, Shingeki no Bahamut, Boku no Hero Academia, etc.), volvemos a recordar que no tenemos en cuenta las segundas temporadas o continuaciones directas en general de obras preexistentes. Solo hablaremos de los estrenos nuevos que nos hayan llamado la atención.

Así pues, comencemos esta tercera parte, en la que comentaremos, como podéis ver, los estrenos Kabukibu!, Clockwork Planet, Re:Creators e ID-0.

Kabukibu!

Adaptación de las novelas (no ligeras) del mismo título de Yuuri Eda, a cargo de Estudio Deen (vaya si les ha dado de repente por las artes tradicionales japonesas, después del rakugo), con diseños de personajes de las CLAMP y, como es evidente, centrado en la forma teatral tradicional del kabuki. Desde luego, este es uno de los estrenos que esperábamos con más ganas desde que se anunció. ¿Cumplirá con las expectativas?

<< La historia gira en torno a Kurogo Kurusu, un estudiante de instituto que adora el kabuki hasta el punto de resultar molesto. Kurogo anhela interpretar esta forma teatral como parte de un club de su instituto, pero este no tiene club de kabuki. Así pues, Kurogo decide crear él mismo dicho club, y su primera tarea es captar miembros. >>

Otro estreno que nos ha gustado bastante, aunque en este caso lo esperábamos.

Como comentábamos, es curioso cómo Deen está empezando a interesarse por hacer animes de artes escénicas tradicionales japonesas, y cómo, además, los está haciendo bastante bien, volcándose bastante a pesar de su fama de "estudio low-cost" de los últimos años. De hecho, la animación, sin ser la panacea, es bastante buena viniendo de ellos, y de los diseños poco podemos decir: más allá de los gustos de cada cual, vienen de unas autoras consagradas como lo son CLAMP.

El tema del kabuki, como todo lo que esté relacionado con las tradiciones niponas, nos llama bastante la atención, y si este anime lo desarrolla en serio (y parece que así será, a juzgar al menos por este primer capítulo, que se muestra bastante didáctico) puede que salga algo bastante bueno.

Y ya no queda mucho más que decir, ya que este episodio es bastante introductorio, pero nos interesa bastante, así que lo seguiremos.

Impresión Inicial: Buena

Clockwork Planet

Adaptación de las novelas ligeras de Yuu Kamiya (No Game No Life) y Tsuyoshi Nagasawa, a cargo del estudio Xebec. Pocas cosas llaman realmente la atención de este estreno más allá de su intento de estética de steampunk. Y conocer al autor detrás de las novelas no ayuda mucho a abrir el apetito. Pero démosle el beneficio de la duda.

<< La historia se desarrolla en un mundo que fue destruido y más tarde reconstruido utilizando mecanismos de relojería. Un día, fuera de la casa de un joven de instituto de nombre Naoto Miura, cae de repente una extraña caja, en cuyo interior se encuentra una chica autómata. Un interminable ciclo de fracaso y éxito. Un mundo variable y una humanidad invariable. Momentos en que la realidad y la fantasía gritan, ¡el encuentro entre ellos dos provocará que los engranajes del destino comiencen a moverse. >>

Si hubiera que definir este estreno con una sola palabra, sería sin duda "típico".

No tiene absolutamente nada que no se haya visto ya miles de veces, incluyendo los diseños, que parecen hechos con un molde para cualquier serie de este tipo (incluso el más trabajado, que es el de la protagonista, ya lo hemos visto otras veces, como en la Nigromante de Kore wa Zombie desu Ka?, mismamente). Si se puede señalar algo positivo en este apartado es el diseño de la ciudad y entornos, que sin llegar a crear un ambiente totalmente steampunk, resultan bastante atractivos gracias a la integración de todos esos engranajes y elementos mecánicos.

La animación se limita a cumplir con su cometido, sin destacar en ningún sentido. Y por lo demás, una serie cliché que no cumple ninguna de nuestras expectativas. así que obviamente no la seguiremos.

Impresión Inicial: Mala

Re:Creators

Probablemente este sea uno de los estrenos más esperados por gran parte del público. Nuevo anime original creado por el mangaka Rei Hiroe (Black Lagoon), quien también realiza los diseños de personajes, y dirigido por Ei Aoki (Fate/Zero, Hourou Musuko, Aldnoah.Zero) para el estudio TROYCA (un estudio muy modesto pero que suele ofrecer un buen nivel técnico). No obstante, de entrada parecía demasiado típico... ¿Estará finalmente a la altura?

<< Los humanos han creado muchas historias. Alegría, tristeza, ira, emoción profunda. Las historias sacuden nuestras emociones y nos fascinan. Sin embargo, estos son los pensamientos de los espectadores. ¿Pero qué pasaría si los personajes de la historia tienen “intenciones”? Para ellos, ¿somos existencias divinas para traer su historia al mundo? Nuestro mundo ha cambiado. Reparte castigo en el mundo de los dioses. En Re:Creators todo el mundo se convierte en un Creador. >>

Pues la verdad es que, sin ser ningún alarde, sí que ha resultado una sorpresa.

Siendo sinceros, el argumento es una tontería como un piano y típico hasta decir basta, pero una cosa no quita la otra: sabe cómo mantener al espectador pegado a la pantalla. La acción está bien hecha y es muy intensa (a pesar de no ser más que el primer capítulo y, como tal, de introducción) y si desarrollan bien el concepto puede salir algo bastante interesante, en cierto modo en la línea de la saga Fate, en la que el director ya tiene experiencia.

Por lo demás, la animación es bastante destacable en el buen sentido, la ambientación es interesante... Y los diseños de Rei Hiroe son francamente llamativos. Se podría decir que es el estreno más ambicioso de esta temporada, y con su promesa de 22 episodios puede llegar a cumplir.

Impresión Inicial: Buena

ID-0

Y para acabar con esta tercera entrega contamos con otra de las producciones originales de la temporada, en este caso dirigido por el irregular Goro Taniguchi (responsable tanto de grandes éxitos como Code Geass o Planetes, como de grandes fiascos como Active Raid), y del que sabíamos de antemano que iba dirigido a... cosplayers... Sí...

<< En la historia, I-Machines es el nombre que se otorga a los robots que actúan en terreno hostil. La estudiante de la Alliance Academy Maya Mikuri está pilotando un I-Machine cuando se ve involucrada en un incidente relacionado con piratas y termina como miembro de la tripulación de una nave espacial perteneciente a una compañía de excavación. >>

Y... al final está en la línea de fiascos de Active Raid del director.

Como único punto realmente positivo tenemos los diseños de los mechas (o cuerpos mecánicos, que sería el nombre más adecuado), que son bastante buenos y llamativos, y en ellos la animación íntegramente 3D-CGI no resulta tan desagradable (es más, queda bien). El principal problema con la animación viene cuando se trata de los personajes humanos, pues resulta realmente tosco y ortopédico, más de lo habitual en comparación con otras producciones de este año o el pasado.

Por lo demás... argumento muy pobre, nada llamativo y hasta aburrido. No la seguiremos

Impresión Inicial: Mediocre

Y hasta aquí la tercera parte de nuestras impresiones de esta primavera. Como os decimos siempre, compartid vuestras vibraciones respecto a estos estrenos, esperamos que os haya gustado y nos leemos en los próximos días con la siguiente entrega, en la que hablaremos de los animes Eromanga-sensei, Zero kara Hajimeru Mahou no Sho, Fukumenkei Noise y Atom: The Beginning.

¡Hasta la próxima!