[RESEÑA MANGA] Alabaster

Hola a todos. Hoy vamos a reseñar en nuestro blog una de las obras más oscuras y pesimistas del gran maestro Osamu Tezuka, el Dios del Manga. Una obra donde nos presenta a un antiheroe con un oscuro pasado: Alabaster.

Osamu Tezuka, Dios del Manga

Osamu Tezuka, nacido en Osaka en 1928 y fallecido en Tokio en 1989, se alzaría como el gran revolucionario del cómic y de la animación japoneses, en tanto que creador del manganime moderno, convirtiéndose así en el autor más importante de la historia del cómic nipón. Es por ello que acabaría recibiendo la consideración de "Dios del Manga".

Influido desde su infancia por la propia afición de su padre al manga, las obras teatrales de Takarazuka y, sobre todo, por el cine, especialmente por la animación de Walt Disney, Tezuka debutó profesionalmente en 1946 con Maa-chan no Nikki Choo (El Diario de Maa-chan), un yonkoma manga (tiras cómicas de cuatro viñetas), pero sería al año siguiente, en 1947, cuando publicaría la obra que cambiaría para siempre el curso de la historia del manga: La Nueva Isla del Tesoro (Shintakarajima), el primer manga argumental, es decir, es el primer cómic japonés que narraba una historia larga y con argumento, más allá de las simples tiras cómicas, en el que el autor ponía en práctica las técnicas cinematográficas aplicadas al dibujo, por oposición a las escenas de plano largo y estáticas. La Nueva Isla del Tesoro se convertiría en todo un best-seller de manera inmediata, y decenas de grandes autores posteriores (como Shotaro Ishinomori, Rey del Manga) confesarían abiertamente haber tomado la decisión de dibujar manga a raíz de su lectura en su infancia.

Desde ese momento, el jovencísimo Tezuka decide dedicarse profesionalmente al manga, aunque aun así continuaría su estudios universitarios hasta doctorarse en Medicina, profesión que no llegó a ejercer, pero cuyos conocimientos le servirían para crear múltiples obras. De esta primera época del autor podemos destacar obras como la comúnmente llamada "Trilogía de Ciencia-Ficción", compuesta por Lost World (1948), Metropolis (1949) y Next World (1951). Encontramos asimismo grandes clásicos como Astro Boy (Tetsuwa Atom, 1952-1968), su obra más icónica, o Jungle Taitei (El Emperador de la Jungla, conocida como Kimba, el León Blanco en Occidente, 1950-1954).

Entre 1953 y 1956, Osamu Tezuka marcó un nuevo hito en la historia del manga al publicar el primer shojo argumental de la historia, La Princesa Caballero (Ribbon no Kishi) en la revista Shojo Club, aunque generalmente sería más conocido el remake que el propio autor realizó en los años 60, publicado en la revista Nakayoshi.

En 1954 llegarían las primeras versiones de la que Tezuka consideró siempre la obra de su vida, Fénix (Hi no Tori), que podría empezar a publicar de forma más constante y firme desde 1967 y que continuaría hasta el día de su muerte, habiendo acabado unos meses antes el último arco argumental iniciado, aunque sin poder concluir el conjunto de la obra como él deseaba.

En la década de los 60, tras fundar el estudio Mushi Productions, Tezuka se dedicó en cuerpo y alma a la animación, aunque sin abandonar el manga, como había sido su sueño desde pequeño (convertirse en el "Walt Disney japonés"). Así, en 1963 se estrenaba en la televisión japonesa la primera serie de animación de ritmo semanal con capítulos de 24 minutos de duración, formato que se estandarizaría hasta el día de hoy: la adaptación de su Astro Boy.

A finales de la década de los 60, y sobre todo a partir de la quiebra de Mushi Pro. en 1973, Tezuka claudicó en su feroz oposición al manga para adultos que estaban creando algunos de sus antiguos discípulos (el gekiga), fundando la revista COM (la más representativa de la corriente gekiga junto con la Garo) y comenzando la publicación de sus primeras grandes obras adultas y oscuras, como Oda a Kirihito (Kirihito Sanka, 1970-71), Ayako (1972-73) o El Libro de los Insectos Humanos (Ningen Konchuuki, 1970-71).

Tras un periodo en que su popularidad comenzaba a decaer, Tezuka dio un golpe de efecto con Black Jack (1973-1983), una obra que inicialmente sería una mini-serie de 5 capítulos como "última oportunidad", pero con la que el inigualable autor demostraría que aún tenía mucho que decir y que se convertiría inmediatamente en una de sus obras más populares y exitosas. Así, renaciendo de sus cenizas como su Fénix -aunque nunca estuvo realmente muerto como autor-, Tezuka comenzaba la que generalmente se considera su época dorada, dibujando algunas de sus mayores obras maestras, como Buda (Buddha, 1972-1983), MW (1976-1978) o Adolf (Adolf ni Tsugu, 1983-1985).

Convertido en el indiscutible Dios del Manga y con unas 150.000 páginas dibujadas y varias decenas de obras de animación producidas, Osamu Tezuka fallecía en febrero de 1989, víctima de un cáncer de estómago, dejando inconclusas Gringo, Neo Faust y Ludwig B., además de los arcos aún no iniciados de Fénix.

¿De qué trata?

Alabaster nos cuenta la historia de James Block, un atleta negro que debido al color de su piel es rechazado de forma cruel por la mujer de la que estaba enamorado. Esto le provoca una ira tan intensa que acaba matando a un hombre y siendo condenado a prisión.

En la cárcel conocerá a un científico que le hablará de su proyecto, un rayo que puede volver invisibles a los seres vivos y a los objetos (pero a riesgo de provocar graves quemaduras e incluso la muerte).

Al terminar su condena, Block encontrará el laboratorio del científico y usará el rayo sobre si mismo. Pero este solo le volverá parcialmente invisible, quedando a la vista el interior de su cuerpo, pues solo la piel dejará de ser visible.

Desde ese momento se hará llamar Alabaster e iniciará una venganza contra aquellos que le hicieron daño en el pasado...

Nuestra Opinión

Nos encontramos probablemente ante la obra más pesimista de Tezuka, mostrándonos en su mayoría personajes desgraciados, que sufren por culpa del invento del científico. Toda la obra es oscura y pesimista y no llega a mostrar apenas momentos de felicidad.

Es interesante la figura de Alabaster, pues nos muestra el prototipo de antihéroe creado por Tezuka y que ha sido tomado como referencia para crear nuevos personajes antiheroicos a lo largo de la historia del manganime.

La historia es rápida y fluida, tal vez con un desarrollo algo escaso para ser una de las obras más oscuras del Dios del Manga, pero se nota la maestría del autor en cada página y nos muestra escenas que son capaces de quitar el aliento, como los planes de Alabaster o cierta escena de tono sexual entre dos personajes.

Una de las obras más oscuras de Osamu Tezuka, pesimista y sin atisbo alguno de felicidad. El desarrollo es algo pobre en comparación con otras obras del maestro, pero no deja de ser una maravilla.

Nota Final: 8,5 [ - Muy Bueno - ]

[RESEÑA ANIME] Appleseed Alpha

Hola a todos. Hoy vamos a reseñar la tercera de las películas dirigidas por Shinji Aramaki que adaptan la saga Appleseed de Shirow Masamune, las cuales ya hemos analizado anteriormente en el blog. En este caso hablaremos de su última adaptación, de 2014: Appleseed Alpha.

Como ya hemos mencionado, la presente película fue estrenada el pasado año 2014 bajo la dirección de Shinji Aramaki, director también de la reciente Capitán Harlock. Adaptación del manga homónimo de Shirow Masamune (mangaka conocido fundamentalmente por su obra Ghost in the Shell, cuya adaptación animada en forma de película por Mamoru Oshii le lanzó a la fama), este filme supone la cuarta traslación de la obra a la animación. En 1988 llegó la primera adaptación del manga en forma de OVA, pero sería en 2004 cuando se estrenó la primera película, Appleseed (también conocida como Appleseed: The Beginning), que vería su secuela en 2007 con Appleseed Saga: Ex Machina. Además, en 2014 se estrenó el reinicio de la saga, la ahora reseñada Appleseed Alpha. Las tres películas fueron dirigidas por Shinji Aramaki. Además, la franquicia cuenta con una serie de 13 OVA's con animación CGI, Appleseed XIII.

¿De qué trata?

En este caso nos encontramos no con una secuela, sino con un reboot de la saga donde Deunan y Briareos trabajan como cazarrecompensas en una Tierra devastada por la guerra para Two Horns, el líder de una antigua ciudad que se ha hecho poderoso a base de ciertos negocios ilegales.

Deunan y Briareos deciden retirarse, pues la condición del cíborg no le permitirá seguir realizando los encargos de Two Horns por mucho tiempo, sin embargo aceptan una última misión donde encontrarán a dos personas que les hablarán de Olympus, una ciudad utópica para la cual están realizando una misión secreta.

Nuestra Opinión

Lo que más destaca de la película, al igual que ocurre con sus predecesoras, es su apartado visual, mucho más realista que en las entregas anteriores, con un nivel de detalle y realismo tan espectacular que en ocasiones parece una película de imagen real. Se nota mucho la diferencia de año de estreno de las tres películas, especialmente en los fondos, que podrían pasar perfectamente por fotografías, y los personajes, los cuales están perfectamente detallados a pesar de algún ligero problema de expresividad casi imperceptible.

Las escenas de acción son brutales y destacan los diseños de armamento y personajes tanto o más que en las otras películas.

Sin embargo, el punto flaco de esta película es su argumento. No termina de enganchar como las otras, la ambientación es totalmente diferente y no atrapa de la misma forma que en The Beginning o Ex Machina, siendo Alpha más una película de acción apocalíptica que una de ciencia ficción futurista.

A pesar de ese punto flaco, el apartado visual junto a las escenas de acción hacen que sea imposible dejar de mirar la pantalla. Es imposible no maravillarse con esta joya visual, pero realmente es lo único que salva a esta película de ser una obra mediocre.

Una película apocalíptica con una  acción y una animación brillante, pero se queda ahí, no puede ofrecer nada más.

Nota Final: 8 [ - Muy Buena - ]

[RESEÑA ANIME] Appleseed Saga: Ex Machina

Hola a todos y bienvenidos un día más a La Bandera de La Libertad. Hoy en nuestra reseña hablaremos de Appleseed Saga: Ex Machina, la secuela de Appleseed: The Beginning, la cual reseñamos hace poco en el blog.

La película fue estrenada en el año 2007 y fue dirigida por Shinji Aramaki, director también de la reciente Capitán Harlock. Adaptación del manga homónimo de Shirow Masamune (mangaka conocido fundamentalmente por su obra Ghost in the Shell, cuya adaptación animada en forma de película por Mamoru Oshii le lanzó a la fama), este filme supone la tercera traslación de la obra a la animación. En 1988 llegó la primera adaptación del manga en forma de OVA, pero sería en 2004 cuando se estrenó la primera película, Appleseed (también conocida como Appleseed: The Beginning), precuela de la ahora reseñada Appleseed Saga: Ex Machina. Además, en 2014 se estrenó el reinicio de la saga, Appleseed Alpha. Las tres películas fueron dirigidas por Shinji Aramaki. Además, la franquicia cuenta con una serie de 13 OVA's con animación CGI, Appleseed XIII.

¿De qué trata?

Appleseed Saga: Ex Machina ocurre dos años después de los acontecimientos narrados en The Beginning. Deunan y Briareos acuden a una misión con los ES.W.A.T., donde Briareos es dañado e ingresado en un hospital hasta su recuperación.

Durante este periodo, se le asignará a Deunan un nuevo compañero llamado Tereus, quien por alguna razón tiene el mismo aspecto que Briareos cuando este aún no se había convertido en cíborg.

Deunan y Briareos tendrán que enfrentarse esta vez a una nueva amenaza que pone en peligro la seguridad de Olympus y su propia existencia.

Nuestra Opinión

Visualmente, Appleseed Saga: EX Machina supera por bastante a su predecesora. Los fallos de texturas e iluminación se han resuelto casi totalmente, los diseños de armamento, naves y maquinaria se ven muchísimo mejor con este nuevo estilo de animación CGI y los problemas de expresividad ya no son tan visibles.

Sin embargo aún se puede apreciar que el CGI no estaba perfeccionado del todo en ese momento por lo que sigue teniendo ligeros fallos.

El argumento que nos presenta la película, si bien es interesante, no alcanza el nivel de la primera y no engancha tanto. Aun así, no deja de tener una buena premisa y ambientación, acompañada de una geniales escenas de acción que mantienen en tensión y hacen de la película un buen espectáculo visual.

A pesar de su pequeño bajón de nivel respecto a su precuela, Appleseed Saga: Ex Machina sigue siendo una gran película de ciencia ficción con geniales diseños, secuencias de acción y una animación espectacular.

Bastante recomendable.

Nota Final: 8 [ - Muy Buena - ]

[PRIMERAS IMPRESIONES] Osomatsu-Kun (1988)

Saludos a todos y bienvenidos a una nueva entrada de La Bandera de la Libertad. Retomamos hoy de nuevo la recientemente estrenada sección Primeras Impresiones del blog para hablar de uno de los más importantes clásicos del manganime de humor, la segunda adaptación animada del manga de Fujio Akatsuka, emitida entre 1988 y 1989 en Japón, Osomatsu-kun.

Siendo uno de los manganimes más queridos entre el público japonés, Osomatsu-kun recibirá una nueva versión animada planteada como secuela de la obra original para conmemorar el que habría sido el 80º aniversario de su creador. Bajo el título de Osomatsu-san, la serie se estrenará el mes próximo en Japón.

Fujio Akatsuka, el rey del humor absurdo

Nacido en Manchuria en 1935, Fujio Akatsuka se apasionó por el manga al leer Next World (1948) de Osamu Tezuka e, inspirado por el Dios del Manga, comienza a dibujar y crea su primera historia con apenas 12 años, Diamong Island.

A los 18 años, Akatsuka se traslada a Tokio y su talento consigue llamar la atención del mismísimo Shotaro Ishinomori, futuro Rey del Manga, lo que le granjea la posibilidad de entrar al círculo del Tokiwa-so, los apartamentos de alquiler en los que convivieron muchos de los más importantes autores de manga de la historia entre las décadas de los 50 y los 60, entre ellos el mismo Tezuka, Ishinomori, los Fujiko Fujio, etcétera.

A pesar de la dureza de la vida de mangaka, Fujio Akatsuka persistió en su sueño y logró finalmente su primer gran éxito en 1958 con Nama-chan. A partir de entonces, el autor consiguió hacerse un hueco en el mundo del manga convirtiéndose en el mayor abanderado de la comedia absurda, creando grandes clásicos atemporales de la cultura popular nipona como Osomatsu-kun (1962-1969) o Tensai Bakabon (1967-1976). Se le atribuye, además, la creación del género del mahou shoujo (chicas mágicas) con la saga Himitsu no Akko-Chan (1962-1965).

Por desgracia, su salud no era especialmente buena y en 2002 fue ingresado por una grave dolencia, y se dice que pasó sus últimos años, desde 2004, en estado vegetativo hasta su fallecimiento en 2008. 

En el presente año 2015, en memoria del que habría sido su 80º aniversario, se estrena en Japón un anime basado en uno de sus grandes clásicos titulado Osomatsu-san.

¿De qué trata?

La serie nos presenta a Iyami (Koneho en la versión española), un estafador de grotesca dentadura y con pocas luces que debido a sus tretas siempre sale mal parado. Sus aventuras van acompañadas de los sextillizos Osomatsu, Chibita y demás curiosos personajes que siempre dan lugar a extrañas situaciones.

Nuestra Opinión

Lo mejor y lo más destacable de Osomatsu-kun es su humor absurdo, sin sentido alguno, con situaciones que dejan a uno totalmente sorprendido por su inverosimilitud pero a la vez por su genialidad. Básicamente la forma de hacer reír de este anime es dejar al espectador con la boca abierta, y a pesar de lo extraño que suene, es efectivo, pues la serie engancha y uno no puede dejar de verla, siempre deseando ver cuánto más puede degenerar el episodio. Una fórmula diferente pero que funciona.

Los personajes son carismáticos, todos tienen algo que los hace muy característicos y el autor sabe introducirlos en el momento adecuado para rizar más el rizo y crear una situación aún más descabelladas... y justo cuando parece que el rizo no puede rizarse más... lo riza un poco más.

Visualmente el estilo es sencillo y clásico, totalmente sesentero, propio de un autor del Tokiwa-so. Personajes sin demasiado detalle pero agradables a la vista, carismáticos y con diseños divertidos y caricaturescos. Los fondos están dibujados con un estilo simple y personal, pareciendo hechos por un niño pequeño en ocasiones pero que encajan perfectamente con el estilo de la serie.

Parece mentira que una serie que no tiene ni pies ni cabeza pueda ser tan perfecta y adictiva pero así es, cada episodio tiene situaciones más extrañas que el anterior que acaban haciendo reír. Además, al ser autoconclusivos, se convierte en una serie ligera que apetece ver en cualquier momento.

Una joya del humor como pocas.

Impresión Inicial: Muy Buena

[RESEÑA ANIME] El Profesor Layton y la Diva Eterna

Hola a todos. Hoy en nuestra reseña hablaremos de una película de animación basada en la famosa saga de videojuegos del Profesor Layton de Nintendo. Una de las más recientes licencias de Selecta Visión en España, El Profesor Layton y la Diva Eterna.

Estrenada en 2009 en Japón, la película se basa en los videojuegos de Level-5 y Nintendo para DS y 3DS El Profesor Layton, nacida en 2007. Cronológicamente, la película comienza después del cuarto juego, La Llamada del Espectro. No obstante, los sucesos se narran como un flashback y se sitúan en algún punto entre los dos primeros juegos, La Villa Misteriosa y La Caja de Pandora.

¿De qué trata?

En la película, el profesor recibe la carta de su antigua alumna, que ahora se ha convertido en una famosa cantante de ópera, invitándole a ver su actuación en un misterioso auditorio y solicitándole que resuelva un misterio que la atormenta.

Durante la representación, un misterioso individuo le dice a los espectadores que lucharán para conseguir la inmortalidad, jugándose su propia vida en el proceso, para lo que tendrán que resolver una serie de acertijos.

Luke y Layton se verán obligados a usar sus habilidades deductivas para salir ilesos de un misterioso juego que esconde mucho más de lo que piensan.

Nuestra Opinión

El Profesor Layton y la Diva Eterna es una película detectivesca en la más pura tradición del género de crimen y misterio, como Sherlock Holmes o la obra de Agatha Christie, con unos geniales acertijos que invitan al espectador a pensar también para resolverlos, haciendo la película más amena e interesante. Además mantiene totalmente la esencia de los juegos, lo cual es un gran punto a favor.

La película engancha desde el primer momento y su historia se desarrolla de forma genial hasta su impresionante clímax donde se mezclan el genero detectivesco con el sobrenatural y la ciencia ficción.

Visualmente nos encontramos con diseños sencillos de un estilo en cierto modo propio del manganime kodomo (infantil), iguales a los que podemos encontrar en la saga de videojuegos. Destacan además sus entornos y diseños de escenarios y maquinaria, bastante buenos y agradables a la vista. Por desgracia, el uso de CGI en algunos planos lo estropea un poco.

Una interesante película detectivesca que invita a pensar y encantará tanto a los fans del videojuego como a los que no conozcan la saga. Si te gusta Detective Conan, te gustará El Profesor Layton y la Diva Eterna.

Nota Final: 8 [ - Muy Buena - ]

[RESEÑA ANIME] Bayonetta: Bloody Fate

Hola a todos. Hoy en nuestra reseña hablaremos de la película basada en el famoso videojuego para Xbox 360 y PS3, Bayonetta. Una de las más recientes licencias de Selecta Visión en España, Bayonetta: Bloody Fate.

Estrenada en 2013 y basada en el videojuego de Platinum Games y Sega lanzado al mercado en 2010, la película Bayonetta: Bloody Fate fue dirigida por Fuminori Kizaki, también conocido por dirigir Afro Samurai (y su película Afro Samurai Resurrection), Bassilisk o el anime de X-Men.

¿De qué trata?

En la película, Bayonetta, una poderosa bruja que se dedica a cazar monstruos conocidos como Ángeles, recibe información de la ciudad perdida de Vigrid, donde alguien con respuestas de su pasado parece estar esperándola.

Durante el viaje hacia Vigrid, se encuentra con una misteriosa mujer de pelo blanco que parece tener respuestas a las preguntas de su pasado, de la muerte de su padre, y con una niña que la reconoce como su madre, a pesar de que Bayonetta nunca antes la había visto...

Nuestra Opinión

Visualmente lo que más destaca de Bayonetta: Bloody Fate es su animación y su ambientación, que se caracteriza por un estilo gótico y oscuro bastante curioso, y por unos geniales diseños de armas, enemigos y personajes (aunque la sexualización de los personajes femeninos es excesiva). Su apartado artístico puede recordar al de la película Vampire Hunter D: Bloodlust, visualmente fiel a las ilustraciones de Yoshitaka Amano para las novelas de la saga.

La animación es fluida y no abusa del CGI, por lo que las batallas son ágiles y las frenéticas secuencias de acción mantienen al espectador pegado a la pantalla en todo momento.

Desgraciadamente, la historia y los personajes son el punto mas flojo de la película, siendo una historia bastante simple y mediocre y los personajes carecen casi en su totalidad de desarrollo.

A pesar de resultar en exceso vacía, la película resulta entretenida y engancha rápidamente. Una opción perfecta para cuando apetece acción, disparos, peleas sin demasiada complicación argumental.

Una buena dosis de adrenalina para pasar un buen rato sin más. Visualmente es una pasada, pero el argumento flojea en exceso.

Nota Final: 7 [ - Buena - ]

[PRIMERAS IMPRESIONES] Ima, Soko ni Iru Boku

Hola a todos y bienvenidos a una nueva sección de La Bandera de la Libertad. Tras casi dos mesecitos ofreciéndoos reseñas de diversos mangas y animes, hoy hemos decidido empezar con una serie de entradas que ya habíamos pensado al crear el blog, y son las Primeras Impresiones. Como indica el nombre, en estos posts hablaremos de series que hayamos empezado a ver pero aún no hayamos acabado. Así, comentaremos qué nos va pareciendo el anime en sus primeros compases, ya que ello es algo que frecuentemente determina si una serie se termina de ver o se abandona. 

Es decir, no esperéis aquí una reseña completa, sino simplemente eso, unas primeras impresiones.

A partir de ahora, las entradas de la sección "Primeras Impresiones" podréis encontrarlas recopiladas en la pestaña Reseñas Anime (o Reseñas Manga en el caso oportuno), después del listado de reseñas.

Esta misma tarde hemos decidido empezar a ver Ima, Soko ni Iru Boku (Now and Then, Here and There) y, tras acabar los primeros cinco episodios de esta serie hemos decidido hacer esta pequeña entrada contándoos qué nos va pareciendo.

¿De qué trata?

Ima, Soko ni Iru Boku nos cuenta la historia de Sho, un chaval japonés impulsivo y enérgico que tras salir de clase de kendo encuentra a una chica sentada en lo alto de la chimenea de una fábrica.

Tras hablar con ella, Sho se ve transportado a un extraño y devastado mundo donde el agua y la comida escasean y se entrenan niños para servir como soldados en un horrible conflicto bélico que está teniendo lugar.

Nuestra Primera Impresión

Visualmente, la serie destaca por su animación, bastante fluida y con buenas secuencias de acción que la hacen tremendamente frenética y adictiva. Ima, Soko ni Iru Boku es una de esas series que te pueden mantener pegado a la pantalla perdiendo la noción del tiempo y cuyos episodios se hacen cortísimos debido a lo que logra enganchar.

También presenta una buena banda sonora que ambienta bastante bien la serie, especialmente las secuencias dramáticas y de acción. Podríamos decir, de hecho, que es uno de los puntos más fuertes de la serie.

Otro pequeño detalle visual que destaca en la serie son algunos de sus planos, de gran belleza y perfectamente construidos.

La historia por ahora es interesante y engancha, pero no es ninguna maravilla por el momento, aunque tendremos que ver cómo se va desarrollando.

Por el momento le daríamos a la serie una nota que rondaría el 7,5-8. Veremos si esto cambia conforme avancemos con ella.

Reseñaremos la serie una vez terminada (esperamos que para el próximo fin de semana la podamos finalizar), hasta entonces aquí tenéis las primeras impresiones.

Impresion Inicial: Buena

[RESEÑA MANGA] Afro Samurai

Hola a todos. Hoy hablaremos en nuestra reseña del manga de Afro Samurai, la famosa obra originalmente creada como doujinshi (manga amateur) que dio lugar al anime mas caro de la historia. Una historia de venganza, sangre, y acción que no deja indiferente.

Esta obra de Takashi Okazaki fue originalmente publicada entre 1999 y 2000 en forma de doujinshi, es decir, de manera no profesional. Pero no sería hasta 2007 cuando llamaría la atención del actor estadounidense Samuel L. Jackson, quien decidió producir una serie de animación en co-producción con el estudio japonés Gonzo, que finalmente constaría de 5 episodios y una película, en los que el propio Jackson puso voz al protagonista en inglés. Así, entre 2008 y 2009, Takashi Okazaki acabaría publicando un manga remake de su obra, esta vez si de manera profesional, que es el que reseñamos ahora.

¿De qué trata?

El manga nos cuenta la historia de Afro, un samurái negro que porta la cinta del número 2, una de las dos legendarias cintas que designan a los dos hombres más poderosos del mundo.

En su infancia, Afro vio morir a manos del anterior Número 2 (un pistolero llamado Justice) a su padre, el Número 1 y hombre mas poderoso del mundo. Desde entonces porta la cinta del Número 2, haciéndose cada vez más fuerte y preparando su venganza contra el hombre que le arrebató a su única familia.

Nuestra Opinión

Lo que más destaca de Afro Samurai a simple vista es su dibujo, con un estilo personal y con un toque neonoir apocalíptico bastante original, que logra una gran fluidez en batallas y escenas de acción. Destaca además el hecho de que la sangre esté coloreada, lo cual destaca sobre el manga en blanco y negro, dando un curioso efecto más sangriento y oscuro.

La historia no es demasiado innovadora y sus personajes no presentan demasiado desarrollo (destaca el pasado de Afro y Kuma), pero mas allá de esto no deja de ser una historia de venganza al más puro estilo Kill Bill (encantará a los fans de esta saga).

A pesar de esto, Afro Samurai es un manga ligero, intenso, sangriento y bastante adictivo. Una buena historia de acción con un final bastante sorprendente.

Su dibujo le da un estilo neonoir muy interesante y el hecho de poder ver la sangre en color lo hace aún más atractivo (pues las escenas sangrientas son numerosas).

Gore y acción en estado puro a pesar de su historia flojilla. Recomendable si buscas adrenalina y sangre.

Nota Final: 7 [ - Bueno - ]

[RESEÑA ANIME] Hellsing Ultimate

Hola a todos. Hoy en nuestra reseña hablaremos de una serie de 10 OVA's basadas en el famoso manga de Kohta Hirano: Hellsing Ultimate. Un anime sangriento, frenético, con un arte muy original y una gran historia.

Lanzadas entre 2006 y 2012, las 10 OVA's de unos 50 minutos de duración adaptan íntegra y fielmente el manga original Hellsing, dibujado entre 1997 y 2008 por Kohta Hirano (también autor de Drifters, aún en publicación, que recibirá adaptación animada el próximo año). Hellsing Ultimate fue creado para subsanar los desastrosos resultados de la primera adaptación del manga, en forma de serie de 13 episodios emitida en 2001, cuya historia se separaba radicalmente de la obra original, por entonces muy poco avanzada, tomando un rumbo considerablemente malo, resultando difícilmente disfrutable incluso para aquellos que ni siquiera conocen el manga.

¿De qué trata?

La historia se sitúa en Inglaterra, donde una organización conocida como Hellsing, lucha contra zombis, vampiros, ghouls y demás criaturas terroríficas para proteger la corona real británica y cuya arma más poderosa es Alucard, un poderoso vampiro controlado por la organización y leal a su líder, Lady Integra Hellsing.

Durante una peligrosa operación, Alucard se ve obligado a transformar en vampiro a Ceres Victoria, una policía novata que se ve involucrada en una invasión ghoul.

Alucard la entrenará como vampiresa para la Orden, mientras se enfrentan a Iscariote XIII, una sección secreta del Vaticano dedicada al mismo fin que Hellsing en el mundo católico, y a un poderoso enemigo del pasado que ha vuelto para vengarse.

Nuestra Opinión

Hellsing Ultimate destaca principalmente por su animación y sus diseños, de estilo macabro y oscuro, con un toque muy personal. Una animación espectacular que nos brinda unas grandes batallas y escenas de acción donde lo que mas veremos será sangre, sangre y más sangre.

La historia no se queda atrás, con un gran concepto bien desarrollado y una de las más increíbles guerras que se han hecho jamás en un anime (la cual ocupa la mitad de la serie) y que alcanza unos niveles apoteósicos.

Hellsing Ultimate, al contrario que su predecesor, es totalmente fiel al manga original, y lo adapta perfectamente, animándolo de forma brillante y convirtiéndolo en un anime adictivo que engancha desde el principio hasta el final.

Un anime con altas dosis de acción, sangre y con una historia genial con un buen desarrollo.

Muy bueno.

Nota Final: 9 [ - Magistral - ]

[RESEÑA ANIME] The Sky Crawlers

Hola a todos. Hoy en nuestra reseña hablaremos de una gran película de Mamoru Oshii, un gran director del que ya hemos hablado en varias ocasiones. En este caso hablaremos de una de sus obras de animación más recientes: The Sky Crawlers.

Estrenada en Japón en el año 2008, The Sky Crawlers se basa en la serie de novelas ligeras del mismo título publicadas entre 2002 y 2008, escritas por Hiroshi Mori (también autor de Subete ga F ni Naru, cuya adaptación animada se estrenará el mes próximo) e ilustradas por Kenji Tsuruta (Spirit of Wonder).

Mamoru Oshii, el director

Mamoru Oshii, nacido en 1951, es a día de hoy uno de los directores de animación japoneses más importantes y conocidos en el mundo entero. Su estilo caracterizado por las historias de ciencia ficción con gran carga filosófica y simbólica, no tan alejados de la mentalidad occidental, le han convertido en todo un icono del anime.

En 1980 comenzaba su carrera profesional al ingresar en Studio Pierrot, donde haría sus primeros trabajos como director, destacando parte de la serie de televisión de Urusei Yatsura (manga de Rumiko Takahashi) y sus dos primeros filmes, Only You y Beautiful Dreamer. Más tarde, en 1983, Oshii sería elegido por el estudio para dirigir un importante proyecto, que sería el debut de toda una nueva forma de distribución de producciones animadas: el lanzamiento directamente en formato doméstico. Así, Dallos, de 4 episodios de media hora de duración, se convertiría en la primera OVA de la historia. Poco después dirigiría una nueva OVA, Tenshi no Tamago (El Huevo del Ángel), en la que ya manifiesta su característica carga simbólica y filosófica en una obra de arte animada de difícil comprensión, contando con los diseños de Yoshitaka Amano (ilustrador de Final Fantasy, Vampire Hunter D...).

A partir de entonces, Oshii comenzaría a dirigir las grandes obras que le valdrían la consideración de la que goza hoy, como la franquicia Mobile Police Patlabor, Sky Crawlers o, las más significativas, Ghost in the Shell y Ghost in the Shell 2: Innocence.

¿De qué trata?

La película se sitúa en un mundo alternativo donde se está librando una guerra cuyas batallas se desarrollan en enfrentamientos aéreos en los que los pilotos son unos seres humanos modificados llamados Kildren, los cuales no envejecen a más allá de la adolescencia.

Yuichi Kanami llegará a la base aérea que se le ha asignado en sustitución de un piloto que murió en extrañas circunstancias. Pronto Yuichi se dará cuenta de la verdadera naturaleza del enfrentamiento que se está librando y descubrirá la cruda realidad sobre esa guerra...

Nuestra Opinión

The Sky Crawlers es una película que destaca principalmente por sus reflexiones y su filosofía sobre la guerra. La acción es a menudo dejada a un lado para mostrar escenas donde los personajes sufren y discuten acerca del enfrentamiento que se libra, su naturaleza y sus consecuencias, siendo este el principal punto fuerte de la película.

En ocasiones puede resultar algo lenta, pues es una película mayormente filosófica, pero contiene algunas secuencias de acción y batallas aéreas que, a pesar del CGI algo chirriante para la vista, se desarrollan con fluidez y ayudan a aligerar la trama en ocasiones.

Visualmente, y al igual que en muchas películas de Oshii, su punto fuerte es la ambientación y las numerosas escenas visualmente poéticas que lo caracterizan como director, todo acompañado de la gran banda sonora compuesta por Kenji Kawai (Ghost in the Shell).

A pesar de todo esto, la película no llega a alcanzar el nivel de otras obras de Oshii, pero no por ello deja de ser una gran película que vale mucho la pena disfrutar y que invita a reflexionar sobre su mensaje.

Una película algo lenta pero profunda con una buena animación y ambientación a pesar de su CGI.

Nota Final: 9 [ - Magistral - ]

[RESEÑA MANGA] Elfen Lied

Hola a todos. Hoy vamos a reseñar el manga que han inspirado uno de los animes más populares del presente siglo: Elfen Lied, de Lynn Okamoto (también autor de Nononono y Gokukoku no Brynhildr), una interesante obra de acción, drama, gore y misterio.

Publicado entre 2002 y 2005 en la revista Young Jump de Shueisha, el manga se convirtió con relativa rapidez en un éxito, hasta recibir una adaptación animada en 2004 en forma de serie de 13 episodios. Este anime, si bien no es fiel al argumento original de la obra, empeorándolo considerablemente, acabó siendo uno de los más populares hoy en día entre el público de todo el mundo, probablemente a causa de sus abundantes escenas sangrientas.

¿De qué trata?

La historia de Elfen Lied comienza con Lucy, una mutante de una especie conocida como Diclonius (los cuales nacen con cuernos en la cabeza y unos brazos invisibles llamados vectores con los cuales atacan) escapando de las instalaciones donde se encontraba presa bajo estricta vigilancia.

Durante su huida pierde la memoria y es encontrada desnuda en la playa pronunciando solo la palabra "Nyuu" por un chico llamado Kohta y su prima, Yukka. Al verla indefensa en la playa deciden llevarla a la posada Kaede, donde se están alojando.

Mientras tanto, la misteriosa organización que mantenía presa a la diclonius se está movilizando para recuperarla...

Nuestra Opinión

La historia de Elfen Lied tiene un concepto interesante, es adictiva, presenta giros de la trama sorprendentes a lo largo de su extensión... pero tiene unos inconvenientes que le hacen perder bastante calidad, empezando por su fanservice, innecesario y realmente burdo, dando la sensación de que hay personajes que solo están presentes para dar lugar a situaciones eróticas que no pintan nada en el argumento.

Otro error que comete son sus deus ex machina constantes, especialmente en su tramo final, donde personajes acaban recibiendo heridas o daños que son mortales pero reapareciendo ilesos más adelante, lo cual hace que la trama pierda algo de sentido en esos detalles.

También resulta algo empalagante y surrealista el romance entre Kohta y Yukka, el cual se desarrolla durante demasiados capítulos ralentizando la trama.

A pesar de esto, Elfen Lied resulta bastante entretenido y su trama es interesante cuando avanza sin caer en el fanservice. Sus misterios y escenas de acción la hacen bastante adictiva, y eso es un gran punto a favor.

El dibujo es bastante desproporcionado y esquemático pero mejora conforme avanza la trama, siendo mas agradable a la vista aunque sigue presentando ciertos fallos de proporción y perspectiva.

A pesar de todo esto, Elfen Lied es un buen manga, dinámico y entretenido con una buena historia (a pesar de los fallos ya mencionados).

Nota Final: 6'5 [ - Aceptable - ]

[RESEÑA ANIME] Goshu el Violoncelista

Hola a todos. Hoy en nuestra reseña hablaremos de Goshu el Violoncelista (Cello Hiki no Gauche), una de las primeras producciones del gran Isao Takahata antes de Studio Ghibli. Una buena película infantil muy divertida y agradable.

Estrenada en 1982, esta corta película de una hora de duración adapta el cuento homónimo del gran escritor japonés Kenji Miyazawa, autor de algunas de las obras literarias infantiles del siglo XX más queridas entre la población japonesa.

Isao Takahata, genio eclipsado

El director de la película que reseñamos en esta ocasión no es otro que Isao Takahata, quien pasa por ser uno de los mejores directores de la historia del cine de animación, no solo japonés, sino mundial. Co-fundador del prestigioso Estudio Ghibli, Takahata ha quedado frecuentemente eclipsado por la muy alargada sombra de su colega y amigo Hayao Miyazaki, cuya popularidad, especialmente en Occidente, es infinitamente mayor. No significa esto, no obstante, que Isao Takahata sea peor director, sino más bien al contrario, ya que es tan grande o incluso más que Miyazaki.

Nacido en 1935, Takahata se incorporó a las filas de Toei y debutó profesionalmente como director con Las Aventuras de Hols: Príncipe del Sol (Taiyou no Ouji Horusu no Daibouken) en 1968, en la que ya trabajó codo con codo con Hayao Miyzaki, encargado de la animación. 

Entre 1974 y 1978, trabajó para Nippon Animation dirigiendo tres de las más importantes series del contenedor World Masterpiece Theater (Sekai Meisaku Gekijo), que buscaba ofrecer adaptaciones a la animación de grandes clásicos de la literatura infantil, generalmente europea. Nos referimos a los clásicos Heidi (Alps no Shoujo Heidi), Marco (Haha wo Tazunete Sanzenri) y Ana de las Tejas Verdes (Akage no Anne), en los que Miyazaki participó nuevamente en la animación.

En 1985, Isao Takahata y Hayao Miyazaki se independizaron de todos los estudios y fundaron juntos el Estudio Ghibli, que acabaría convirtiéndose en uno de los más prestigiosos del mundo y que ha ofrecido grandes obras maestras de la animación. En Ghibli, Takahata ha dirigido hasta la fecha cinco películas, consideradas todas ellas auténticas obras de arte. En 1988 llegaría a las carteleras japonesas el drama antibelicista La Tumba de las Luciérnagas (Hotaru no Haka), la mayor obra maestra del director y una de las más importantes películas animadas de la historia. A ella le seguirían el drama costumbrista Recuerdos del Ayer (Omoide Poroporo, 1991), la fantasía ecologista Pompoko (Heisei Tanuki Gassen Ponpoko, 1994), la comedia familiar costumbrista Mis Vecinos los Yamada (Tonari no Yamada-kun, 1999) y, finalmente, El Cuento de la Princesa Kaguya (Kaguya-hime no Monogatari, 2013), adaptación del clásico de la literatura nipona El cortador de bambú (Taketori Monogatari).

Además de las películas dirigidas por él mismo, Takahata ha trabajado en diversos niveles de muchas de las producciones del estudio, especialmente en las de Miyazaki, desde la producción hasta la animación.

Otras de las películas dirigidas por Isao Takahata antes de la fundación de Ghibli son Goshu el Violoncelista (Cello Hiki no Gauche, 1982), adaptación del cuento homónimo de Kenji Miyazawa o Las Aventuras de Panda y sus Amigos (Panda Kopanda, 1972-1973). 

¿De qué trata?

La película nos cuenta la historia de Goshu, un violoncelista que ha empezado a tener problemas con el director de orquesta, dado que este le ha criticado su forma de tocar y de sentir la música, por lo que decide volver a su casa y practicar más para mejorar.

Goshu recibirá en su casa la visita de cuatro animales: un gato, un cuco, un mapache y un ratón, que le enseñarán la importancia de practicar, el ritmo, y el sentimiento de la música, inspirándole para tocar mucho mejor.

Nuestra Opinión

Goshu el Violonchelista es una película perfecta para ver con cualquier edad, puesto que su mensaje puede enseñarnos algo a todos. Además es una película muy recomendable para los más pequeños, por su temática y su forma de enseñar su mensaje a través de unos pequeños animales, de forma similar a las fábulas clásicas.

Visualmente la película no destaca demasiado, salvo por los diseños de los animales, con un estilo muy sencillo e infantil que resulta muy agradable a la vista y atractivo especialmente para el público más infantil.

Goshu el Violonchelista es una breve fábula con una importante enseñanza. Una película fantástica de uno de los grandes genios del anime. Entrañable, divertida y recomendable para todos los públicos. Una obra que hay que ver con alma de niño.

Nota Final: 8 [ - Muy Buena - ]