viernes, 17 de marzo de 2017

[LEIJIVERSO] Parte I: El Inicio de una Leyenda... La Reina de los 1000 Años



¡Un saludo y bienvenidos a La Bandera de la Libertad!

Hace unos días comenzamos finalmente nuestro largamente proyectada serie de especiales dedicada al Leijiverso, el universo compartido conformado por las obras del gran maestro Leiji Matsumoto. Y tras la publicación del post central e introductorio, como ya dijimos, empezamos ahora a publicar los artículos específicos en los que hablaremos de forma individualizada de cada obra del Leijiverso

Adelantamos también que no seguiremos un criterio cronológico para estos artículos, sino temático, tratando de seguir las historias de los protagonistas de este vasto mundo, pues nos parece el modo óptimo para exponer el desarrollo de la historia y las relaciones entre las obras.

En algunos artículos hablaremos de una sola obra, como en este caso, mientras que en otros nos parece más adecuado comentar varias juntas por su estrecha relación.

Así pues, dedicamos este primer artículo del especial, como no podía ser de otro modo, a la pieza del puzle que da el pistoletazo de salida a todos los acontecimientos de la Era Espacial del Leijiverso. Por supuesto, hablamos de la historia de La Andromeda Promethium II, Shin Taketori Monogatari: 1000-nen Joo, también conocida como Queen Millennia

Antes de comenzar, recordad que podéis pasaros por el post introductorio para consultar los pormenores generales del especial y, si lo necesitáis, el eje cronológico que proponemos para situar en el tiempo las obras.


Shin Taketori Monogatari: 1000-nen Joo (Queen Millennia)


Shin Taketori Monogatari: 1000-nen Joo (La Nueva Leyenda del Cortador de Bambú: La Reina de los 1000 Años), conocida frecuentemente con su nombre en inglés, más breve, Queen Millennia, es una de las obras principales de Leiji Matsumoto, si bien no la más conocida. Publicado entre 1980 y 1983 y recopilado en 5 tomos, el manga original fue adaptado a la animación tanto en formato de serie de televisión como en formato de película.

Exponemos a continuación la historia de esta obra. Encontraréis primero una breve sinopsis del planteamiento, libre de spoilers, y después un resumen somero del argumento. Nuestra recomendación para que podáis entender las relaciones del Leijiverso es leerlo todo y olvidaros del tema de los spoilers, ya que no son lo importante en este conjunto de obras. Pero queda a vuestra elección.

La historia

<< Año 1999 d.C. Un grupo de astrónomos japoneses, liderados por el profesor Amamori, descubre un cuerpo celeste de grandes dimensiones aproximándose a la Tierra a gran velocidad, identificado como un nuevo planeta del Sistema Solar, con una particular y anómala órbita excéntrica que provoca que tarde 1000 años terrestres en completar su ciclo de traslación. La colisión entre este planeta, La Metal, y la Tierra parece inminente: se producirá el 9 de septiembre de 1999 a las 9 horas, 9 minutos y 9 segundos… >>
Una vez cada 1000 años, cuando La Metal se aproxima a la Tierra, una joven lametaliana es enviada al planeta para gobernarlo en secreto, convirtiéndose en la protectora de la humanidad durante ese periodo de un milenio como la Reina de los Mil Años. Su objetivo último durante su reinado es el de prepararlo todo para la migración de una ingente cantidad de humanos hacia La Metal en calidad de esclavos, para que se encarguen del mantenimiento del planeta durante los 1000 años de invierno, tiempo que los lametalianos pasan en estado de suspensión vital en espera de la breve primavera que vive su mundo al aproximarse al Sol.


La actual Reina de los Mil Años, La Andromeda Promethium II, conocida entre los humanos como Yayoi Yukino, trabaja encubierta como la ayudante del profesor Amamori, que ahora se afana por encontrar algún medio para salvar la Tierra de la destrucción.

Con ayuda de su hermana Selene (quien originalmente iba a ostentar el cargo de Reina de los Mil Años) y de Hajime Amamori, el joven sobrino del profesor, Promethium/Yayoi toma la difícil decisión de rebelarse contra su pueblo y contra las órdenes de su propia madre, la reina La-Rela, al descubrir que las intenciones de esta son erradicar a la humanidad y trasladar la civilización de La Metal a la Tierra para no volver a sufrir los largos inviernos de un milenio. Promethium decide posicionarse del lado del planeta que la ha acogido cálidamente durante los últimos mil años.

Más allá de los planes de la reina, ambos planetas están a punto de colisionar por la influencia que sobre la órbita del planeta La Metal ejerce un agujero negro, tomado como una deidad por los lametalianos. Las veces que esto sucedió anteriormente, el choque ocasionó en la Tierra grandes cambios, como la formación de los continentes o la extinción de los dinosaurios, por lo que de suceder de nuevo, la humanidad estaría irremediablemente condenada.

Comienza entonces una guerra entre las fuerzas de La Metal y La Reina de los Mil Años, que se vale de sus propios recursos para enfrentar a sus antiguos compatriotas, al mismo tiempo que se traza un plan para desviar la trayectoria del agujero negro.

Una vez logrado su objetivo y ante la rendición de la reina La-Rela, la Tierra se ha salvado de la amenaza, pero La Andromeda Promethium II, Yayoi Yukino, debe regresar a La Metal, ahora completamente desviado de su órbita original y condenado por tanto a la deriva por el espacio en un invierno eterno

Queen Millennia en el Leijiverso

La relación de esta obra con el conjunto del Leijiverso es básica y fundamental, pues su situación cronológica la posiciona como el inicio de todo. Si bien veremos en futuras entregas, como indicamos anteriormente en el eje cronológico, que hay eslabones situados temporalmente antes de 1999, es esta obra la que da el pistoletazo de salida al épico relato espacial que abarcará más de un milenio.

Shin Taketori Monogatari: 1000-nen Joo narra el primer momento en el que la Tierra fue amenazada por la invasión de una civilización alienígena más desarrollada tecnológicamente, lo cual será una constante en los siglos posteriores (Gamilas, Illumidas, Mazon, etc.). A partir de este momento, en las primeras décadas del siglo XXI, como veremos en Submarine Super 99 y DNA Sights 999.9, la Humanidad comenzaría a desarrollar su tecnología a gran velocidad, alcanzando rápidamente la Era Espacial en la que se ambientará la mayor parte de nuestro relato.

Pero no acaba ahí la cosa, ni mucho menos, pues Queen Millennia guarda una relación mucho mayor y mucho más íntima con el posterior desarrollo de la historia. Como descubriríamos en las OVA’s Maetel Legend, de las que hablaremos en el próximo artículo, tras salvar a la Tierra, La Andromeda Promethium II acabaría convirtiéndose en la soberana de La Metal, planeta que, recordemos, ya se ha salido de su órbita milenaria y ahora vaga sin rumbo por el infinito mar de estrellas, condenado al eterno invierno.

Veremos entonces cómo Promethium llegó a dar a luz a dos hijas gemelas, a las que llamó Emeraldas y Maetel, fundamentales personajes de las obras principales del Leijiverso, y cómo, desesperada, acabó sucumbiendo a los hombres mecanizados,  convirtiéndose en la Reina Mecánica que amenazaría el universo.

Así, Queen Millennia nos cuenta el origen de una de las villanas principales del Leijiverso, antes de que sucumbiera a la oscuridad. Además, la dualidad que se presenta entre Promethium y su hermana Selene nos adelanta ya la dupla compuesta por las hermanas Emeraldas y Maetel y su aciago destino enfrentadas a las ambiciones de su madre, al igual que hicieran su madre y su tía al alzarse contra La-Rela.

Las versiones y propuesta de visionado

Para conocer la historia de Yayoi Yukino/La Andromeda Promethium II contamos con tres versiones posibles: el manga original, el anime de televisión y la película animada.

Empezando por el manga, publicado en Japón entre 1980 y 1983 y recopilado originalmente en 5 tomos, es la obra original de Leiji Matsumoto. Podemos afirmar por experiencia propia, además, que es una de las mejores piezas del Leijiverso en lo que a manga se refiere, si bien no sea de las más conocidas. ¿El único problema? Que en Occidente únicamente está licenciado en Italia en una edición de tres tomos, bajo el título de La Regina dei 1000 Anni. Si sabéis italiano u os creéis capaces de entenderlo a pesar de no haber estudiado el idioma (como es nuestro caso), os recomendamos fervientemente conseguir los tomos y leer esta gran obra en su formato original.

Por otro lado, tenemos la serie anime. Emitida entre 1981 y 1982, se trata de una adaptación, por lo que tenemos entendido (pues aún tenemos que verla), bastante fiel al manga, por lo que puede ser una buena alternativa si no podéis acceder a este. Consta de un total de 42 episodios, y para poder verla debéis saber que tan solo el fansub Live-eviL está trabajando en ella para subtitularla en inglés. Llevan algo más de la mitad, pero a un ritmo muy lento (hace unos 10 años desde que empezaron a traducirla). No obstante, podéis encontrar con relativa facilidad la serie completa doblada al español latinoamericano, con el título de La Princesa de los Mil Años. De este modo, podemos disfrutar de la serie sin problemas de comprensión.


Por último, tenemos la tercera versión disponible, la película animada de 1982 que adapta de forma condensada la historia del manga original, con ciertos cambios en el argumento para poder dar lugar a una película de dos horas perfectamente sólida por sí misma. Los cambios que se producen no resultan especialmente significativos, y hay que decir que esta película es una auténtica maravilla por sí sola. Es una alternativa perfectamente válida para familiarizarse con la historia de Promethium si no se puede acceder al manga, o para quien prefiera algo más rápido que la serie completa. En este caso, la película es fácilmente localizable subtitulada en español.

Ante la pregunta de qué ver, siempre responderemos que, si tenéis la ocasión, no elijáis una, sino que veáis/leáis todas las versiones, pues todas valen la pena y aportan, de un modo u otro, elementos al Leijiverso. No obstante, en este caso en específico podéis quedaros con cualquiera de las tres versiones, pues las tres contienen el aporte argumental necesario

Un importante aviso con SPOILER para aquellos que veáis la película y/o la serie: en estas versiones de la historia,
Evidentemente, esto genera un fallo de continuidad respecto a posteriores sagas, por lo que proponemos dos soluciones.

  • Lo más recomendable es que, simplemente, ignoréis el hecho específico de su muerte. En el manga no sucede, y por lo que veremos después en el Leijiverso, es evidente que La Andromeda Promethium II tiene que seguir viva después de los acontecimientos de su serie. ¿Por qué esto es lo más recomendable? Porque a lo largo de vuestro viaje por el Leijiverso tendréis que aprender a obviar ciertos elementos que generan problemas de continuidad de una historia a otra, pues es un universo que ha sido creado a lo largo de los años, con añadiduras y cambios, sin buscar siempre la cohesión argumental (aunque sí temática y estilística). Encontramos más de una versión de la muerte de Tochiro, del origen de la cicatriz de Emeraldas, del inicio de la relación entre los protagonistas, etc. Son detalles que será necesario dejar correr en pos de la historia principal.

  • La segunda opción nos la pone en bandeja el propio Leijiverso: si aceptamos la muerte de Promethium en 1999, entonces asumimos que La-Rela, tiempo después y ya de vuelta en La Metal, decidió clonar a su hija para que la sucediera en el trono. Sabemos que los lametalianos, una de las civilizaciones más antiguas y avanzadas del Leijiverso, cuentan con la tecnología necesaria para llevar a cabo la clonación humana, como se puede ver en Space Symphony Maetel





Y esto vendría siendo todo en esta primera entrega dedicada a La Andromeda Promethium II. Esperamos que os haya gustado y, sobre todo, que os esté resultando útil esta serie de especiales del Leijiverso. Y si tenéis alguna otra duda, no tengáis reparos en consultarlas en los comentarios.

Nos vemos próximamente con la segunda parte, en la que hablaremos de la historia de las hermanas Emeraldas y Maetel

¡Hasta la próxima!


sábado, 11 de marzo de 2017

[ESPECIAL] El Leijiverso



¡Un saludo y bienvenidos a La Bandera de la Libertad!

Bienvenidos una vez más después de un cierto tiempo de relajación por el blog, provocado por motivos de estudios y otras obligaciones. Pero eso no importa ahora. Estamos aquí para iniciar después de más de un año y medio de blog uno de los principales proyectos que teníamos desde que lo comenzamos: ofrecer una serie de artículos especiales dedicados, cómo no, al Leijiverso.

En este conjunto de artículos queremos hacer un repaso a todas las obras que conforman este vasto universo creativo, analizando la historia que nos cuenta cada una de ellas, su relación con el conjunto del Leijiverso y, cómo no, algunas propuestas de visualización. 

Propondremos, pues, un orden cronológico de los acontencimientos (todo lo exacto posible, pues nos enfrentamos a un universo cuyas cronologías no están oficialmente establecidas). que podréis leer en este mismo primer artículo introductorio. En los próximos días (y meses, con toda seguridad), iremos publicando artículos individuales en los que no seguiremos un orden necesariamente cronológico, sino más bien temático, para facilitar la explicación y comprensión de los acontecimientos.

Por supuesto, esta serie de artículos contendrán necesariamente spoilers sobre el desarrollo argumental de las obras comentadas, pues es el único modo humanamente posible de explicar las relaciones existentes entre unas y otras. No obstante, animamos a todos nuestros lectores a olvidar los problemas con los spoilers, pues, como aprenderemos a lo largo de estos especiales, en el Leijiverso no importa el destino, sino el viaje. No obstante, intentaremos marcar los spoilers que se puedan considerar más graves para los más sensibles.

¿Qué es el Leijiverso?

Comenzamos, pues, del modo más obvio: definiendo qué es el Leijiverso

El Leijiverso es el nombre que recibe entre la comunidad de fans el conjunto de obras de Leiji Matsumoto que se desarrollan en un mismo universo común y cuyos acontecimientos frecuentemente se entrelazan entre sí, especialmente compartiendo los personajes y emplazamientos clave, así como otros elementos como armas o naves, que se pasean libremente entre las múltiples obras que componen este gran universo compartido.

El Leijiverso no solo comprende los mangas creados por el maestro Matsumoto, sino también los animes relacionados con estos, muchos de los cuales no tienen correspondencia en papel y fueron creados bajo supervisión directa del maestro. Por tanto, nos encontramos con un universo multimedia, lo cual en ocasiones complicará llegar a conocer todas las obras, especialmente por la falta de traducción de algunos de los mangas en Occidente. No obstante, en estos especiales intentaremos suplir esas carencias para que podáis conocer todos los sucesos posibles de esta gran creación.

Hay que señalar como característica muy importante que el Leijiverso ha ido construyéndose a lo largo de las décadas y que Leiji Matsumoto no tenía intención inicial de hacer un universo compartido en sentido estricto, sino simplemente un conjunto de autorreferencias entre sus obras. Sería en la segunda mitad de los años 90 cuando el maestro decidiría cohesionar definitivamente su universo (para lo cual fue fundamental el segundo ciclo de Galaxy Express 999 y, sobre todo, las dos OVA's de Maetel Legend). Por tanto, encontraremos con frecuencia elementos que no encajan del todo, varias versiones de un mismo acontecimiento o varias explicaciones para una misma consecuencia, pero lo fundamental en el Leijiverso no es la cohesión estricta argumental, sino espiritual y temática. 


Cronología aproximada

Y bien, como hemos comentado unos párrafos más arriba, procedemos ahora a ofrecer una cronología aproximada en la que poder situar las diferentes obras que componen el Leijiverso. Nuestra propuesta es que podáis utilizar esta cronología a modo de guía para encajar aproximadamente cada "pieza" del rompecabezas, pero no creemos que sea la mejor manera de afrontar el visionado de las obras. Nuestra propuesta de visualización/lectura será con criterios temáticos, y para ello desarrollaremos a lo largo de las próximas semanas o meses los artículos independientes. 

> Siglo XIX - Gun Frontier. Primeros antepasados conocidos de Harlock y Tochiro en plena expansión norteamericana hacia el oeste.
> Siglo XX - La Arcadia de mi Juventud (Prólogo y flashbacks). Las primeras escenas de la película La Arcadia de mi Juventud y sus flashbacks nos hablan de otros antepasados más próximos de Harlock y Tochiro, esta vez  en las Guerras Mundiales. 
> 1999 - Queen Millennia (Shin Taketori Monogatari: 1000-nen Joo). Pieza fundamental del Leijiverso, la historia de La Andromeda Promethium II, Reina de los 1000 Años, y el planeta La Metal, en el año terrestre 1999 d.C. 
> 20XX - Submarine Super 99.
> 2024 - DNA Sights 999.9. El aporte fundamental de estas dos últimas al Leijiverso es mostrar el avance tecnológico de la Tierra, ya en plena escalada hacia la Era Espacial que se iniciará en el siglo siguiente.
> 2199-2220 - Uchuu Senkan Yamato. La saga completa del Yamato, con su propia cronología (en este caso muy sencilla y lineal, con la única complicación de que hay algunas versiones alternativas y remakes de algunas partes). Por estar esencialmente aislada del resto de acontecimientos, será lo último que desarrollemos al final de los especiales.
> Maetel Legend. En un punto indeterminado de la cronología, que unos sitúan en torno a finales del siglo XXIII terrestre y otros en el XXVII, La Andromeda Promethium II, antigua Reina de los 1000 Años, ahora gobernante de La Metal, da a luz a dos gemelas, Emeraldas y Maetel. Siendo estas jóvenes, la reina es corrompida por las máquinas y se alza el Imperio Mecánico, una de las mayores amenazas del universo.
[ - En algún momento a mediados del siglo XXX terrestre nacen Phantom F. Harlock y Tochiro Oyama - ] 
> La Arcadia de mi Juventud (Waga Seishun no Arcadia). Reunión de Harlock, Tochiro y Emeraldas y huida de la Tierra como forajidos a bordo de la Arcadia, decididos a protegerla de la amenaza de los ilumidas.
> La Arcadia de mi Juventud: Órbita sin Fin SSX (Waga Seishun no Arcadia: Mugen Kidou SSX). Continuación directa de la película. [SPOILER]  
> Space Symphony Maetel. Maetel da un último voto de confianza a su madre y regresa a La Metal. Su hermana Emeraldas y sus fieles amigos Harock y Tochiro la acompañan para prevenir lo que pueda suceder.  
> Cosmo Warrior Zero. Más aventuras de juventud de Harlock, esta vez en su lucha contra Zero, oficial de las fuerzas terráqueas que busca darle caza. El motivo para situar aquí esta serie es una frase pronunciada por Maetel en su breve aparición: "La próxima vez que nuestros caminos se crucen, mis ropas estarán teñidas de luto", adelantando el icónico vestuario negro que luciría posteriormente y que no llevaba en ninguna de las apariciones anteriormente mencionadas.
 [ - En algún punto situado aproximadamente en estos momentos se produciría el verdadero momento de la muerte de Tochiro - ]
> Queen Emeraldas. Las aventuras en solitario de Emeraldas, ya invadida por la melancolía de la pérdida de su gran amor.
> Galaxy Express 999 (Primer ciclo). Primer viaje de Tetsuro Hoshino a bordo del Galaxy Express 999 acompañado por Maetel, destinados a la destrucción del Imperio Mecánico de la ahora malvada Reina Promethium.
> Shin Uchuu Senkan Yamato / Chou Jikuu Senkan Mahoroba / Galaxy Express 999 (Segundo ciclo). Tres obras creadas casi simultáneamente en la época de cohesión del Leijiverso y cuyos acontecimientos se entrelazan.
> The Galaxy Railways (Ginga Tetsudo Monogatari). Serie centrada en el funcionamiento y administración de los trenes galácticos.
[ - Situaríamos aquí la muerte de Emeraldas, probablemente de pura tristeza por la pérdida de Tochiro, pues su aparición en el segundo ciclo de Galaxy Express 999 y la constatación de su fallecimiento antes del inicio de Capitán Harlock no dejan otra posibilidad - ]
> Capitán Harlock, pirata espacial (Uchuu Kaizoku Captain Harlock). La aventura principal del capitán de la Arcadia contra las invasoras Mazon.

Y de este modo dejamos establecida nuestra propuesta de cronología, fuera de la cual hemos dejado las piezas que pertenecerían a versiones o universos alternativos, que sí serán tratadas en los artículos posteriores. Quizá podría incluirse como última parte la serie Capitán Harlock: Outside Legend: The Endless Odyssey, que está a medio camino entre la versión alternativa y la secuela del original.

Artículos y propuesta de visionado

Iremos enlazando a continuación los artículos sobre cada una de las partes que componen el Leijiverso según los vayamos publicando, para que queden perfectamente recopilados en este post. 

En ellos, como hemos adelantado, no trataremos las obras en el orden cronológico que hemos dado arriba, sino siguiendo un criterio basado en el argumento que cuentan y cómo se interrelacionan entre sí, pues es la forma que nos parece más adecuada para su visionado. 

Respecto a la pregunta de "¿Y por dónde empiezo?", os proponemos dos posibilidades: podéis seguir el orden que trataremos en esta serie de artículos, o bien lanzaros a ver una de las dos series troncales (Galaxy Express 999 y Capitán Harlock) e ir ampliando a partir de ahí. Si elegís esta última opción, nuestros artículos os servirán para entender del todo las relaciones entre las obras.

Así pues, los artículos a continuación expuestos seguirán la estructura: argumento de la obra comentada, relación de la obra con el conjunto del Leijiverso, propuesta de visionado o lectura y accesibilidad de la misma (formas de conseguirlo legalmente, idiomas, versiones subtituladas en Internet, etc.).










Y esto ha sido todo por el momento. Esperamos que os guste y, sobre todo, que os sea muy útil para adentraros en este fantástico mundo que es el Leijiverso. Esperamos veros pronto en los artículos que compondrán el cuerpo del especial.

¡Hasta la próxima!

jueves, 23 de febrero de 2017

[Grandes Autores] Mamoru Hosoda



¡Un saludo y bienvenidos a La Bandera de la Libertad!

Después de casi un año de publicar la primera entrega de nuestra sección Grandes Autores, dedicada al gran maestro Satoshi Kon, por fin hemos decidido retomarla con un segundo artículo, que vuelve a versar sobre un director de animación. Concretamente, como podéis ver, hoy queremos hablar de Mamoru Hosoda, uno de los directores japoneses de animación más destacados del panorama contemporáneo, que en los últimos años se ha alzado como una de las grandes promesas de futuro del medio gracias a sus 4 películas originales hasta la fecha. 

Recordamos que la estructura de esta sección consiste, básicamente, en presentar una pequeña biografía del autor en cuestión, comentando su trayectoria profesional y sus obras, seguida de unos breves comentarios, a modo de "micro-reseña", de sus creaciones más destacadas (o de todas ellas en caso de ser un autor con una producción poco extensa).

Mamoru Hosoda, joven promesa

Mamoru Hosoda, nacido el 19 de septiembre de 1967 en Kamiichi (prefectura de Toyama), se ha destacado en los últimos años como uno de los directores de animación más prometedores de la industria japonesa contemporánea.

Al ver en su infancia la película Lupin III: El Castillo de Cagliostro (1979), dirigida por Hayao Miyazaki y basada en la famosa obra de Monkey Punch, el joven Mamoru Hosoda empezó a ver claramente su futuro en el mundo de la animación. Así, se acabaría graduando en la Universidad de Artes de Kanazawa, tras lo cual haría un primer intento de trabajar para el Estudio Ghibli, donde podría encontrarse con su admirado Miyazaki. No obstante, Hosoda fue rechazado, por lo que finalmente entraría a formar parte de Toei Animation en 1991.

En Toei, Hosoda realizaría sus primeros trabajos como animador y en otros puestos menores de la producción en varias series del estudio, como Dragon Ball, Sailor Moon o Digimon Adventure. Concretamente, comenzaría a llamar la atención con su muy remarcable trabajo en la dirección de las dos primeras películas de esta última franquicia, Digimon Adventure: The Movie (1999) y Digimon Adventure: Bokura no War Game (2000).

Sería de este modo como finalmente el prestigioso Estudio Ghibli le buscaría para que se hiciera cargo de la adaptación animada de la novela europea El Castillo Ambulante. No obstante, la pretendida autosuficiencia de Hosoda le saldría cara al no querer pedir ayuda para la realización del storyboard, lo que le llevó a no ser capaz de cumplir los plazos de entrega. A causa de este error de soberbia, Ghibli prescindió de él, siendo finalmente el propio Hayao Miyazaki quien se haría cargo del proyecto.

Creyendo que su carrera estaba acabada y que ningún estudio volvería a confiar en él tras su fracaso con GhibliHosoda regresó a Toei Animation, resignado a continuar el resto de su vida haciendo los trabajos menores que había ido desempeñando en la producción de grandes franquicias. Pero sería gracias a este regreso, con la dirección del episodio 40 de la serie Magical DoReMi, que el director volvería a llamar la atención, en esta ocasión del mismísimo Masao Maruyama, legendario productor de animación, responsable de muchas de las mayores obras maestras de la animación nipona, descubridor de múltiples diamantes en bruto y cofundador del estudio MADHOUSE (del que posteriormente se marcharía para fundar MAPPA).

Gracias al patronazgo de MaruyamaHosoda consiguió la oportunidad que tanto esperaba y que le lanzaría al estrellato: la dirección de la película La Chica que Saltaba a Través del Tiempo (Toki wo Kakeru Shojo), en 2006. Esta película, junto con Summer Wars en 2009 y Wolf Children (Ookami Kodomo no Ame to Yuki) en 2012, convertirían a Mamoru Hosoda en uno de los directores más prestigiosos de la actualidad. Su última película hasta la fecha, El Niño y la Bestia (Bakemono no Ko), estrenada en 2015 en Japón, batió sus propios récords en taquilla, convirtiéndose rápidamente en el filme que le garantizó a Hosoda la consideración internacional de "genio de la animación", de la que goza hoy en día, establecido ya como todo un referente y con millones de ojos puestos en su prometedora futura trayectoria profesional.

Obra de Mamoru Hosoda: Películas

Digimon Adventure / Bokura no War Game (1999/2000)


Nos encontramos aquí ante los dos primeros trabajos como director de Mamoru Hosoda, que son estas dos películas de Digimon Adventure producidas por Toei Animation: Digimon Adventure: The Movie y Digimon Adventure: Bokura no War Game (ambas lanzadas en Occidente como Digimon: La Película en una versión editada que unía estas dos y la primera película de Digimon Adventure 02 en un solo metraje).

En la primera de ellas, un breve filme de unos poco más de media hora, se narra el primer encuentro de Tai y Kari (así como de los demás Niños Elegidos) con un digimon durante su infancia; mientras que en la segunda, Bokura no War Game (Nuestro Juego de Guerra), presenciamos el ataque de un digimon maligno, Diaboromon, a Internet, causando una catástrofe a escala global, en una aventure que sirve como secuela de la serie original y en la que se introdujo por primera vez a Omnimon (Omegamon en japonés). 

Estas películas son principalmente las que le dieron a conocer y, además, ya se pueden apreciar en ellas diversas facetas a las que daría rienda suelta en sus futuros proyectos independientes, como la importancia de la familia y el amor fraternal, o las nuevas tecnologías e Internet. El estilo de animación y los diseños de personajes en ambos filmes ya adelantan la personalidad propia que Hosoda acabaría imprimiendo a sus proyectos animados, y notaremos especialmente la influencia de Bokura no War Game, a todos los niveles, en su segunda película independiente.

La Chica que Saltaba a Través del Tiempo (2006)



<< ¿Qué harías si pudieras dar marcha atrás en el tiempo? Esta es la pregunta que se hace Makoto Konno, una muchacha normal y corriente, cuando un buen día descubre que posee la habilidad de saltar literalmente a través del tiempo. Gracias a este don, Makoto puede hacer lo que quiera: evitar los accidentes, repetir los exámenes tantas veces como quiera, comer sus platos favoritos hasta hartarse, ayudar a sus compañeros con sus primeros amores… Pero muy pronto descubre que todo está interconectado y que sus actos, por bienintencionados que sean, pueden llegar a tener consecuencias nefastas en las vidas de aquellos que la rodean. Cambiar el pasado puede ser un don muy peligroso, especialmente cuando se tiene que aprender a vivir sin él... >>
Punto de inflexión decisivo en su carrera, La Chica que Saltaba a Través del Tiempo (Toki wo Kakeru Shoujo) fue su primera película independiente, gracias al patronazgo del productor Masao Maruyama

Más concretamente, la película constituye una especie de secuela de la novela del mismo título del novelista Yasutaka Tsutui (también autor de Paprika, novela adaptada por Satoshi Kon a la animación), cuya protagonista pasa a ser la misteriosa tía de la protagonista de la película.

Con esta película, Hosoda pudo por fin mostrar su talento y todo lo que era capaz, se trata de una joya emotiva y divertida, con una animación excelente que caracteriza todos sus trabajos y una historia de amor y madurez. Una de sus mejores películas hasta la fecha y a la cual se le debe que Hosoda sea hoy en día considerado uno de los mejores directores de animación actuales.


Summer Wars (2006)



<< ¡Bienvenidos al mundo de OZ, la mayor red social de Internet! Conectándose a través de un ordenador, una televisión o un teléfono, millones de personas se introducen en este mundo virtual y adoptan la forma de avatares para llevar una nueva vida más allá de los límites de la realidad. Kenji es un estudiante tímido y superdotado en matemáticas que trabaja a tiempo parcial como técnico de mantenimiento de OZ. Para su sorpresa, Natsuki, la chica de sus sueños, le invita a pasar el verano junto a ella y su tradicional familia en su pueblo natal: Nagano. Pero cuando un virus ataca OZ desencadenando una catástrofe a escala mundial, Kenji y todo el clan Jinnouchi inician una verdadera cruzada familiar para salvar al mundo virtual y a sus habitantes. >>
Su siguiente película, Summer Wars, trata unos temas distintos y de forma diferente a su primera producción independiente. No pierde esa emotividad que lo caracteriza, pero queda en un segundo plano, pues esta película está más eminentemente centrada en la acción y la lucha contra el programa informático que hace de villano en la historia.

Como hemos adelantado unos párrafos más arriba, Summer Wars presenta además muchas similitudes (por no decir que es un calco) con Bokura no War Game, en argumento y, sobre todo, en diseños. No obstante, esta es superior tanto en animación como en historia, sus personajes quedan mejor definidos al ser una película que no depende de una serie para sostenerse, además de que Hosoda pudo trabajar más libremente en esta película, lo cual nos terminó brindando una buena película, que si bien es la peor de su obra independiente, sigue siendo una gran cinta, prueba del talento de un director virtuoso.


Wolf Children (2012)



<< Hana, estudiante universitaria, se enamora de un compañero de clase con el que comienza una vida en común y con el que trae al mundo a Yuki, nacida en un día nevado, y a Ame, nacido en un día lluvioso. Tras la desaparición del padre, Hana trata de vivir discretamente con los pequeños en un rincón de la ciudad. Sus vidas son simples y felices, pero esconden un secreto: su padre era un hombre lobo. Hana no tarda en descubrir que criar a dos niños lobo no es fácil y decide abandonar la ciudad para criar a sus hijos lejos de las miradas indiscretas en una granja en plena naturaleza a las afueras de un pueblo. Allí, espera que la hiperactiva Yuki y el temeroso Ame puedan encontrarse a sí mismos y decidir si quieren llevar una vida de humanos o de lobos... >>
Probablemente su película más famosa y mejor considerada hasta la fecha. Una historia dramática, pero a la vez tierna y entrañable sobre la familia, la madurez, y los esfuerzos de una madre por criar, proteger, y asimilar la "partida del nido" de sus hijos.

Aquí Hosoda hizo un gran trabajo de dirección que le llevó a superar todos sus anteriores trabajos, ganándose por primera vez de manera decisiva la atención de todo el mundo occidental, al que cautivó con esta tierna historia. 

La historia se centra en Hana, una estudiante que se enamora de un chico misterioso, el cual resulta ser un hombre lobo. Hana y él terminan yéndose a vivir juntos y teniendo dos hijos, y a pesar de las diferencias eran felices, pero al morir él, se queda sola cuidando de dos niños diferentes, medio humanos y medio lobos. Hana tendrá que aprender a criarlos, ocultar su secreto, y finalmente apoyarlos cuando en su madurez decidan que camino seguir.

No hay mucho más que decir, se trata de una joya de la animación, una película maravillosa y totalmente recomendable para todo el mundo. Otra película en la cual Hosoda usaba la familia como temática principal.


El Niño y la Bestia (2015)



<< Kyuta es un niño solitario que vive en Tokio y Kumatetsu es una criatura sobrenatural aislada en un mundo imaginario. Un día el niño cruza la frontera al mundo imaginario y entabla amistad con Kumatetsu, que se convierte en su amigo y guía espiritual. Este encuentro los llevará a multitud de aventuras. >>
Su cuarta y última película original hasta la fecha, El Niño y la Bestia (Bakemono no Ko), ha sido la más exitosa a nivel internacional de toda su carrera, gracias al éxito cosechado por el director con sus filmes anteriores y, sobre todo, a la buena acogida de público y crítica en festivales internacionales de cine, en los que se ha tildado la película de obra maestra de animación.

La película está protagonizada por Kyuta, un niño que tras perder a sus padres, huye a un mundo habitado por bestias y monstruos. Allí conocerá a Kumatetsu, uno de los candidatos favoritos para ser el futuro patriarca de su pueblo, quien lo aceptará como discípulo y empezará a entrenarle, forjándose entre ellos una profunda relación paternofilial.

La película junta todo lo bueno que tenían las anteriores: la acción y aventura de Summer Wars, y el drama entrañable e intenso de La Chica que Saltaba a Través del Tiempo y Wolf Children, y lo mejora, creando así una película maravillosa, con escenas impresionantes, un trabajo de animación sublime, y una historia que es capaz de tocar el corazón de forma que pocos directores son capaces de lograr.

A nivel de producción animada, nos encontramos aquí la creación más redonda de un director que, sin ninguna duda, seguirá ofreciéndonos grandes obras maestras en los próximos años. 








Y de este modo llegamos al final de nuestra segunda entrega de la sección Grandes Autores dedicada a este gran director. Esperamos que os haya gustado y nos vemos próximamente con más artículos, seguramente también de esta misma sección, que no se hará esperar tanto como en esta ocasión.

¡Hasta la próxima!


sábado, 11 de febrero de 2017

Fallece Jiro Taniguchi, maestro del costumbrismo



Saludos a todo el mundo.

Una vez más, os damos tristemente la bienvenida a La Bandera de la Libertad. Desearíamos no tener que estar escribiendo estas líneas, pero no hay más remedio... Hoy, sábado 11 de febrero de 2017, ha fallecido Jiro Taniguchi a la edad de 69 años.

Hace apenas unas pocas horas que se ha conocido la noticia, y nosotros, que nos acabamos de enterar, estamos absolutamente sin palabras. Creo que hablamos por todos cuando afirmamos que ni nos imaginábamos que algo así pudiera suceder, dada la edad del maestro. No, no era ningún chaval, pero 69 años no son tantos en un país con una esperanza de vida tan dilatada como Japón.

Por ahora, ningún medio parece haber dado detalles de la causa de la muerte, por lo que parece haber sido por causas naturales, pues no se menciona ningún accidente ni se conoce ninguna enfermedad contra la que estuviera luchando. Simplemente ha sucedido demasiado pronto.


Los lectores habituales del blog sabréis ya que somos grandes admiradores del trabajo de Jiro Taniguchi, muy especialmente de sus obras de vertiente costumbrista, género en el que el maestro demostró ser el número uno. 

En La Bandera de la Libertad podéis leer nuestras reseñas de dos de sus más grandes obras maestras, El Almanaque de mi Padre y Barrio Lejano

Jiro Taniguchi: sensibilidad y costumbrismo

Jiro Taniguchi, nacido en 1947, fue uno de los más importantes autores de manga de corte intimista y adulto, y uno de los más reconocidos por el público occidental ajeno al mundo del cómic japonés.

Impulsado hacia el arte del manga por la corriente del gekiga a través de revistas como Garo y autores como Yoshihiro TatsumiTaniguchi se trasladaba a Tokio en 1969 para comenzar su trayectoria profesional, inicialmente como asistente de mangakas como Kyuta Ishikawa y Kazuo Kamimura, hasta su debut en 1972 con Kareta Heya.

A lo largo de la década de los 70, Taniguchi dibujaría gran cantidad de obras a partir de las historias de otros guionistas, entre los que destaca Natsuo Sekikawa, con quien crearía, entre 1987 y 1997, la obra que constituiría el punto de inflexión más importante de su carrera: La Época de Botchan (Botchan no Jidai), en la que, inspirados por la celebérrima novela de Natsume Soseki Botchan (una de las más importantes de la literatura japonesa del siglo XX), ambos autores abocetan un delicado retrato de los últimos años de la Era Meiji (1868-1912). Esta obra le valdría a Taniguchi más de un premio, entre los que cabe señalar el Gran Premio Cultural Osamu Tezuka en 1998.

De manera simultánea a la publicación de La Época de BotchanTaniguchi empieza a destacar con la publicación de numerosas obras de corta extensión y tono costumbrista e intimista, como El Caminante (Aruku Hito) o Tierra de Sueños (Inu o Kau). Entre ellas, sobresaldrían especialmente El Almanaque de mi Padre (Chichi no Koyomi, 1994) y Barrio Lejano (Haruka na Machi e, 1998), en las que reflexiona sobre el retorno a tiempos pasados y la reconciliación con uno mismo.
Desde entonces, Taniguchi alternaría la creación de este tipo de obras con otras de temática naturalista y aventurera, como SetonLa Cumbre de los Dioses (Kamigami no Itadaki) o Blanco (Blanca).

Especialmente admirado en Francia, Jiro Taniguchi se convertiría en uno de los principales representantes japoneses del movimiento artístico de la nouvelle manga, liderado por el historietista francés Frédéric Boilet, y que busca la combinación de las formas artísticas y narrativas propias del manga y la bande desinée (cómic franco-belga).





Destrozados por la noticia, despedimos aquí nuestro humilde obituario en honor al maestro Taniguchi. Y como en ocasiones anteriores, deseamos fervientemente no vernos obligados a volver a publicar una entrada de esta naturaleza en un largo tiempo.

Hasta siempre, sensei. Gracias.


jueves, 9 de febrero de 2017

[RESEÑA MANGA] Adolf



¡Un saludo y bienvenidos a La Bandera de la Libertad!

Como algunos quizá sepáis ya, hoy 9 de febrero se conmemora el 28º aniversario de la muerte de Osamu Tezuka, Dios del Manga, que muriera allá por 1989, víctima de un cáncer de estómago a los 60 años de edad. Toda una gran pérdida para el mundo del manga, demasiado temprana, y que llevó poco después a que Japón instaurara este día como el Día del Manga en honor del maestro.

Desde La Bandera de la Libertad hemos queremos honrar también la memoria del gran maestro reseñando una de sus obras, concretamente la que más éxito ha recaudado a lo largo y ancho del planeta (probablemente por su temática más occidental), y que aún no habíamos reseñado. Como es evidente, hablaremos de Adolf (Adolf ni Tsugu), publicada originalmente en Japón entre 1982 y 1985, y editada a día de hoy en múltiples idiomas y en diferentes ediciones. En España la encontramos de manos de Planeta Cómic, actualmente en su tercera edición en dos tomos de tapa dura en cofre.

Osamu Tezuka, Dios del Manga

Osamu Tezuka, nacido en Osaka en 1928 y fallecido en Tokio en 1989, se alzaría como el gran revolucionario del cómic y de la animación japoneses, en tanto que creador del manganime moderno, convirtiéndose así en el autor más importante de la historia del cómic nipón. Es por ello que acabaría recibiendo la consideración de "Dios del Manga".

Influido desde su infancia por la propia afición de su padre al manga, las obras teatrales de Takarazuka y, sobre todo, por el cine, especialmente por la animación de Walt DisneyTezuka debutó profesionalmente en 1946 con Maa-chan no Nikki Choo (El Diario de Maa-chan), un yonkoma manga (tiras cómicas de cuatro viñetas), pero sería al año siguiente, en 1947, cuando publicaría la obra que cambiaría para siempre el curso de la historia del mangaLa Nueva Isla del Tesoro (Shintakarajima), el primer manga argumental, es decir, es el primer cómic japonés que narraba una historia larga y con argumento, más allá de las simples tiras cómicas, en el que el autor ponía en práctica las técnicas cinematográficas aplicadas al dibujo, por oposición a las escenas de plano largo y estáticas. La Nueva Isla del Tesoro se convertiría en todo un best-seller de manera inmediata, y decenas de grandes autores posteriores (como Shotaro IshinomoriRey del Manga) confesarían abiertamente haber tomado la decisión de dibujar manga a raíz de su lectura en su infancia.


Desde ese momento, el jovencísimo Tezuka decide dedicarse profesionalmente al manga, aunque aun así continuaría su estudios universitarios hasta doctorarse en Medicina, profesión que no llegó a ejercer, pero cuyos conocimientos le servirían para crear múltiples obras. De esta primera época del autor podemos destacar obras como la comúnmente llamada "Trilogía de Ciencia-Ficción", compuesta por Lost World (1948), Metropolis (1949) y Next World (1951). Encontramos asimismo grandes clásicos como Astro Boy (Tetsuwa Atom, 1952-1968), su obra más icónica, o Jungle Taitei (El Emperador de la Jungla, conocida como Kimba, el León Blanco en Occidente, 1950-1954).

Entre 1953 y 1956, Osamu Tezuka marcó un nuevo hito en la historia del manga al publicar el primer shojo argumental de la historiaLa Princesa Caballero (Ribbon no Kishi) en la revista Shojo Club, aunque generalmente sería más conocido el remake que el propio autor realizó en los años 60, publicado en la revista Nakayoshi.
En 1954 llegarían las primeras versiones de la que Tezuka consideró siempre la obra de su vidaFénix (Hi no Tori), que podría empezar a publicar de forma más constante y firme desde 1967 y que continuaría hasta el día de su muerte, habiendo acabado unos meses antes el último arco argumental iniciado, aunque sin poder concluir el conjunto de la obra como él deseaba.

En la década de los 60, tras fundar el estudio Mushi ProductionsTezuka se dedicó en cuerpo y alma a la animación, aunque sin abandonar el manga, como había sido su sueño desde pequeño (convertirse en el "Walt Disney japonés"). Así, en 1963 se estrenaba en la televisión japonesa la primera serie de animación de ritmo semanal con capítulos de 24 minutos de duración, formato que se estandarizaría hasta el día de hoy: la adaptación de su Astro Boy.

A finales de la década de los 60, y sobre todo a partir de la quiebra de Mushi Pro. en 1973, Tezuka claudicó en su feroz oposición al manga para adultos que estaban creando algunos de sus antiguos discípulos (el gekiga), fundando la revista COM (la más representativa de la corriente gekiga junto con la Garo) y comenzando la publicación de sus primeras grandes obras adultas y oscuras, como Oda a Kirihito (Kirihito Sanka, 1970-71), Alabaster (1970-71), Ayako (1972-73) o El Libro de los Insectos Humanos (Ningen Konchuuki, 1970-71).

Tras un periodo en que su popularidad comenzaba a decaer, Tezuka dio un golpe de efecto con Black Jack (1973-1983), una obra que inicialmente sería una mini-serie de 5 capítulos como "última oportunidad", pero con la que el inigualable autor demostraría que aún tenía mucho que decir y que se convertiría inmediatamente en una de sus obras más populares y exitosas. Así, renaciendo de sus cenizas como su Fénix -aunque nunca estuvo realmente muerto como autor-, Tezuka comenzaba la que generalmente se considera su época dorada, dibujando algunas de sus mayores obras maestras, como Buda (Buddha, 1972-1983), MW (1976-1978) o Adolf (Adolf ni Tsugu, 1983-1985).

Convertido en el indiscutible Dios del Manga y con unas 150.000 páginas dibujadas y varias decenas de obras de animación producidas, Osamu Tezuka fallecía en febrero de 1989, víctima de un cáncer de estómago, dejando inconclusas GringoNeo Faust y Ludwig B., además de los arcos aún no iniciados de Fénix.

¿De qué trata?

Ambientada durante la II Guerra Mundial, la obra narra las historias entrelazadas de 3 personas unidas por el destino y por su nombre en común: Adolf Kamil, descendiente de un matrimonio judío alemán exiliado en la ciudad japonesa de Kobe, Adolf Kauffman, hijo del embajador alemán en Kobe, y el mismísimo Adolf Hitler, quien no necesita más presentación.

El argumento se desarrolla alrededor del descubrimiento por parte del periodista japonés Sohei Toge, destinado en Berlín para cubrir los Juegos Olímpicos de 1936, de unos documentos que prueban las raíces judías de Hitler y que, de salir a la luz, estremecerían las bases del Tercer Reich.

Nuestra Opinión

Bueno, pues qué decir de Adolf que no se haya dicho ya... sin duda se trata de una de las mejores obras del Dios del Manga, además de una de las mas conocidas de su etapa oscura.

Es bien sabido que la obra adulta de Tezuka se suele centrar en mostrar las más negativas facetas del ser humano, y Adolf no es ninguna excepción, enmarcándose además en uno de los acontecimientos más horribles de la historia reciente de la humanidad, el Holocausto nazi, que se presta perfectamente a la historia dramática que el maestro necesitaba narrar. 

Argumentalmente, este manga constituye una de las obras más complejas y elaboradas de Osamu Tezuka en su plena madurez como mangaka, pues nos presenta un thriller político de brillante escritura, con grandes personajes (incluidos, como no podía ser de otro modo, algunos de sus personajes-actores de su famoso star-system, magistralmente adaptados al tono adulto de la obra, como Lamp o Shunsaku Ban/Higeoyaji) bien construidos y perfectamente desarrollados. A destacar especialmente Kamil y Kauffman y la relación entre ambos, una relación que pasa de la amistad al odio y al deseo de venganza a lo largo de los múltiples años que abarca la trama, influenciada no solo por la distancia física, sino también por la ideológica, por las circunstancias que hacen tan diferente la vida de un niño de "raza aria" y un niño judío en aquella época y contexto. Sin duda uno de los puntos más interesantes de la obra.

Destaca en el desarrollo del argumento, además, el gran rigor histórico del que hace gala Tezuka, que se documentaría a conciencia a la hora de crear la ambientación y los acontecimientos históricos reales que refleja.

En lo que se refiere al arte, se puede destacar el gran dibujo del maestro en su última etapa, con unos personajes físicamente muy expresivos, pero conservando ligeramente su clásico estilo de formas más redondeadas, y con una mayor contención en lo caricaturesco que en otras obras de tono más laxo. Además, en más de una ocasión, los soberbios diseños de página de las que goza toda la obra han sido utilizadas como referentes en el arte de la distribución de página. 

Adolf es una obra profunda, un cómic totalmente dirigido al público adulto que encantará no solo a aquellos interesados en la II Guerra Mundial, sino también a aquellos que, sin importarles la antigüedad de una obra (como debe ser), busquen un thriller político de magistral desarrollo. Sin duda, una obra maestra.

Nota Final: 10 [ - Imprescindible - ]