sábado, 8 de agosto de 2015

[RESEÑA ANIME] Dead Leaves



Buenas a todos. Hoy en nuestra reseña hablaremos de una de las películas mas locas, absurdas y geniales que se han creado en la historia del anime. Se trata de Dead Leaves, dirigida por la maravillosa y alocada mente de Hiroyuki Imaishi.

Hiroyuki Imaishi, el director

Hiroyuki Imaishi, nacido en 1971, se ha revelado en los últimos años como uno de los directores y animadores más destacados del panorama actual de la animación japonesa, gracias a su estilo desbordante de originalidad, energía y acción frenética.

En 1996, Imaishi se unía a las filas del prestigioso estudio Gainax, en el que comenzaría a mostrar su talento. La primera obra en la que destacaría su estilo sería FLCL (Fooly Cooly, o Furi Curi), en la que trabajó como director de animación y como director del cuarto episodio. Esta miniserie de 6 OVA's estrenadas en 2000 se convertiría en uno de los grandes estandartes de los animes alocados y frenéticos que posteriormente caracterizarían a Imaishi.

En 2004, Imaishi debutó como director precisamente con la película que ahora reseñamos, Dead Leaves, producida por Productions I.G, encargándose él mismo también de los diseños de personajes y la animación.

Sería en 2007 cuando Imaishi dirigiría la que se convertiría en su obra maestra y uno de los más importantes animes del presente siglo, Tengen Toppa Gurren Lagann. En 2010 estrenaría su nueva serie, Panty & Stocking with Garterbelt, y al año siguiente, en 2011, abandonaría Gainax (junto con otros compañeros con los que trabajó en TTGL) para fundar su propio estudio, Studio Trigger, en el que estrenó a finales de 2013 su última serie hasta la fecha, Kill la Kill.

¿De qué trata?

La película nos cuenta las aventuras de Pandy y Retro, dos extraños personajes que despiertan desnudos y sin recuerdos. Ambos son capturados rápidamente y enviados a la prisión espacial Dead Leaves, donde los presos son controlados hasta tal punto que se les obliga a comer y a defecar con máquinas. Allí pronto descubren que Dead Leaves es una fábrica de clones y mutantes fallidos, por lo que organizarán un motín y una fuga con los demás presos para descubrir que hay detrás de Dead Leaves.

Nuestra Opinión

La película se desarrolla de forma frenética durante la hora entera de metraje sin dar un segundo de respiro al espectador. Las escenas de acción se suceden rápidamente con una animación espectacular, original y creativa como pocas veces se ha realizado. Solo una mente como la de Imaishi podría dar lugar a algo así. Además las escenas están acompañadas por una gran BSO acorde al enérgico ritmo de la película.

Lo mejor de está película es, sin duda alguna, su originalidad, las situaciones absurdas en inverosímiles son abundantes y, aunque pueda parecer una película mala y sin sentido, es precisamente eso lo que la hace tan genial: el hecho de que la propia película deja de lado la lógica para crear una historia delirante, absurda y original.

Sin embargo, aunque todo esto lo consideramos una virtud, no es una película para todo el mundo, sino para aquellos que busquen algo absolutamente diferente, que rompa todos los esquemas establecidos y que se salga de los estándares de lo "normal". Aquellos que hayan disfrutado con FLCL o con Kill la Kill disfrutarán mucho con esta película.

Tal vez su único defecto es la duración. Una sola hora no es suficiente para desarrollar todo el potencial de la película.

En resumen, una película original y diferente para aquellos que busquen salirse de lo habitual. Frenética y loca como ella sola. Muy recomendable.


Nota Final: 8'5 [ - Muy Bueno - ]

viernes, 7 de agosto de 2015

[RESEÑA ANIME] Asura




Buenas a todos. Hoy reseñamos una de las películas más crudas que podréis encontrar en el panorama de la animación japonesa, una historia sangrienta, realista y de una dureza que pocos animes son capaces de lograr. Se trata de Asura (a pesar de que su auténtica romanización sería Ashura, pero en adelante emplearemos la forma utilizada en la distribución internacional).

Dirigida por Keiichi Satou (Tiger and Bunny, Saint Seiya: Legend of Sanctuary, Shingeki no Bahamut Genesis...) y estrenada en 2012, la película es una adaptación del manga del mismo título de George Akiyama publicado entre 1970 y 1971.

Un polémico manga

Como hemos comentado, la película es una reciente adaptación de todo un clásico del manga, que además constituye una importante página de la historia del cómic japonés. El manga, de gran crudeza tanto argumental como visual (pues George Akiyama no se cortó lo más mínimo a la hora de plasmar gráficamente la violencia que puebla la obra), se convirtió desde la publicación de su primer capítulo en la revista Shonen Magazine en uno de los mangas más controvertidos y polémicos de la historia, llegando a ser prohibido en ciertos lugares y generando un gran debate sobre los contenidos que deberían permitirse en el manga.

¿De qué trata?

Asura nos muestra un momento en el cual Japón sufrió terribles guerras y hambrunas que llevaron a las personas a cometer terribles actos para sobrevivir, teniendo que recurrir incluso al canibalismo, como es el caso de la madre de nuestro protagonista, la cual se disponía a comerse a su propio hijo como último recurso para sobrevivir. Sin embargo, un rayo cae, aturdiendo a la mujer y salvando al pequeño en el último segundo. El bebé, criado desde entonces por bestias, mostraría una conducta más propia de un animal que de un humano. 

El chico, llamado Asura por un monje con el cual se encontró intentando matarlo, se dedicará a matar tanto animales como humanos para sobrevivir, hasta que conoce a una chica llamada Wakasa que intentará convertirle en lo que debería ser: un humano.

Nuestra opinión

La película nos muestra con bastante realismo y crudeza una de las peores épocas que Japón vivió en la antigüedad, los últimos tiempos del Periodo Heian (sobre el siglo XII), presenta escenas duras en las cuales sus personajes dejan de lado todos sus valores morales y su humanidad para sobrevivir a cualquier precio, aunque tengan que matar, vender a sus propios seres queridos, e incluso recurrir al canibalismo.

Sin embargo, a pesar de lo escabroso que esto pueda sonar, la película presenta también momentos de gran emotividad, en los que reflexiona sobre qué hace persona a un ser humano y que con fuerza de voluntad, se puede cambiar para mejor, todo para alcanzar un final trágico pero con esperanza para el futuro.

Visualmente la película es una maravilla, animada con un CGI bastante agradable a la vista, aunque, todo hay que decirlo, en ocasiones resta fluidez a los movimientos de los personajes. La atmósfera oscura está muy lograda y la banda sonora tiene gran fuerza y ambienta de forma excelente los momentos mas intensos de la película.

Cabe mencionar además que la película es sangrienta en ocasiones, lo cual puede echar atrás a muchas personas, pues sus escenas mas gore pueden ser demasiado explícitas para ciertos estómagos.

En resumen, una historia cruda, realista, sangrienta en ocasiones y emotiva como pocas. Muy recomendable. Abstenerse sensibles.


Nota Final: 9,5 [ - Magistral - ]

jueves, 6 de agosto de 2015

[RESEÑA ANIME] Hadashi no Gen (Hiroshima)



¡Un saludo y bienvenidos a La Bandera de la Libertad!

Hoy, con motivo del 70º Aniversario del bombardeo nuclear contra la ciudad de Hiroshima, hemos decidido que lo más adecuado era ofreceros una reseña conmemorativa de las dos películas animadas basadas en uno de los más importantes mangas de la historia: las películas de Hadashi no Gen (Gen el Descalzo, Pies Descalzos, también conocida por su título en inglés, Barefoot Gen, o simplemente Hiroshima).

Estrenadas en 1983 y 1986 respectivamente, esta bilogía fílmica adapta, con cierta libertad, algunos de los pasajes de la obra magna del mismo título de Keiji Nakazawa, mangaka superviviente del bombardeo de Hiroshima que plasmó su experiencia en esta imprescindible obra de referencia.

Keiji Nakazawa, autor y superviviente

Nacido en 1939 en Hiroshima, Nakazawa vivió en primera persona y a la corta edad de 6 años el bombardeo atómico de la ciudad. Aunque no sufrió daños demasiado graves gracias a la protección que le brindó un muro de hormigón tras el que se hallaba en el momento de la explosión, el joven Nakazawa perdió a toda su familia, a excepción de su madre, quien se encontraba en avanzado estado de gestación. Su hermana, nacida poco después, moriría a los pocos meses de edad a causa de los efectos de la radiación y la desnutrición.

Inspirado por las obras de Osamu Tezuka, que se habían convertido en su única puerta de escape de la dura realidad en que vivía, el joven Keiji Nakazawa decidió lanzarse al mundo del manga, al principio creando series deportivas y de aventuras. Cuando en 1966 fallecía su madre por las enfermedades derivadas de la radiación, el autor revivió los horrores de años pasados y cambió el rumbo de su carrera y decidió consagrar su vida a la divulgación de los horrores de la guerra y de los bombardeos atómicos. En 1972 publicaría Ore wa Mita (Yo lo vi), su primer manga de carácter testimonial. En vistas del éxito de esta corta historia, entre 1973 y 1974 dibujó su obra maestra, Hadashi no Gen.

Su obra, de incalculable valor testimonial para la memoria colectiva, no solo de Japón, sino de la humanidad, nos presenta con crudeza y realismo los horrores de la guerra sobre la inocente población civil. Hadashi no Gen se convirtió rápidamente en un referente del antibelicismo. Además, desde su publicación, el manga ha sido empleado como material educativo en las escuelas japonesas, siendo una lectura prácticamente imprescindible para cualquier persona.

Dada su deteriorada salud, Keiji Nakazawa fallecía en 2012.

¿De qué trata?

Hadashi no Gen nos cuenta la historia de Gen, un niño que vive en Hiroshima junto a su padre, su madre y sus hermanos, y que servirá de alter ego del autor, quien también sobrevivió a la bomba, para mostraros cómo fue su vida en aquellos terribles años, desde los días previos al bombardeo atómico hasta los primeros años de la posguerra.

Las películas adaptan cada una una parte del manga, siendo la primera de ellas una adaptación de la infancia de Gen, el lanzamiento de la bomba Little Boy, sus consecuencias inmediatas en la población de Hiroshima y la pérdida de casi toda su familia.

Por su parte, la segunda película se centra en los años inmediatamente posteriores a la rendición japonesa y los efectos de la posguerra en Hiroshima y en la población superviviente del bombardeo, que continuaría muriendo a causa de los efectos secundarios durante décadas. Veremos cómo Gen conoce a sus amigos y cómo éstos intentan buscarse la vida como buenamente pueden en el entorno hostil en que les ha tocado vivir.

Nuestra Opinión

Lo primero que hay que tener claro es que, como resulta evidente, tan solo dos películas no pueden adaptar con toda la fidelidad necesaria un manga de la longitud, densidad y valor testimonial e histórico como Hadashi no Gen. De modo que esta bilogía se limita a relatar, por decirlo de forma simplificada, dos episodios fundamentales del manga original. Por supuesto, todos aquellos que deseéis conocer detalladamente y en su totalidad la historia de Gen (que también es la historia de su autor y de miles de personas más) deberán recurrir al manga, cosa que desde ya recomendamos muy encarecidamente.
La primera película se centra en los días previos al aciago 6 de agosto de 1945, mostrando un poco del día a día de Gen y su familia, ayudando al espectador a empatizar con las inocentes víctimas del horrible acontecimiento que se aproximaba. Si bien abrevia la extensión de este "prólogo" respecto al manga (que es mucho más dado a los detalles sobre la miseria, las condiciones de la población durante la guerra, la postura ideológica imperialista de gran parte de la población, etc.), cumple su función de contextualización.

Tras ello, en un espectacular y descarnado ejercicio visual, la película muestra con gran impacto visual el lanzamiento de la bomba y sus consecuencias inmediatas, dando lugar a escenas e imágenes que dejarán a más de uno con un nudo en la garganta y se quedarán grabadas en la mente de todos. Cuerpos derritiéndose por el calor extremo, personas moribundas caminando con la piel cayéndose a tiras y cristales y astillas clavadas en el cuerpo, fuego por todas partes adonde alcanza la vista... Un auténtico infierno en vida.

La segunda, no tan espectacular ni emotiva como la primera, tal vez un poco más decepcionante como adaptación que la anterior, es bastante más calmada, sin escenas tan impactantes como en la primera. Esta segunda producción se apega a los acontecimientos que Nakazawa narra en las semanas y meses inmediatamente posteriores al bombardeo, aunque introduciendo algunos cambios. Intentos desesperados por salir adelante, gente malviviendo en chozas mal construidas entre los escombros, hambre, desolación... y, sobre todo, las primeras consecuencias físicas de la radiación sobre unos supervivientes que empezaban a descubrir que la guerra había acabado, pero que ellos seguían sumidos en el horror.

A nivel técnico, ambas son buenas dentro de las posibilidades de mediados de los años 80 en que fueron realizadas, aunque nuevamente, la primera se nota bastante más trabajada y pulida en todos los sentidos. Es llamativo, además, el cambio de diseños de una a otra. Ninguna de las dos conserva un estilo totalmente fiel al curioso dibujo de Nakazawa, pero es curioso que en la segunda cambiara el diseñador de personajes, pues produce una sensación visual que no ayuda a comprender ambas películas como un todo.

De cualquier forma, ambas son una buena forma de introducirse un poco a la historia de Gen antes de leer el manga, o de conocer por encima las consecuencias de ese cruel episodio de la humanidad, de forma más rápida que leyendo el manga, de una extensión relativa.

En resumen, dos películas que, si bien no alcanzan el nivel de obra maestra de un manga como Hadashi no Gen, son un must para aquellos interesados en este tema y nos brindan unas impactantes imágenes que se grabarán por mucho tiempo en nuestra retina y en nuestro corazón.



Nota Final Media: 8'5 [ - Muy Bueno - ]

miércoles, 5 de agosto de 2015

[RESEÑA MANGA] Seraphim: 266613336 Wings



Hola a todos, bienvenidos a nuestra nueva reseña. Hoy es el turno de una obra conjunta de dos de los mejores autores (aunque en este caso ambos destacan mas como directores de animación) de la historia del manganime: Mamoru Oshii y Satoshi Kon. Se trata de Seraphim: 266613336 Wings.

Mamoru Oshii al guión

Mamoru Oshii, nacido en 1951, es a día de hoy uno de los directores de animación japoneses más importantes y conocidos en el mundo entero. Su estilo caracterizado por las historias de ciencia ficción con gran carga filosófica y simbólica, no tan alejados de la mentalidad occidental, le han convertido en todo un icono del anime.

En 1980 comenzaba su carrera profesional al ingresar en Studio Pierrot, donde haría sus primeros trabajos como director, destacando parte de la serie de televisión de Urusei Yatsura (manga de Rumiko Takahashi) y sus dos primeros filmes, Only YouBeautiful Dreamer. Más tarde, en 1983, Oshii sería elegido por el estudio para dirigir un importante proyecto, que sería el debut de toda una nueva forma de distribución de producciones animadas: el lanzamiento directamente en formato doméstico. Así, Dallos, de 4 episodios de media hora de duración, se convertiría en la primera OVA de la historia. Poco después dirigiría una nueva OVA, Tenshi no Tamago (El Huevo del Ángel), en la que ya manifiesta su característica carga simbólica y filosófica en una obra de arte animada de difícil comprensión, contando con los diseños de Yoshitaka Amano (ilustrador de Final Fantasy, Vampire Hunter D...).

A partir de entonces, Oshii comenzaría a dirigir las grandes obras que le valdrían la consideración de la que goza hoy, como la franquicia Mobile Police Patlabor, Sky Crawlers o, las más significativas, Ghost in the Shell y Ghost in the Shell 2: Innocence.

Satoshi Kon a los lápices

Al igual que Oshii, Satoshi Kon, nacido en 1963, logró consagrarse rápidamente como uno de los más talentosos directores de animación de la historia a pesar de corta carrera, truncada por su prematuro fallecimiento. 

Kon comenzaría su trayectoria profesional en el mundo del manga, como asistente de otro gran autor, Katsuhiro Otomo, cuya influencia sería claramente visible en el estilo gráfico de Kon. Entre sus primeros trabajos como mangaka encontramos World Apartment Horror, con guión del mismo Otomo, Regreso al Mar (Kaikisen) u Opus

En 1998, Satoshi Kon se lanzó al mundo de la animación con su ópera prima, Perfect Blue, convertida instantáneamente en un clásico moderno y considerada a día de hoy uno de los mejores thrillers, no solo del cine de animación, sino de la historia del cine.

Continuaría cosechando éxitos en 2001 con Millenium Actress, a la que seguirían Tokyo Godfathers en 2003 y Paprika en 2006, su último filme finalizado. En 2004 dirigió su única serie de televisión, Paranoia Agent, en la que vertió todos los retazos de ideas a partir de los cuales no se podía desarrollar un largometraje.

En 2010 le fue diagnosticado un cáncer terminal. Kon decidió retirarse y pasar sus últimos meses de vida con su familia, hasta su fallecimiento en agosto del mismo año, a la edad de 46 años. Dejaba así inacabada su nueva película, The Dreaming Machine (aún a la espera de ser retomada y finalizada por el estudio MADHOUSE), y quién sabe cuántas obras maestras aún sin salir de su genial mente.

A pesar de su prematura muerte, Satoshi Kon ofreció al mundo obras de inigualable calidad, un legado no muy abundante pero de grandísimo valor.

¿De qué trata?

En Seraphim se nos presenta un mundo postapocalíptico que ha sido arrasado por la Enfermedad del Ángel, una misteriosa pandemia que provoca deformidades similares a alas de ángel en el cuerpo de los afectados, además de graves alucinaciones. En un intento de encontrar una cura para esta terrible enfermedad, un grupo de científicos de la OMS protegerán a una niña llamada Sera, que parece ser inmune a esta epidemia que ha provocado tantas muertes.


Nuestra Opinión

La obra encantará a los fans tanto de Satoshi Kon como de Mamoru Oshii, pues contiene características de ambos autores. Por un lado, tenemos la historia oscura y en ocasiones filosófica propia de Oshii, sin olvidar sus simbolismos cristianos e incluso la presencia de un sabueso, como es habitual en muchas de sus películas (por ejemplo Ghost in the Shell, Sky Crawlers...). Y por otra, el estilo de dibujo es 100% Kon, lo cual encantará a aquellos que aprecien sus diseños, aunque tal vez sea cierto que se echa en falta mas de la esencia de este malogrado genio a la hora de leer esta breve obra.

La historia presenta diversos misterios como el origen de la enfermedad, la causa de la inmunidad de Sera... a los que nunca se dan respuesta, debido a que la obra estaba pensada para ser mucho mas extensa, pero debido a ciertas discrepancias entre ambos autores, el proyecto quedó inconcluso, ya irremediablemente a causa del fallecimiento de Kon, siendo este el mayor inconveniente de la obra: lo que se llegó a publicar es prácticamente una introducción, la punta del iceberg de un proyecto que podría haber llegado a ser una de las obras mas importantes de la historia del manga.
Esto decepcionará a muchos que busquen leer una obra completa y bien construida, pues este manga, lejos de estar mal construido, está apenas empezado, y cuando la historia empieza a ponerse interesante para el lector, se cierra con el letrero de "Inconclusa". Así pues, esta pequeña joya casi olvidada, está destinada especialmente a admiradores de la obra de Oshii y de Kon que deseen degustar lo que hubiera podido surgir de una colaboración entre dos mentes de tal magnitud.

En resumen, una obra interesante que nos queda como recuerdo de un proyecto que podría haber sido y nunca será. Es triste pensar que podríamos estar ante una obra maestra del manga y que nunca lo sabremos, pero aun así vale la pena leer estas poco mas de 200 páginas y deleitarse con la breve colaboración entre dos genios.


Nota final: 8,5 [ - Muy Bueno - ]

martes, 4 de agosto de 2015

[RESEÑA ANIME] King of Thorn




Hola a todos, bienvenidos a nuestra nueva reseña. Hoy es el turno de reseñar una película de anime bastante reciente y que encantará a los fans del género de supervivencia. Se trata de King of Thorn (El Rey Espino).

King of Thorn (Ibara no Ou) es una película del 2009, creada por Studio Sunrise, conocido por series como Cowboy Bebop o la franquicia Mobile Suit Gundam. Basada en el manga de Yuji Iwahara (aunque sigue un rumbo diferente a la obra original) y dirigda por Kazuyoshi Katayama (director de la OVA Maris, la chica maravillosaDoomed Megalopolis o Appleseed), la película nos cuenta una interesante historia de survival horror que encantará a los fans de este género y de la ciencia ficción.

¿De qué trata?

La historia comienza con la aparición de una misteriosa enfermedad conocida como Medusa, la cual infecta las células del paciente, haciendo que estas se sequen y se endurezcan, convirtiéndolo en piedra y provocándole la muerte. Para hacer frente a esta pandemia, la corporación Venus Gate realiza un sorteo a partir del cual un grupo de personas será seleccionado para ser puestos en animación suspendida en un castillo para que despierten cuando una cura sea encontrada
Sin embargo, cuando despierten lo que encontrarán será un escenario desolador: el castillo está lleno de espinos y de criaturas monstruosas que han acabado con todo el personal médico, y los pocos supervivientes que fueron puestos en animación suspendida se verán obligados a escapar del castillo y sobrevivir para averiguar qué ha sucedido mientras dormían.

Nuestra Opinión

La premisa de la película es interesante, pero peca de falta de originalidad, pudiendo incluso llegar a recordar a la primera película de Resident Evil. Aun así, la trama sabe como intrigar al espectador y hacer que quiera seguir viendo la película. El argumento se desenvuelve rápidamente y tal vez no llega a desarrollarse lo que cabría esperar, pero no deja de ser una película con buena acción y momentos que mantendrán al espectador pegado al asiento hasta el final.

Otros defectos que cabría señalar son sus personajes, que pecan de estereotipados, siendo los personajes-tipo que podemos encontrar en toda película de terror y supervivencia (la rubia, el niño pequeño, el anciano, el tipo duro...) y un tramo final que se vuelve tan enrevesado y se desarrolla tan rápidamente que es sumamente difícil de comprender con un solo visionado.

La animación y la ambientación son notables, pero el abuso de CGI la estropea en ocasiones, sobre todo en secuencias de acción.

En resumen, una película de acción y suspense que hará las delicias de los fans de la supervivencia. Los clichés, la falta de desarrollo  y la animación CGI hacen que sea algo peor de lo que podría haber sido, pero vale la pena verla para pasar un rato entretenido.



Nota final: 7,5 [ - Bueno - ]

lunes, 3 de agosto de 2015

Compras Julio de 2015 (Adri)


Buenas a todos. 

Hoy os enseñaré los mangas y merchandising que compré en mi viaje a Valencia de la semana pasada. Espero que os gusten, algunas de estas compras las reseñaremos próximamente en el blog. Comenzamos:

- Empezamos con las compras de cine anime y asiático en Bluray y DVD. La primera es Capitán Harlock, la adaptación cinematográfica en animación 3D de la obra de Leiji Matsumoto, dirigida por Shinji Aramaki, una gran película muy recomendable para fans de la obra como para quienes empiezan a adentrarse en el Leijiverso. También Wolf Children, la mejor de las tres películas de Mamoru Hosoda editadas por Selecta Visión, una película emotiva, divertida y maravillosa para disfrutar solo o en familia. Terminamos las compras de cine con Sympathy for Mr Vengeance, la cual compré a la vuelta del viaje por 3 míseros euros en Media Markt. Aún no la he visto pero es candidata a una reseña en el blog cuando lo haga.

Seguimos con las compras de merchandising. Para empezar dos ejemplares de la ya extinta revista Dokan, una antigua publicación mensual sobre manganime que además incluia CD-Roms con imágenes, música, videos, enlaces a páginas web...



Además uno de estos ejemplares de Dokan incluía un precioso poster de Rei Ayanami (lo cual fue una grata sorpresa para mi al hojear la revista en el apartamento donde me alojaba) que no tardé en poner en mi habitación al volver del viaje.


También adquirí un gashapon de Lamu, personaje de la opera prima de la gran Rumiko Takahashi, la cual coloqué junto a las dos obras que tengo en mi colección de esta autora (una de ellas la mostraré a continuación, pues la compré durante el viaje) y una chapa de Kill la Kill, uno de los mejores animes de 2013 y otra de las creativas obras de Hiroyuki Imaishi.


Y ahora pasamos a las compras de manga. Para empezar, la colección completa de Maison Ikkoku, la obra maestra de Rumiko Takahashi. Una de las mejores comedias románticas (si no la mejor) de la historia del manganime.






Y para terminar, dos regalos de Alejandro: el tomo 1 de Oda a Kirihito, una de las obras mas oscuras de Osamu Tezuka y que próximamente será reeditada por ECC Ediciones, y el tomo único Panorama Infernal, de Hideshi Hino, el cual ya hemos reseñado en nuestro blog.






Eso ha sido todo, espero que os haya gustado. Postearemos más compras próximamente.

[RESEÑA MANGA] Baptism



¡Un saludo y bienvenidos a La Bandera de la Libertad!

Aquí estamos nosotros un día más, con una reseña más para la lista, y además de una obra de uno de nuestros autores favoritos (aunque es una obra menos conocida). Es decir, hablaremos del clásico del manga de terror Baptism.

Baptism (Senrei) es un manga publicado entre 1974 y 1976 por el gran maestro del género en el manga, Kazuo Umezu, conocido por sus mangas de terror, especialmente por su obra maestra Aula a la Deriva, pero también por sus mangas de comedia como Makoto-chan.

Kazuo Umezu, maestro del terror

Kazuo Umezu (a veces romanizado como Umezz por preferencia del autor) pasa por ser uno de los autores más importantes de la primera generación de mangakas de posguerra. Nacido en 1936, su debut profesional tiene lugar en 1955 con Mori no Kyoudai. A partir de entonces, y sobre todo desde la década de los sesenta, Umezu se convertiría en uno de los grandes iconos del manga de terror como uno de sus precursores, a pesar de haber cultivado también numerosos éxitos en la comedia y otros géneros.

Su obra más conocida en el mundo entero y que se convertiría en uno de los más grandes clásicos del manga de terror sería Aula a la Deriva (Hyouryuu Kyoushitsu), publicada entre 1972 y 1974, en la que se relata cómo una escuela primaria es repentina trasladada en el espacio y el tiempo, con todos sus estudiantes y profesores dentro, y cómo estos niños tendrán que hacer frente al mundo hostil al que han ido a parar tras la pérdida de cordura de los adultos.

Umezu se retiró de su actividad como mangaka en 1995 debido a una enfermedad, pero él mismo se había convertido ya en todo un personaje mediático y ha continuado apareciendo en programas de televisión y películas. Entre sus extravagancias es especialmente llamativa su costumbre de vestir con ropa a rayas rojas y blancas al más puro estilo ¿Dónde está Wally?, así como la casa que se construyó, a la que llamó Makoto-Chan House en referencia a una de sus obras más queridas por los japoneses.

¿De qué trata?

Baptism nos presenta la historia de una actriz considerada una de las mas hermosas del mundo del cine, con un rostro precioso y perfecto, una gran carrera a sus espaldas y un futuro aún más prometedor.

Pero a pesar de todo, guarda un gran secreto, una horrible marca en la cara que trata de ocultar con maquillaje pero que, a pesar de todos los tratamientos, no ha podido eliminar. Si se descubriera, le costaría su carrera.

Cuando esta marca empieza a extenderse incontrolablemente, nuestra protagonista decide tomar medidas desesperadas. Se retirará del mundo del espectáclo para ser madre, con el único y vil propósito de criar a su hija hasta que tenga la edad suficiente para trasplantar su cerebro en el cuerpo de la niña y así volver a ser joven y hermosa, teniendo de este modo la oportunidad de relanzar su carrera.

Su plan parece tener éxito, pero pronto sus actos tendrán oscuras consecuencias que harán que sus planes se tuerzan, hasta llegar a un inesperado clímax... que cada uno tendrá que descubrir por sí mismo leyendo la obra...

Nuestra Opinión

Kazuo Umezu crea en esta obra una brillante atmósfera de terror, lo cual no es nada inesperado en la obra de un autor con tanto talento para el género. Lo logra fundamentalmente a través del personaje de Sakura, la siniestra protagonista, que le sirve para mostrar una degeneración mental, producto de su ambición, y una perversión dignas de los mayores psicópatas de la historia del terror. La cruel protagonista hará cualquier cosa por conseguir sus propósitos, quitando de en medio a cualquiera que se oponga a su plan.

Como es habitual, el arte de Kazuo Umezu rebosa una inequívoca personalidad. Aunque no dejan de hacerse notar en él las influencias de otros artistas de su época, el maestro desarrolló durante su carrera artística un dibujo personalísimo y perfecto para el terror. Pocas veces se puede encontrar en un cómic unos rostros que expresen más espeluznante y hondo terror que los que dibujaba Umezu.

La combinación de la siniestra historia, la psicópata protagonista y el macabro dibujo del autor, hace de Baptism una lectura apasionante y verdaderamente tensa y terrorífica. Incluso en los momentos más tranquilos, sabes que hay algo que no va bien, que va a pasar algo malo. Pero por algún motivo, eres incapaz de apartar la mirada o de dejar de leer. Necesitas continuar, necesitas saber qué oscuros secretos se esconden a la vuelta de la siguiente página. 

En resumen, una muestra perfecta del terror psicológico de corte clásico en el manga, una gran obra de un gran maestro que, si bien no llega al nivel de su archiconocida Aula a la Deriva, sí que se puede considerar una joya del manga clásico y una buena forma de entablar un primer contacto con las obras de Umezu.



[ - Valoración: Muy Bueno - ]

domingo, 2 de agosto de 2015

[RESEÑA MANGA] Panorama Infernal




Hola a todos. Bienvenidos a nuestra nueva reseña. Esta vez no reseñamos un anime, sino un manga de uno de los grandes maestros del terror. Se trata de Panorama Infernal.

Panorama Infernal (Jigoku-hen, más conocido en Internet por su título en inglés, Panorama of Hell) es un manga de terror psicológico y gore, creado por uno de los grandes maestros del manga del género junto a Junji Ito y Kazuo Umezu: Hideshi Hino.

El autor: Hideshi Hino

Pasemos a comentar en primer lugar al autor de la obra que nos ocupa, que no es otro que Hideshi Hino. Nacido en Manchuria en 1946, se trasladó pronto a Tokio con su familia. Desde pequeño empezó a fascinar a sus conocidos con sus dibujos e ilustraciones y comenzó su carrera profesional como mangaka en 1967 con Tsumetai Ase (Sudor Frío). 

Al cabo de poco tiempo, Hino acabaría consagrándose como uno de los nombres más destacados del manga de terror, título que sigue ostentando, junto con otros grandes maestros como los ya mencionados Kazuo Umezu o, más recientemente, Junji Ito.
El elemento más característico del estilo de terror que crea Hino podríamos decir que es la repugnancia. Elementos paranormales de corte macabro e infernal, psicópatas con extrañas obsesiones, asesinos, monstruos, crímenes... Todos ello puebla las páginas de este autor, que plasma sus historias gráficamente con un estilo de dibujo relativamente simplista y feo, con la clara intención de resultar grotesco y producir un efecto de repulsión en el lector.


¿De qué trata?

En este tomo único, Hino nos presenta a su personaje principal como un artista, un pintor mentalmente destrozado que realiza sus cuadros de una forma peculiar: pinta escenas macabras e infernales usando su propia sangre como pintura sobre el lienzo. Además no
s presenta la que será su obra definitiva, un cuadro gigante que represente el fin del mundo.

Tras introducirnos su obra, el pintor nos mostrará algunos trabajos anteriores: escenas sangrientas, macabras y tenebrosas, narradas y plasmadas sobre el papel de una forma que casi podríamos definir como poesía visual, pero siempre con un tono lúgubre, sangriento y repugnante que caracteriza a este autor.

El protagonista también nos presentará a su familia y episodios traumáticos de su infancia que acabarían dando forma a su personalidad y provocando su caída en la locura, hasta llegar a un espectacular (y, todo hay que decirlo, pesimista) clímax que solo un genio del terror podría realizar con la maestría de Hino.

La obra está formada por capítulos semi-autoconclusivos que van narrando a modo de autobiografía ficticia la vida de Hino (lo cual es sorprendente, pues al leer el epílogo podemos comprobar que, salvando las distancias evidentes, la vida del autor tiene muchas similitudes con la del artista que él mismo plasmó en este manga) por lo que podemos decir que esta es su obra mas personal.

Nuestra Opinión


Al contar con esta estructura coral de capítulos semi-independientes, podría echarse en falta en ciertos momentos una historia, un hilo conductor mas evidente que lo conviertan en una historia de terror. Tal vez sea este su único defecto, ya que al contrario de lo que pueda parecer, no se trata tanto de una historia de terror al uso como de una obra con ciertos componentes psicológicos y semiautobiográficos, lo cual tal vez eche para atrás a muchos lectores que busquen el miedo en esta obra.

Por otra parte, el gore y el estilo de dibujo de Hideshi Hino, de trazos simples pero grotesco, pueden no ser aptos para todos los paladares, por lo que no es una obra adecuada para todos los públicos.

En resumen, una obra alternativa que no agradará a muchos, pero encantará a los fans de lo macabro, el gore y lo diferente. Una obra muy personal que recomendamos a todo el que busque empezar a leer a este maestro del terror grotesco.


Nota final: 8,5 [ - Muy Bueno - ]

[RESEÑA ANIME] Neon Genesis Evangelion




Hola a todos y bienvenidos a nuestra nueva reseña. Esta vez nos centraremos en uno de los animes más famosos de la historia y considerado uno de los mejores jamás creados. Se trata de Neon Genesis Evangelion.

Neon Geneisis Evangelion (frecuentemente conocido solo como Evangelion) es un anime dirigido por Hideaki Anno y producido por el estudio de animación japonés Gainax, conocido por animes como Tengen Toppa Gurren LagannFLCL o Royal Space Force: Wings of Honneamise.

Perteneciente al género mecha y psicológico, este anime se emitió de octubre de 1995 a marzo de 1996, convirtiéndose rápidamente en un éxito e icono del anime, y dando lugar a películas y sagas derivadas como Rebuild of Evangelion, de la cual hablaremos en otra ocasión.


¿De qué trata?


La serie se desarrolla en un año 2015 alternativo en el cual la humanidad ha sufrido las consecuencias de un acontecimiento devastador conocido como Segundo Impacto, tras el cual unas misteriosas criaturas conocidas como Ángeles han empezado a aparecer y atacar a los seres humanos. En Tokio-3, la agencia paramilitar Nerv ha desarrollado unas máquinas de combate conocidas como Evangelion (abreviadas como EVA) para luchar contra los ángeles y proteger a la raza humana. Sin embargo los EVA solo pueden ser pilotados por niños, por lo que Gendo Ikari, comandante de Nerv, se ve obligado a llamar a su hijo, Shinji, al que no ve desde hace años, para pilotar uno de los Evangelion.


Nuestra Opinión


A pesar de parecer un mecha al uso, Evangelion es todo lo contrario, pues las batallas y la acción son a menudo relegadas a un segundo plano, dejando paso a la verdadera esencia de este anime: la psicología, el simbolismo y la religión.


El anime trata de forma brillante los traumas del pasado y analiza detalladamente la psique de cada personaje, especialmente en sus dos últimos episodios. Por otra parte, el simbolismo y la religión están presentes tanto en la nomenclatura de cada personaje como en el argumento de la serie, siendo este uno de los puntos más fascinantes de la misma, una trama oscura y enrevesada que poco a poco se irá revelando a la vez que crea más incógnitas, lo cual invita al espectador  a pensar y a teorizar acerca de lo que está pasando, ha pasado y podría pasar a continuación.

Pero esto no significa que la serie sea lenta, pues a pesar de que los combates no son el punto principal de este gran anime, siempre están presentes para romper la tranquilidad cuando se requiera.

El arte de este anime también es una maravilla, los diseños de los personajes, de los Ángeles y de los EVA son geniales, y las escenas más simbólicas y psicológicas tienen una ambientación sublime y oscura que a menudo pone los pelos de punta.

En resumen, una serie mítica y brillante que todo fan de la animación japonesa debería ver. Una maravilla del género psicológico con uno de los mejores argumentos que se puede encontrar en el manganime.


Nota final: 10 [ - Imprescindible - ]

sábado, 1 de agosto de 2015

[RESEÑA CINE] Kazuo Umezu's Horror Theater: The Present



Bienvenidos a una nueva reseña de nuestro blog. Esta vez reseñamos una película de terror de imagen real basada en una obra del maestro del terror, Kazuo Umezu: The Present.

La película, del año 2005, forma parte de una serie de películas conocidas como Kazuo Umezu's Horror Theater y que adaptan algunas de las historias cortas de este genio del terror. Dirigida por Yudai Yamaguchi, conocido por diversas películas japonesas de terror y gore de serie B.

Kazuo Umezu, maestro del terror

Como hemos comentado, esta película pertenece a una serie de mediometrajes de 2005 que adaptan a la imagen real varias de las historias cortas de Kazuo Umezu (a veces romanizado como Umezz por preferencia del autor), uno de los autores más importantes de la primera generación de mangakas de posguerra. Nacido en 1936, su debut profesional tiene lugar en 1955 con Mori no Kyoudai. A partir de entonces, y sobre todo desde la década de los sesenta, Umezu se convertiría en uno de los grandes iconos del manga de terror como uno de sus precursores, a pesar de haber cultivado también numerosos éxitos en la comedia y otros géneros.

Su obra más conocida en el mundo entero y que se convertiría en uno de los más grandes clásicos del manga de terror sería Aula a la Deriva (Hyouryuu Kyoushitsu), publicada entre 1972 y 1974, en la que se relata cómo una escuela primaria es repentina trasladada en el espacio y el tiempo, con todos sus estudiantes y profesores dentro, y cómo estos niños tendrán que hacer frente al mundo hostil al que han ido a parar tras la pérdida de cordura de los adultos.

Umezu se retiró de su actividad como mangaka en 1995 debido a una enfermedad, pero él mismo se había convertido ya en todo un personaje mediático y ha continuado apareciendo en programas de televisión y películas (como la escena de apertura de esta serie de mediometrajes). Entre sus extravagancias es especialmente llamativa su costumbre de vestir con ropa a rayas rojas y blancas al más puro estilo ¿Dónde está Wally?, así como la casa que se construyó, a la que llamó Makoto-Chan House en referencia a una de sus obras más queridas por los japoneses.

¿De qué trata?

La película nos cuenta la historia de una niña que durante la Nochebuena, recibe de sus padres una advertencia: si se porta mal, Papá Noel irá a por ella.

Años después, la joven irá a un misterioso hotel a pasar la Nochebuena con sus amigos y su novio, encontrándose con un Papá Noel asesino que los intentará atrapar para descuartizarlos y dárselos de comer a sus renos. Nuestra protagonista intentará escapar por todos los medios de la pesadilla que la persigue desde su infancia.

Nuestra Opinión

El filme sigue la fórmula de la tendencia slasher, tan típica del cine de terror americano como Viernes 13 o Sé lo que hicisteis el último verano:  un grupo de jóvenes acuden a un lugar alejado y misterioso y un asesino los persigue hasta acabar con ellos.

La película resulta tan ridícula como las anteriormente mencionadas. Situaciones forzadas, momentos de tensión que, sin pretenderlo, provocan la risa, actuaciones pésimas, una ambientación ridícula y unos efectos especiales dignos de la peor película de serie B.

Por si esto fuera poco, no capta en ningún momento la esencia y el terror que producen los mangas de Umezu, de hecho, lo único que tiene de Umezu esta película es su cara y su nombre en el opening.

Y para terminar, nos justifican todas las absurdas situaciones que la película nos plantea con la excusa de que era un sueño. Mas que una forma de cerrar el argumento parece una broma de mal gusto y una forma de disculpar las cagadas de los 45 minutos anteriores.

La única razón para visionar esta "joyita" es hacerlo acompañado, así al menos podrás pasar un rato divertido comentando jocosamente con tu acompañante las ridículas situaciones que nos muestra el filme.

En resumen, una película para pasar una horrible navidad (y no precisamente por el terror que esta pueda causar al espectador).




Nota final: 4,5 [ - Mala - ]