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lunes, 31 de agosto de 2015

[RESEÑA MANGA] Kiseijuu (Parasyte)



Hola a todos, hoy en nuestra reseña hablaremos de Kiseijuu (Parasyte), un famoso manga de Hitoshi Iwaaki, que se ha convertido en un icono del gore y el terror (especialmente desde su reciente adaptación animada).

Publicada entre 1989 y 1995 en la revista seinen Afternoon de la editorial Kodansha, Kiseijuu es la obra más conocida hasta hoy de su autor, Hitoshi Iwaaki, entre cuyas obras podemos encontrar otras como Heureka (2002), Fuuke no Iru Mise (1985-1988), Tanabata no Kuni (1997-1999) o Histoire, iniciado en 2003 y en publicación, con el que Iwaaki está ganando un relativo reconocimiento.

A pesar del momento en que fue originalmente publicado, Kiseijuu no recibió adaptación animada hasta 2014, adaptación con la que la obra ganó gran popularidad a nivel internacional. Además, en noviembre de 2014 y abril de 2015 se estrenaron en cines japoneses sus dos adaptaciones a la imagen real.

¿De qué trata?

Kiseijuu comienza con la llegada a la tierra de una especie extraterrestre. Estos alienígenas tienen la peculiaridad de que necesitan unirse a un huesped para sobrevivir, alojándose en su cerebro y pudiendo controlar tanto su cuerpo como modificar la forma de sus extremidades para formar armas con las que atacar y cazar a los humanos, que son su principal alimento.

Shinichi Izumi es un adolescente que, mientras duerme, es atacado por uno de estos parásitos, quien intenta entrar en su cuerpo a través de su mano. Shinichi es capaz de bloquearlo, consiguiendo que este no tome su cerebro, sino tan solo su brazo derecho.

El parásito, al que conoceremos por el nombre de Migi, se aliará con Shinichi para sobrevivir, teniendo que enfrentarse a los parásitos que intentarán acabar con ellos.

Nuestra Opinión

El principal punto fuerte de Parasyte es observar la conducta de los invasores, cómo estos se adaptan al medio, a la sociedad, y cómo incluso intentan entrar en el gobierno para infiltrarse entre los humanos.

Otro factor interesante es la evolución de Migi y cómo este se informa y conoce la conducta y cultura humanas para conocerlos mejor y poder ayudar a Shinichi, además del desarrollo de su relación con él.

Las batallas son el punto mas débil del manga, pues el dibujo es demasiado estático, impidiendo disfrutar de la sensación de dinamismo que requiere un manga de este género.

Esto se compensa con el diseño de los parásitos, bastante curiosos y con formas de atacar y armas imaginativos, los cuales son el principal atractivo visual del manga.

Las escenas emotivas están presentes y ayudan a humanizar a los personajes hacia el final de la obra, además el dilema existencial de Shinichi (¿Soy humano o parásito?) es un punto fuerte, pero al presentar un dibujo tan simple e inexpresivo cuesta empatizar con la situación.

Kiseijuu es un buen manga que combina bastantes géneros de una forma interesante, pero flojea bastante en el apartado visual, lo que le hace perder bastantes puntos. Sin embargo la evolución de los parásitos y de la relación entre Migi y Shinichi son un aliciente para su lectura, y aunque tampoco es especialmente brillante en este aspecto, gustará a los lectores que busquen algo mas que batallas y gore.

Un manga interesante que vale la pena leer.


Nota Final: 7'5 [ - Bueno - ]

domingo, 30 de agosto de 2015

[RESEÑA ANIME] Redline



Hola a todos. Hoy hablaremos de una película de animación visualmente espectacular, frenética e intensa: Redline.

Estrenada en 2009 y producida por el estudio MADHOUSE, Redline supuso el debut como director de largometrajes de Takeshi Koike, quien también ha participado en la animación y creación de diseños de diversas producciones, así como en la dirección de uno de los cortos que componen The Animatrix (World Record) y en la de la película Lupin III: Jigen Daisuke no Bohyou, estrenada en 2014.

¿De qué trata?

Redline trata sobre un torneo de carreras homónimo, que es el más importante de la galaxia y se disputa entre los mejores pilotos. Entre ellos JP, un piloto temerario con un coche ultramodificado que le ha permitido clasificarse (con un poco de suerte) para el tan esperado torneo.

Sin embargo, la mafia que opera en las sombras no dudará en amañar las carreras para sus propios beneficios, poniéndoselo difícil tanto a JP como a Sonoshee McLaren, la favorita del torneo.

Nuestra Opinión

Redline es una película que destaca especialmente por su apartado visual. Presenta una animación muy original y de gran calidad, pocas veces vista, con paletas de colores curiosas y un sombreado característico que puede recordar a la animación de Hiroyuki Imaishi (quien, de hecho, participa en la película).

Los diseños de alienígenas, personajes y maquinaria (especialmente los bólidos) son llamativos y muy originales. Todos y cada uno de los personajes tienen diseños con mucha personalidad, lo cual los hace atractivos a la vista (aunque algunos de ellos son desagradables de mirar).

La historia de la película, sin embargo, presenta altibajos. Mientras que el comienzo de la película es rápido en intenso, como cabría esperar de un filme de esta temática, hacia la mitad del filme el ritmo de la trama decae, haciendo se resulte lenta e incluso tediosa. Recupera su ritmo original al aproximarse el clímax, pero esto acaba sabiendo a poco para la acción que prometía en un principio.

La película, además, termina resultando algo vacía, siendo la animación el mayor incentivo para verla, pues la historia no termina de enganchar en ningún momento.

Redline es una película que promete ser épica, espectacular, intensa y frenética, pero que se queda en una película que solo es capaz de destacar visualmente.

Un espectáculo visual carente de un fondo que lo sustente.


Nota Final: 7,5 [ - Buena - ]

sábado, 29 de agosto de 2015

[RESEÑA MANGA] El Libro de los Insectos Humanos



Hola a todos. Hoy en nuestra reseña hablaremos de una de las obras más oscuras del Dios del Manga, Osamu Tezuka: la maravillosa El Libro de los Insectos Humanos (Ningen Konchuuki, también conocido por su título en inglés, The Book of Human Insects).

Publicada entre 1970 y 1971, El Libro de los Insectos Humanos supuso una de las primeras grandes incursiones de Tezuka en la corriente gekiga, el manga para adultos, en la que acabaría destacando como uno de sus autores más representativos a pesar de su oposición inicial a la misma. Así, encontramos en esta obra los primeros pasos de la etapa más oscura del Dios del Manga, en la que dibujó varias de sus mayores obras maestras.

Osamu Tezuka, Dios del Manga

Osamu Tezuka, nacido en Osaka en 1928 y fallecido en Tokio en 1989, se alzaría como el gran revolucionario del cómic y de la animación japoneses, en tanto que creador del manganime moderno, convirtiéndose así en el autor más importante de la historia del cómic nipón. Es por ello que acabaría recibiendo la consideración de "Dios del Manga".

Influido desde su infancia por la propia afición de su padre al manga, las obras teatrales de Takarazuka y, sobre todo, por el cine, especialmente por la animación de Walt Disney, Tezuka debutó profesionalmente en 1946 con Maa-chan no Nikki Choo (El Diario de Maa-chan), un yonkoma manga (tiras cómicas de cuatro viñetas), pero sería al año siguiente, en 1947, cuando publicaría la obra que cambiaría para siempre el curso de la historia del manga: La Nueva Isla del Tesoro (Shintakarajima), el primer manga argumental, es decir, es el primer cómic japonés que narraba una historia larga y con argumento, más allá de las simples tiras cómicas, en el que el autor ponía en práctica las técnicas cinematográficas aplicadas al dibujo, por oposición a las escenas de plano largo y estáticas. La Nueva Isla del Tesoro se convertiría en todo un best-seller de manera inmediata, y decenas de grandes autores posteriores (como Shotaro Ishinomori, Rey del Manga) confesarían abiertamente haber tomado la decisión de dibujar manga a raíz de su lectura en su infancia.

Desde ese momento, el jovencísimo Tezuka decide dedicarse profesionalmente al manga, aunque aun así continuaría su estudios universitarios hasta doctorarse en Medicina, profesión que no llegó a ejercer, pero cuyos conocimientos le servirían para crear múltiples obras. De esta primera época del autor podemos destacar obras como la comúnmente llamada "Trilogía de Ciencia-Ficción", compuesta por Lost World (1948), Metropolis (1949) y Next World (1951). Encontramos asimismo grandes clásicos como Astro Boy (Tetsuwa Atom, 1952-1968), su obra más icónica, o Jungle Taitei (El Emperador de la Jungla, conocida como Kimba, el León Blanco en Occidente, 1950-1954).

Entre 1953 y 1956, Osamu Tezuka marcó un nuevo hito en la historia del manga al publicar el primer shojo argumental de la historia, La Princesa Caballero (Ribbon no Kishi) en la revista Shojo Club, aunque generalmente sería más conocido el remake que el propio autor realizó en los años 60, publicado en la revista Nakayoshi.

En 1954 llegarían las primeras versiones de la que Tezuka consideró siempre la obra de su vida, Fénix (Hi no Tori), que podría empezar a publicar de forma más constante y firme desde 1967 y que continuaría hasta el día de su muerte, habiendo acabado unos meses antes el último arco argumental iniciado, aunque sin poder concluir el conjunto de la obra como él deseaba.

En la década de los 60, tras fundar el estudio Mushi Productions, Tezuka se dedicó en cuerpo y alma a la animación, aunque sin abandonar el manga, como había sido su sueño desde pequeño (convertirse en el "Walt Disney japonés"). Así, en 1963 se estrenaba en la televisión japonesa la primera serie de animación de ritmo semanal con capítulos de 24 minutos de duración, formato que se estandarizaría hasta el día de hoy: la adaptación de su Astro Boy.

A finales de la década de los 60, y sobre todo a partir de la quiebra de Mushi Pro. en 1973, Tezuka claudicó en su feroz oposición al manga para adultos que estaban creando algunos de sus antiguos discípulos (el gekiga), fundando la revista COM (la más representativa de la corriente gekiga junto con la Garo) y comenzando la publicación de sus primeras grandes obras adultas y oscuras, como Oda a Kirihito (Kirihito Sanka, 1970-71), Ayako (1972-73) o El Libro de los Insectos Humanos (Ningen Konchuuki, 1970-71).

Tras un periodo en que su popularidad comenzaba a decaer, Tezuka dio un golpe de efecto con Black Jack (1973-1983), una obra que inicialmente sería una mini-serie de 5 capítulos como "última oportunidad", pero con la que el inigualable autor demostraría que aún tenía mucho que decir y que se convertiría inmediatamente en una de sus obras más populares y exitosas. Así, renaciendo de sus cenizas como su Fénix -aunque nunca estuvo realmente muerto como autor-, Tezuka comenzaba la que generalmente se considera su época dorada, dibujando algunas de sus mayores obras maestras, como Buda (Buddha, 1972-1983), MW (1976-1978) o Adolf (Adolf ni Tsugu, 1983-1985).

Convertido en el indiscutible Dios del Manga y con unas 150.000 páginas dibujadas y varias decenas de obras de animación producidas, Osamu Tezuka fallecía en febrero de 1989, víctima de un cáncer de estómago, dejando inconclusas Gringo, Neo Faust y Ludwig B., además de los arcos aún no iniciados de Fénix.

¿De qué trata?

Este manga nos cuenta la historia de Toshiko Tomura, una mujer considerada un genio, una "Da Vinci moderna", que ha logrado convertirse en poco tiempo en actriz, arquitecto y escritora, alcanzando un éxito que le ha valido un reconocimiento internacional.

Sin embargo, Tomura ha alcanzado el éxito pisoteando a todos sus demás rivales, copiando sus trabajos y a la vez mejorándolos, siendo capaz de imitar cualquier habilidad, metamorfoseándose como un insecto, un parásito que roba los trabajos ajenos y absorbe el talento de aquel que le pueda beneficiar.

Nuestra Opinión

El Libro de los Insectos Humanos es una de las obras más oscuras de Osamu Tezuka, que nos muestra cómo los seres humanos pueden hacer cualquier cosa y pasar por encima de cualquiera con tal de obtener el éxito que tanto ansían y desean.

Una obra que nos muestra la crueldad y el egoísmo que caracteriza a las personas. La historia es un gran thriller, con unas interesantes intrigas y argucias ideadas por su personaje principal que hacen que sea imposible dejar de leerlo una vez empezado. La historia presenta unos geniales giros de la trama, y nos muestra el turbio pasado de su protagonista de una forma sublime, típica del mas oscuro periodo del maestro Tezuka.

El dibujo es maravilloso, como solo un gran maestro del manga puede lograr, con geniales distribuciones de página, y escenas de gran belleza y visualmente poéticas que hacen de este manga una delicia para la vista.

El Libro de los Insectos Humanos es un manga oscuro y en cierto modo pesimista, pues habla sobre cuán miserable puede llegar a ser un humano para alcanzar sus deseos. Un thriller apasionante, con geniales intrigas, un dibujo precioso y espectacular, con la magia de los clásicos y una de las mejores protagonistas del periodo oscuro del maestro.

Una maravilla.






Nota Final: 9,5 [ - Magistral - ]

viernes, 28 de agosto de 2015

[RESEÑA ANIME] Akira



Hola a todos. Hoy en nuestra reseña hablaremos de una de las películas mas importantes de la historia de la animación japonesa y una de las que mayor repercusión tuvo en occidente: Akira, de Katsuhiro Otomo.

Katsuhiro Otomo, autor original y director

Katsuhiro Otomo, nacido en 1954, se convirtió en uno de los mangakas y directores de animación más importantes, no solo en Japón, sino en el mundo entero, gracias al arrollador éxito de Akira, tanto del manga como de su adaptación animada, ambas creadas por él mismo.

Gran apasionado del cine y de los cómics de súper héroes americanos, Otomo debuta profesionalmente en 1973 con la historia corta Juusei, seguida de otras en las que comienza a tratar los temas de ciencia ficción que tan recurrentes serían posteriormente en su obra. Su primer gran éxito llega con Pesadillas (Domu), publicado entre 1980 y 1981, galardonada con el Gran Premio de Ciencia Ficción de Japón de 1983, y que se suele considerar un antecedente claro de su obra maestra.

Sería en 1982 cuando Katsuhiro Otomo comenzaría la publicación de Akira, finalizada en 1990, que se convertiría rápidamente en uno de los mayores clásicos de la historia del manga. En 1988, Otomo paralizaría temporalmente la publicación del manga para dedicarse a producir y dirigir él mismo su adaptación animada en forma de película. El filme supondría el impacto definitivo a nivel internacional de su obra, y es a día de hoy uno de las obras más icónicas en la pugna por la consideración de la animación como un medio apto para un público totalmente adulto, en contra de la creencia habitual en Occidente, al presentar personajes e historia complejos, una ambientación oscura y violencia explícita, además de un nivel técnico a la altura de las grandes producciones hollywoodienses. Podemos mencionar además Ghost in the Shell (Mamoru Oshii, 1995) y Perfect Blue (Satoshi Kon, 1998) dentro del selecto grupo de filmes que han luchado en este sentido.

Desde el final de la publicación de AkiraOtomo dejó casi por completo su dedicación al manga para centrarse en la animación, no solo dirección, sino también guiones o diseños. Entre su filmografía encontramos la dirección de Memories (1995) y Steamboy (2004), además del guión de Metropolis (2001), adaptación del manga homónimo de Osamu Tezuka, dirigida por Rintaro.

¿De qué trata?

Akira transcurre en el año 2019, en la devastada ciudad de Neo Tokyo. Después de la Tercera Guerra Mundial, donde la antigua ciudad fue destruida por una explosión de energía causada por Akira, un niño con poderes mentales que fue desarrollado por el gobierno durante el conflicto.

Neo Tokyo se ha convertido en una ciudad llena de criminalidad, drogas, bandas de motoristas y atentados revolucionarios. Además existen sectas que adoran a Akira como a un dios y esperan su llegada como una salvación.

Durante una persecución ilegal, Tetsuo, un motorista de la banda de los Capsules, sufre un accidente con un extraño niño en mitad de la carretera. Tras el incidente, unos helicópteros del ejercito se lo llevan a unas instalaciones del gobierno donde empezará a desarrollar poderosas habilidades psíquicas comparables a las de Akira.

Kaneda, líder de la banda se unirá a un grupo revolucionario para buscar a su amigo y evitar que sus poderes se descontrolen.

Nuestra Opinión

Akira se convirtió en un éxito rotundo desde su lanzamiento, y su posterior llegada a occidente, pudiendo considerarse por ello la película de animación japonesa que desencadenó la exportación a occidente de anime de corte adulto.

Akira es una maravilla del cyberpunk, mostrándonos en este caso una sociedad distópica, devastada por la guerra, una sociedad donde las personas se refugian en la droga, el alcohol, o en las creencias de un salvador que llegará.

También nos muestra las barbaridades que el ejercito puede llegar a realizar, el daño que puede causar a los ciudadanos durante y después de la guerra.

La película tiene un ritmo intenso y frenético, con persecuciones, escenas de acción, batallas, destrucción... y un clímax escalofriante que pone la guinda a una película de por sí espectacular.

Akira es un must see para todos aquellos que se consideren amantes de la animación japonesa, la película que marcó un antes y un después en la exportación de anime a occidente. Con una animación bestial y una BSO que ambienta perfectamente el mundo devastado por la guerra y la criminalidad.

Una película brillante.


Nota Final: 9 [ - Magistral - ]

jueves, 27 de agosto de 2015

[RESEÑA ANIME] Ghost in the Shell



Hola a todos. Hoy en nuestra reseña hablaremos de una obra maestra de la animación mundial y una de las películas más importantes de la historia del anime, la increíble Ghost in the Shell (Koukaku Kidoutai) de Mamoru Oshii.

Estrenada en 1995 y basada en el manga del mismo título publicado por Masamune Shirow entre 1989 y 1991, Ghost in the Shell supondría la consagración definitiva de Mamoru Oshii como director de animación. La película se convertiría inmediatamente en un clásico reciente de la animación y pasaría a formar parte del selecto grupo de obras que han servido para defender la animación como medio para contar historias adultas, y no solo para niños, como tradicionalmente se ha pensado en Occidente, junto con otras películas como Akira (Katsuhiro Otomo, 1988) o Perfect Blue (Satoshi Kon, 1998).

Mamoru Oshii, el director

Mamoru Oshii, nacido en 1951, es a día de hoy uno de los directores de animación japoneses más importantes y conocidos en el mundo entero. Su estilo caracterizado por las historias de ciencia ficción con gran carga filosófica y simbólica, no tan alejados de la mentalidad occidental, le han convertido en todo un icono del anime.

En 1980 comenzaba su carrera profesional al ingresar en Studio Pierrot, donde haría sus primeros trabajos como director, destacando parte de la serie de televisión de Urusei Yatsura (manga de Rumiko Takahashi) y sus dos primeros filmes, Only You y Beautiful Dreamer. Más tarde, en 1983, Oshii sería elegido por el estudio para dirigir un importante proyecto, que sería el debut de toda una nueva forma de distribución de producciones animadas: el lanzamiento directamente en formato doméstico. Así, Dallos, de 4 episodios de media hora de duración, se convertiría en la primera OVA de la historia. Poco después dirigiría una nueva OVA, Tenshi no Tamago (El Huevo del Ángel), en la que ya manifiesta su característica carga simbólica y filosófica en una obra de arte animada de difícil comprensión, contando con los diseños de Yoshitaka Amano (ilustrador de Final FantasyVampire Hunter D...).

A partir de entonces, Oshii comenzaría a dirigir las grandes obras que le valdrían la consideración de la que goza hoy, como la franquicia Mobile Police PatlaborSky Crawlers o, las más significativas, Ghost in the Shell Ghost in the Shell 2: Innocence.

Sobre la franquicia GITS

A raíz del arrollador éxito de la película, acabaría naciendo toda una gran saga inspirada en el mundo originalmente creado por Masamune Shirow. En 2004, Oshii retomaba la franquicia para dirigir una secuela, Ghost in the Shell 2: Innocence, y en 2008 se reestrenaba el filme original con algunas escenas reanimadas con tecnología 3D CGI, bajo el título de Ghost in the Shell 2.0

Entre 2002 y 2005 se emitirían las dos temporadas, de 26 episodios cada una, de la serie Ghost in the Shell: Stand Alone Complex, una historia paralela a las películas de Oshii que concluiría en 2006 con la película Ghost in the Shell: Stand Alone Complex - Solid State Society.

El último proyecto de la franquicia hasta la fecha ha sido Ghost in the Shell: Arise, estrenado en 2013 en el formato de 4 OVA's, y que ha contado en el presente 2015 con una versión para televisión de 10 episodios en los que se añade contenido adicional (los dos últimos capítulos), Ghost in the Shell: Arise - Alternative Architecture. Asimismo, se ha estrenado un filme como conclusión de la saga Arise, con el único subtítulo de "Nueva Película". Toda esta saga funciona como precuela de la obra original al contar los orígenes de la Sección 9.

¿De qué trata?

La historia transcurre en Hong Kong, en el año 2029, donde la tecnología ha avanzado tanto que es posible que los seres humanos se conviertan en cíborgs, convirtiendo el 99% de su cuerpo en prótesis cibernéticas y dejando intacto únicamente el cerebro, lo cual distingue a las personas de las máquinas, pues las primeras conservan intacto su "espíritu", su Ghost.

Sin embargo, existen criminales que se dedican a hackear el espíritu de las personas, pudiendo controlarlas a voluntad, y es la Sección 9 de la policía, con la mayor Motoko Kusanagi en cabeza, la que se encarga de mantener a raya a estos criminales.

La película se centra en el caso del Titiritero, un criminal que es capaz de hackear el espíritu de las personas sin dejar ningún rastro.

Nuestra Opinión

Ghost in the Shell es considerada una de las obras maestras del cyberpunk, y no sin motivo. Su ambientación es sublime, mostrándonos un mundo totalmente informatizado, donde ningún humano está libre de modificaciones en su organismo hechas a partir de prótesis cibernéticas. La única forma de distinguir ahora a un humano de una máquina es su espíritu, y ese es el dilema que plantea la película: cuando una máquina puede pensar, ¿se le considera un humano?

El dilema existencial está presente en toda la película y Oshii lo desarrolla y profundiza en él de forma brillante. Además encontramos numerosas referencias religiosas, abundantes en las obras de Oshii y que en esta película aparecen en su máxima expresión en su increíble batalla final, una escena impactante e intensa, acompañada de una banda sonora genial.

El ritmo de la película es lento, pues Oshii dedica bastantes escenas a mostrarnos, con una lírica visual que pocos animes han logrado ofrecer, el mundo futurista de Ghost in the Shell, escenas de gran belleza y con una música de fondo que pone los pelos de punta (obra del gran Kenji Kawai).

Ghost in the Shell es una de las películas de anime que mayor repercusión han tenido en occidente (incluso cineastas como los hermanos Wachowsky, creadores de Matrix, admitieron haberse inspirado en ella), tal vez casi tanta como Akira, lo que automáticamente la convierte en un must. Pero si a esto le sumamos su sublime ambientación, su gran banda sonora, y su mensaje, profundo y filosófico, que a más de uno hará refñexionar, no cabe duda de que nos encontramos ante una de las grandes obras maestras, no solo del anime, sino del séptimo arte y de la ciencia ficción en general.

Una película imprescindible.


Nota Final: 10 [ - Imprescindible - ]

miércoles, 26 de agosto de 2015

[RESEÑA MANGA] Utsubora, la Historia de un Escritor



Hola a todos. Hoy en nuestra reseña hablaremos de una de las mejores obras (si no la mejor) de una gran autora contemporánea, la genial Asumiko Nakamura y su obra maestra, Utsubora: La Historia de un Escritor.

Su autora: Asumiko Nakamura

Como hemos comentado en la introducción, el manga que reseñamos hoy es obra de Asumiko Nakamura (1979, Kanagawa), a la que sin duda podemos considerar como una de las autoras de manga con más talento del panorama actual.

Nakamura debutó en 2002, comenzando su trayectoria profesional con la publicación de diversas historias cortas en las que ya comenzaba a explorar los temas más recurrentes de su obra, como son la psique humana, la sexualidad, la perversión, etcétera.

Aunque generalmente sea más conocida por sus creaciones del género yaoi o BL (Boys Love), como Doukyuusei y Sotsugyuusei (publicados ambos en España bajo el título de En la Misma Clase), Nakamura, en su aún no muy extensa carrera, es una autora especialmente prolífica y ha tocado múltiples géneros. De hecho, incluso dentro de sus obras enmarcadas en el BL, también cuenta con varias -las más- en las que ahonda recurrentemente en la psicología humana y las tragedias personales, como en J no Subete o Barairo no Hoho no Koro.

Uno de los aspectos más destacables de Asumiko Nakamura, sin ninguna duda, es su incomparable habilidad artística. Con trazos aparentemente sencillos y en cierto modo minimalistas, esta gran autora consigue transmitir todo tipo de emociones a sus lectores, embelleciendo incluso la gran depravación moral y psicológica por la que pasan sus personajes, a través de su elegante y delicado estilo.

Una autora de inigualable talento que tiene aún mucho que ofrecer al mundo del manga.

¿De qué trata?

La historia comienza cuando Shun Mizorogi, un novelista de gran éxito que actualmente se encuentra publicando por entregas su mejor obra hasta el momento, recibe el aviso de que una mujer, Aki Fujino, a la cual conoció en una fiesta un tiempo atrás, se ha suicidado bajo misteriosas ciscunstancias. Es entonces cuando conoce a Sakura, la misteriosa hermana gemela de Aki, con la cual iniciará una relación.

Cuando Aki y Mizorogi son relacionados por su editor, la gente que le rodea empezará a sospechar que el novelista es un plagiador...

Nuestra Opinión

Utsubora es una obra con un argumento magnífico, que comienza de forma aparentemente lenta pero que aumenta su intensidad de forma totalmente radical a lo largo de sus dos tomos, hasta llegar a un final sorprendente.

La historia es oscura y adulta, mostrándonos la decadencia tanto moral como sexual de todos y cada uno de sus personajes, los cuales son capaces de hacer cualquier cosa para lograr sus objetivos, por muy deleznables que sean los medios.

Visualmente la obra es original y con un estilo de ecos "bohemios"  perfecto para la oscura historia que Nakamura desarrolla, haciendo gala de una gran elegancia para representar las escenas sexualmente explícitas, sin mostrar nada innecesario, y con una gran sensibilidad artística que pocos autores son capaces de alcanzar, logrando escenas con una expresividad sublime.

Las intrigas de Utsubora están magistralmente realizadas, confundiendo al lector durante toda la trama, haciéndole creer cosas que no son hasta que finalmente se revela la verdad. Sin embargo, pueden resultar complejas y confusas en ocasiones, ya que los giros de la trama son abundantes.

No creemos exagerado afirmar que Utsubora es uno de los mejores mangas contemporáneos, visualmente magistral, con un dibujo expresivo y de gran belleza, con unas intrigas bien llevadas y sorprendentes que culminan con un final sublime. Una obra maestra.


Nota Final: 10 [ - Imprescindible - ]

martes, 25 de agosto de 2015

[RESEÑA ANIME] Summer Wars



Hola a todos. Hoy reseñaremos una de las películas de uno de los mejores directores de animación de los últimos años, un director que se ha ido abriendo camino entre los grandes hasta destacar considerablemente en el panorama actual, Summer Wars de Mamoru Hosoda.

Mamoru Hosoda, el director

Mamoru Hosoda, nacido en 1967, se ha convertido en los últimos años en uno de los más importantes directores de animación del panorama de la animación japonesa contemporánea.

Tras decidir convertirse en director al ver en su infancia la película Lupin III: El Castillo de Cagliostro, de Hayao MiyazakiHosoda se esforzó hasta lograr entrar en el estudio Toei una vez finalizados sus estudios. Allí comenzaría a llamar la atención con su muy remarcable trabajo con las películas de Digimon Adventure (1999) y Digimon Adventure: Bokura no War Game (2000).


Fue así como el prestigioso Estudio Ghibli le buscaría para que se hiciera cargo de la adaptación animada de la novela europea El Castillo Ambulante. No obstante, la pretendida autosuficiencia de Hosoda le saldría cara al no querer pedir ayuda para la realización del storyboard, lo que le llevó a no ser capaz de cumplir los plazos. Por ello, Ghibli prescindió de Hosoda, siendo finalmente el propio Miyazaki quien se haría cargo del proyecto.

Creyendo que su carrera estaba acabada y que ningún estudio volvería a confiar en él, Hosoda regresó a Toei. Sería con la dirección del episodio 40 de la serie Magical DoReMi con la que el director volvería a llamar la atención, en esta ocasión de Masao Maruyama, productor y cofundador del estudio MADHOUSE.

Gracias al patronazgo de MaruyamaHosoda consiguió la oportunidad que tanto esperaba y que le lanzaría al estrellato: la dirección de la película La Chica que Saltaba a Través del Tiempo, en 2006. Esta película, junto con Summer Wars en 2009 y Wolf Children (Ookami Kodomo: Ame to Yuki) en 2012, convertirían a Mamoru Hosoda en uno de los directores más prestigiosos de la actualidad, hasta el día de hoy, en 2015, cuando su nueva película, Bakemono no Ko (The Boy and the Beast), está arrasando en la taquilla japonesa.

¿De qué trata?

Kenji Hoshio es un estudiante con un gran talento para las matemáticas y la programación cuyo único plan para el verano es trabajar administrando Oz, el mundo virtual de moda en el que se puede hacer y encontrar prácticamente cualquier cosa.

Sin embargo, este plan se tuerce cuando Natsuki, la chica más guapa de su clase y a la cual admira en secreto le pide que se haga pasar por su novio para presentárselo a su familia durante el cumpleaños de su anciana abuela, quien desea mas que nada conocer al futuro marido de su nieta.

Durante su estancia con la familia de Natsuki, Kenji recibe un complicado problema matemático en su móvil, el cual logra resolver con sus conocimientos. Esto causará que un hacker entre en Oz, desatando el caos en todo el planeta. Kenji y Natsuki, junto a toda su familia, deberán unir fuerzas para devolver Oz a su orden y detener al hacker que ha penetrado en sus sistemas.

Nuestra Opinión

Summer Wars es, como acostumbra a hacer Hosoda, una gran película. En ella se tratan temas como el amor o la importancia de la familia, de una forma emotiva, pero divertida a la vez. Destacan las escenas de reunión de la familia de Natsuki, con una gran variedad de personajes, cada uno de ellos con rasgos distintivos que los hacen divertidos y carismáticos.

Visualmente la película es increíble, especialmente las escenas de batallas dentro del mundo de Oz, donde Hosoda demuestra su habilidad para los diseños y la animación, mostrando personajes coloridos, diseños altamente originales, y una acción frenética que hace el desarrollo mas interesante.

La película, por desgracia, parece algo menos profunda que otras del autor, centrándose esta mas en la acción y la comedia que sus otras películas donde lo que es prioritario es su mensaje.

Summer Wars es una película entretenida, con un mensaje que, si bien podría desarrollarse más, está bien planteado, una acción trepidante que encantará a los fans de Digimon (con la cual comparte similitudes, pues fue Hosoda quien dirigió la película Our War Game, en la que ya se aprecia el mismo estilo visual para los mundos cibernéticos que volvería a emplear en la película que reseñamos). Los familiares de Natsuki son divertidos y añaden el punto de comedia que hace de la película una delicia. Muy recomendable.


Nota Final: 8 [ - Muy Buena - ]

lunes, 24 de agosto de 2015

[RESEÑA MANGA] The One Pound Gospel



Hola a todos. Hoy en nuestra reseña hablaremos de una de las mejores obras de Rumiko Takahashi, una comedia romántica maravillosa, con un humor genial y el boxeo como telón de fondo: The One Pound Gospel (Ichi Pound no Fukuin, El Evangelio de Una Libra).

Rumiko Takahashi, artesana del manga

La pequeña gran Rumiko, pequeña de estatura pero inmensamente grande como autora, nacida en 1957, se constituye hoy en día como una de las más importantes creadoras de manga de la historia del cómic japonés.

Takahashi comenzaría su trayectoria profesional al ingresar en la escuela de dibujo dirigida por ni más ni menos que Kazuo Koike, el autor de grandes clásicos como El Lobo Solitario y su Cachorro. En 1978, Rumiko Takahashi comienza la publicación de su primera serie de largo recorrido, Urusei Yatsura (también conocida como Lamu), que finalizaría en 1987 con un total de 34 tomos recopilatorios y un éxito arrollador a sus espaldas.

Entre 1980 y 1987, de forma paralela a Urusei Yatsura, la imparable autora comenzaría la que se convertiría en su obra magna, la mayor de sus obras maestras, Maison Ikkoku, una nueva comedia romántica, pero esta vez dirigida al público maduro.

Asimismo, entre el 84 y el 87 publicaría su obra más "oscura" hasta la fecha, Ningyo Saga (Mermaid Saga).

En 1987 comenzaría a dibujar la serie que la lanzaría al estrellato a nivel mundial, Ranma 1/2, que finalizaría en 1996 con un total de 38 tomos. 

Aquel mismo año se iniciaría también la publicación de One Pound Gospel (Ichi Pound no Fukuin), su segunda comedia romántica pensada para lectores adultos, cuya publicación se vería dilatada por diversas circunstancias hasta su conclusión en 2006, a pesar de su brevedad (4 tomos recopilatorios).

Una vez finalizado Ranma 1/2, la incombustible Rumiko comenzó su manga más largo hasta la fecha, InuYasha, la obra con la que la autora se pasaba a las historias de acción y aventuras, pero sin abandonar en ningún momento su tan característica comedia romántica. Finalizado en 2008, contó con 56 tomos.

En 2009 comenzaría Kyoukai no Rinne, con la que continúa cosechando éxito a día de hoy.

Todo ello combinado con la publicación espontánea de numerosas historias cortas de diversos géneros, agrupadas en diversos tomos únicos, como La Tragedia de P o 1 or W.

Gracias al éxito y la gran calidad de sus obras manga, acompañadas en casi todas las ocasiones por adaptaciones animadas, Rumiko Takahashi se alzó como uno de los grandes iconos del mundo del cómic, toda una artesana del manga.

¿De qué trata?

En The One Pound Gospel conoceremos a Kosaku Hatanaka, un boxeador de gran talento, pero con un enorme defecto: un incontrolable apetito que le hace subir de peso y le condiciona a luchar en categorías diferentes a la suya, o a no poder pasar los controles de peso previos a los combates, lo cual es un fastidio para su entrenador, quien, a pesar de sus constantes esfuerzos para que adelgace, no consigue que Hatanaka modere su adicción a la comida.

Durante sus entrenamientos conoce a la hermana Ángela, una monja novicia que decide enderezarle y hacer que deje de comer a escondidas para que pueda boxear sin problemas. Hatanaka pronto empezará a sentir algo por Ángela, quien también se sentirá, con el tiempo, confundida respecto lo que siente y lo que cree, dividida entre su amor y su fe.

Nuestra Opinión

The One Pound Gospel es sin duda una de las mejores obras de Rumiko Takahashi, presentándonos un romance adulto y bien desarrollado, donde la relación entre Hatanaka y Ángela avanza despacio, acercándose cada vez más de forma realista hasta llegar a la decisión final de Ángela: ¿fe o amor?

La comedia típica de Takahashi está presente durante toda la obra, siendo especialmente divertidas las discusiones entre el entrenador y Hatanaka, o sus continuas tretas para escapar del gimnasio y atiborrarse de comida.

Los personajes son tan carismáticos como los que acostumbra a crear la inigualable autora. Destacan el entrenador cascarrabias y estricto y todos los rivales a los que se irá enfrentando el protagonista, cada uno de ellos bien desarrollado y con sus propios motivos para combatir.

Los combates también son abundantes, dando a la obra un toque de emoción, acción e intensidad que la hace aun más adictiva si cabe. En este sentido, es la obra en la que más se pueden apreciar las ya de por sí abundantes similitudes como autores de Rumiko Takahashi y Mitsuru Adachi, siendo éste el gran mangaka especializado en comedia romántica deportiva.

The One Pound Gospel es una obra magnífica de una de las mejores autoras de manga. Acción, comedia y romance se unen en un perfecto cóctel en los 4 tomos que componen esta maravilla. Muy adictiva, divertida y emocionante.


Nota Final: 9,5 [ - Magistral - ]

domingo, 23 de agosto de 2015

[RESEÑA MANGA] Reproducción por Mitosis



Hola a todos, hoy en nuestra reseña hablaremos de una recopilación de historias cortas de uno de los mejores mangakas alternativos actuales. Un maestro de la experimentación narrativa capaz de hacer cosas sorprendentes (y en ocasiones perturbadoras) sobre el papel. Estamos hablando de Reproducción por Mitosis (Kasutoro Shiki), de Shintaro Kago.

Shintaro Kago, el Enfant Terrible de nuestros días 

Shintaro Kago, nacido en 1969, debutaba profesionalmente en el año 1988 en la revista COMIC BOX.

Sus obras se caracterizan fundamentalmente por el uso de elementos y escenas de carácter sangriento, escatológico y sexual, buscando producir una sensación de repulsión en el observador de sus ilustraciones y lector de sus mangas. Así, queda enmarcado dentro de la corriente del ero-guro, una vertiente del género gore que fusiona un erotismo soez con un tipo de gore especialmente explícito y escatológico. 

No obstante, es importante señalar que Shintaro Kago no hace uso del ero-guro por el mero "placer" de la repugnancia, sino como herramienta de protesta contra las convenciones sociales y el encorsetamiento de la sociedad japonesa contemporánea.

En sus obras, Kago pone de manifiesto su inigualable habilidad para la experimentación tanto en el campo artístico, como se muestra especialmente en Reproducción por Mitosis, como en el narrativo, algo que podemos apreciar en Fraction, la historia en la que el autor engaña al lector a la vez que le explica los recursos que está empleando para ello. De igual manera, suele dibujar historias satíricas respecto al Japón actual, como las que podemos encontrar en Novia Ante la Estación (Ekimae Hanayome).

Además de su labor como mangaka, Shintaro Kago destaca por sus ilustraciones, que muestran, incluso aún más que sus mangas, su fascinante y quizás enfermiza mente. Del mismo modo, se declara aficionado a la animación, y ha creado por sí mismo diversos cortos de pocos minutos para internet.

¿De qué trata?

En Reproducción por Mitosis encontramos 14 capítulos autoconclusivos, cada uno de ellos un pequeño experimento en el que Kago juega con la narrativa de su obra, creando cosas nunca vistas, y casi siempre con el sexo, el gore, las vísceras y la repugnancia como marco de acción.

Una de las historias, la que da título al tomo, nos muestran una viñeta que habla al propio lector como un personaje, a la vez que actúa como medio para transmitir la acción, y que empieza a dividirse, a reproducirse por un proceso equivalente a la mitosis celular, dando lugar a nuevas viñetas que continúan la historia, tomando diferentes caminos y llegando a una conclusión sorprendente, a la par que grotesca, como es propio de Kago.

Cabe señalar especialmente además la historia Precauciones Innecesarias, en la que se presenta una ilustración con una lámina con "ventanas" (viñetas) que oculta parte de ella, de manera que según lo que ésta oculte o deje a la vista, nos permite leer una historia u otra (se debe destacar la magnífica labor de traducción efectuada para esta historia por Marc Bernabé para la edición española, pues todos los textos deben encajar como un puzle para conseguir el efecto deseado por Kago).

Nuestra Opinión

La perversión, al igual que en las demás obras del autor, está muy presente, por ejemplo en historias como la de una chica obsesionada con los reversos, las cosas invertidas o del revés, que, a causa de un accidente, logra dar la vuelta a sus ojos, pudiendo observar el interior de su cuerpo, ocasionándole una gran excitación; o una curiosa historia sobre sumo que hay que leer para creer.

A pesar de la sangre, vísceras, sexo explícito y demás contenido desagradable, no se debe leer a Shintaro Kago buscando el ero-guro, sino algo diferente: experimentos en los que juega con la narrativa como nunca se ha hecho. Reproduccion por Mitosis es originalidad en estado puro.

A los amantes del manga alternativo, o del arte del cómic en general, y a los que busquen algo totalmente diferente a lo habitual, les encantará Shintaro Kago. Sin embargo puede resultar desagradable para los estómagos más delicados por lo que no lo recomendamos a todo el mundo.

Una obra diferente, única, original, rompedora... los experimentos de Shintaro Kago comprendidos en este tomo único son una maravilla del manga. No recomendable para sensibles.


Nota Final: 10 [ - Imprescindible - ]